Cómo comprender la danza

La bailarina, coreógrafa y performer Cuqui Jerez estrena “Sugar Island”, una performance sobre la comprensión de la danza. En breve, en Teatros del Canal. 

La bailarina, coreógrafa y performer Cuqui Jerez estrena “Sugar Island”, en España, en la Sala Negra de Teatros del Canal. Se trata de una propuesta escénica que difumina los límites entre lo real y lo representacional.

La obra se enmarca en la investigación que la artista ha desarrollado, en los últimos años, sobre la “suspensión del sentido”, un proceso creativo que ya dio lugar a la trilogía “Las Ultracosas”, “Mágica” y Elástica” y “Supernova”, presentada en diversos festivales de Europa y México.

En esta nueva pieza, Jerez explora cómo las operaciones coreográficas abstractas y las experiencias contemplativas pueden dialogar con referencias tan variadas como lo mundano, el artificio, el clasicismo y lo extraño. El resultado es una creación escénica difícil de nombrar: un espacio donde se desarticula la lógica consciente y emerge una estética del vacío, el absurdo y el extrañamiento, con un carácter a la vez irreverente y lúdico.

Con ello, la autora traza una nueva línea de trabajo que enlaza sus investigaciones previas con la codificación técnica del ballet, abriendo así una grieta que cuestiona y reinventa la manera en que entendemos la danza contemporánea.

Nacida en Madrid en 1973, Cuqui Jerez es una intérprete y bailarina licenciada en Ballet Clásico por el Real Conservatorio de Música y Danza de la capital española. Tras trabajar, desde 1990, por toda Europa, comenzó su propia labor coreográfica en 1999. Ha generado funciones escénicas y vídeos que han podido verse en numerosos festivales europeos e hispanoamericanos. Entre sus montajes destacan “Me encontraré bien enseguida; solo me falta la respiración”, “Hiding Inches”, “A space odyssey” y “The Real Fiction”.

Lo podremos ver, los días 4 y 5 de este mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/shorts/IOeMuwqxD_I

¡Qué frágil la familia!

El reputado director escénico Gabriel Olivares nos trae “Género de dudas”, una tragicomedia acerca de la fragilidad de las certezas familiares y sociales liderada, en sus interpretaciones, por los mediáticos Pastora Vega y Pablo Carbonell. Ya, en el Teatro Infanta Isabel.

El famoso director Gabriel Olivares (“Burundanga”, “Avenue Q” o “Proyecto Edipo”) adapta el texto “Género de dudas”, de la autora francesa Jade-Rose Parker ,que podremos ver en el Teatro Infanta Isabel, con funciones de miércoles a domingo. Una tragicomedia moderna sobre la fragilidad de las certezas familiares y sociales protagonizada por la actriz y presentadora de televisión Pastora Vega y el cantante, actor y showman Pablo Carbonell junto con Ariana Bruguera y Abraham Arenas.

La pieza gira en torno a Julia, una mujer elegante y vital que ha dedicado su vida a apoyar a su esposo Francisco, un político en plena campaña electoral con quien comparte 30 años de matrimonio estable.

La supuesta solidez de esa vida se resquebraja cuando Julia recibe una carta con una noticia inesperada que sacude sus cimientos. A esa tormenta se suma la llegada de Lucía, la hija adoptiva de la pareja, portadora de revelaciones aún más inquietantes. Entre tensiones y emociones al límite, cada personaje deberá enfrentarse a sus propias creencias, asumir su lugar en el mundo y mostrar, quizá por primera vez, su verdadero rostro.

Con un estilo actual y directo, se plantea un retrato de cómo lo imprevisto puede desmontar las estructuras más fuertes, obligando a repensar los vínculos familiares, las convicciones personales e incluso el peso de las apariencias en la esfera pública.

La podemos ver, desde hoy, y hasta el próximo 11 de enero, en el Teatro Infanta Isabel.

https://www.youtube.com/shorts/JVG87qXwEBg

Oda a la vida campestre

La directora escénica Ana Contreras dirige un texto de Raúl Losánez basado en la poesía de José María Gabriel y Galán sobre el mundo rural. Unos textos sublimes para una obra exquisita: “Aromas de soledad”. Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

La directora escénica Ana Contreras (“Esta divina prisión”) dirige “Aromas de soledad”, un texto de Raúl Losánez basado en la poesía de José María Gabriel y Galán, que brinda un homenaje a la España vaciada y al mundo rural.Ya la podemos disfrutar en el Teatro Fernán Gómez.

Con la participación de los actores Lola Casamayor, Jesús Noguero y Nacho Vera, la función convierte esos poemas en un viaje escénico que, más allá de su valor literario, se erige en un discurso sobre la vida sencilla, espiritual y en comunión con la tierra. Desde Castilla y Extremadura hasta los escenarios de hoy, el montaje rescata la memoria de un autor que supo captar como pocos el alma del campo y lo proyecta hacia una reflexión actual sobre el abandono de lo rural en el presente.

José María Gabriel y Galán (1870-1905) fue uno de los poetas más leídos por las clases humildes de su tiempo y cuya obra sigue resonando como un reflejo de la vida campesina y la relación íntima con la naturaleza. Nacido en Frades de la Sierra (Salamanca), en el seno de una familia de labradores y ganaderos, Gabriel y Galán alcanzó gran popularidad antes de fallecer prematuramente a los 34 años. Escritores como Miguel de Unamuno y Emilia Pardo Bazán reconocieron su talento, destacando la capacidad de su poesía para conmover al pueblo llano y dar voz a quienes, a menudo analfabetos, memorizaban y recitaban sus versos durante décadas.

Los textos rezuman lírica por los cuatro costados. La dirección e interpretación de los actores, impecables y la escenografía, más apropiada, imposible.

En resumidas cuentas, una delicia dramático-poética para no perdérnosla...

Ficha artística:

Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela

• Texto - José María Gabriel y Galán

• Versión y dramaturgia - Raúl Losánez

• Dirección - Ana Contreras

• Reparto - Lola Casamayor, Jesús Noguero y Nacho Vera

Medidas extremas contra los abusos del poder

“El secuestro”, una exitosa comedia del Teatro Lara, cuenta cómo Paco es un carnicero al que están a punto de cerrarle el mercado donde lleva trabajando toda su vida, desesperado, decide que su mejor opción es secuestrar al hijo del ministro de cuyo voto depende el cierre… pero llega su hermana… y su cuñado… y todo se complica… más… y aún más… mucho más. 

El protagonista de la comedia “El secuestro”, del Teatro Lara, vive una tragedia muy real, casi cotidiana en nuestros días; tiene cincuenta años, una hipoteca, una hija pequeña y se ve en la calle y sin futuro. Paco se convierte en justiciero, como Charles Bronson, como Batman… pero Paco no es Charles Bronson, ni Batman, Paco es Paco…  y al final del día no tenemos más remedio que aceptar quienes somos y confiar en que todo salga bien.

Según sus creadores, la obra nace de la necesidad de reírse de uno mismo, del vecino y de la adversidad. Según ellos, “Cuando los que tienen que velar por nuestro bienestar nos roban y nos 'ningunean' no queda más remedio que tomar cartas en el asunto.”, declaran. 

Una obra de gente de la calle y políticos, de familia que se quiere como se quieren las familias y que nos recuerda que con humor y una escopeta de cartuchos las penas se llevan mucho mejor.

“El secuestro”, cuyo origen es una estupenda e irónica película francesa titulada “El secuestro de Michel Houellebecq” (haciendo referencia a este polémico y súper-ventas escritor galo), de 20214,es una visión optimista del ser humano en un entorno de lo más pesimista. El secuestro se ha representado en México, Argentina, Uruguay, Panamá, Perú, Polonia e Italia. Tanta gente no puede estar equivocada.

La podemos ver, en lo que queda de temporada, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/watch?v=3umnYQElcVY

La podemos ver, en lo que queda de temporada, en Teatro Lara.

Las últimas horas de Truman Capote

En su última noche, el mítico escritor rebelde norteamericano de la segunda mitad del siglo pasado Truman Capote (“A sangre fría”) se enfrenta a sus fantasmas: un asesino, las amigas que lo traicionaron y, sobre todo, su madre. Entre lo real y lo fantástico, un viaje al corazón roto de un genio. Esta es la trama del drama de los Teatros Luchana “Yo. Capote”.

Asistimos a la última noche en la vida de Truman Capote.

El alcohol y las sustancias van de la mano, cómplices, en un inesperado encuentro con Perry Smith, el asesino del que se enamoró escribiendo A Sangre Fría, obra maestra del True Crime.

Pero esta noche no es solo suya. Capote también se enfrenta a los fantasmas de aquellas que fueron sus amigas, los cisnes . Mujeres de la alta sociedad que lo adoraron y luego lo desterraron tras la traición de sus secretos más íntimos. Desde el umbral de lo real y lo fantástico, desmonta rencores y cuentas pendientes no solo con el preso, sino con su verdadera obsesión: su madre. La que marcó su vida, su inseguridad, su hambre insaciable de aceptación y amor.

Escrita por Dámaso Conde y dirigida por Manuel M. Velasco, la obra supone un baile transformador de lo público a lo íntimo que trata de reparar lo que ya no se puede. El corazón roto de un niño perdido.

Y es que Capote nunca perdió en su interior ese niño que todos llevamos con nosotros y que, con la edad adulta, vamos dejando de lado...

La podemos ver, en Teatros Luchana, toda la temporada.

https://www.youtube.com/watch?v=xeBPrt01nHI

!Las peores villanas de ficción hacen de las suyas!

Maléfica, Úrsula, la Reina Malvada y la Madrastra de Cenicienta están cumpliendo condena en el Limbo de las Villanas. Sin embargo, la libertad no está del todo perdida... Este es el argumento de la loca comedia de los Teatros Luchana “Villanas. Han vuelto”. Ya, en cartel...

Una vez cada cien años, la Hermandad de las Hadas Madrinas de la Misericordia concede el indulto a una villana. ¿Cuál será la elegida, en esta ocasión..?

Las cuatro villanas más clásicas (Maléfica, úrsula, La Reina Malvada y la Madrastra de Cenicienta) cantarán la otra versión de la historia para demostrar que merecen ser liberadas. ¿Su título..?: “Villanas. Han vuelto”.

¡Esta loca y pérfida comedia es totaaaal..!

La podemos ver, todo lo que queda de temporada, en Teatros Luchana.

https://www.youtube.com/watch?v=wDvURWTTC6U

La cerámica en la danza

La compañía franco-catalana presenta “Qui son?. Baro D'evel”, una investigación circense sobre la cerámica como materia y metáfora. Pronto, en Centro Danza Matadero. 

La compañía franco-catalana Baro d’evel, una de las agrupaciones de circo contemporáneo más importantes del momento, pronto, representará, en Centro Danza Matadero - CDM, "Qui son? Baro dével", una investigación artística sobre la cerámica como materia y metáfora.

Se trata de la primera parte de un tríptico escénico y performático creado por Barbara Métais Chastanier y Camille Decourtye que propone una reflexión poética que explora la construcción colectiva de nuestros mundos interiores y sociales a través del uso simbólico de materiales como la cerámica, el color, la arcilla, el plástico y los desechos.

Y es que el montaje convierte el acto de soñar en una forma de resistencia y transformación, en un paisaje evocativo y sensorial donde lo íntimo se proyecta como posible futuro colectivo. Todo ello mediante una pieza inter-disciplinar que mezcla el teatro físico, la performance, el circo y las artes visuales, con un fuerte componente sensorial y alegórico.

Baró d’Evel es una formación fundada en 2001 por Camille Decourtye y Blaï Mateu Trias, quienes colaboran desde el año 2000. El grupo ha interpretado sus producciones en numerosos países, con más de 600 funciones, entre las que destacan Bèsties o Mazút. Obras que abordan el circo con animales desde una perspectiva armoniosa y respetuosa que va mucho más allá de la malsana visión que se tiene en la actualidad.

La podremos ver, del 5, al 7 de diciembre, ambos inclusive, en Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=GnbX9i7Pj9o