Espacios en tránsito para una danza

El coreógrafo Elías Agirre estrena Aurunca, un montaje de danza, teatro gestual y filosofía sobre los ‘no lugares’. En breve, en Teatros del Canal.

Un aeropuerto, la habitación de un hotel, la parada de un metro son “no lugares”, espacios de tránsito de gentes anónimas. El coreógrafo y bailarín Elías Aguirre los conoce bien por sus viajes por el mundo como artista. Y en uno de ellos se inspira para su nuevo montaje, Aurunca, que, próximamente, estrena en la Comunidad de Madrid en Teatros del Canal.

Elías Aguirre (Alicante, 1979) es un artista multidisciplinar, que integró como bailarín la compañía Mayumana, actuó junto a prestigiosos artistas de la música, la danza y el teatro y participó en varias películas. En 2008 comenzó a crear proyectos propios y en colaboración, y a partir de 2010 integró las compañías residentes del Ayuntamiento de Madrid, actuando en los cinco continentes y obteniendo importantes premios internacionales (el Premio Iberoamericano de Alicia Alonso, el Premio del Concurso Coreográfico Burgos-Nueva York). Su investigación, plástica y coreográfica, se inspira en el mundo de la naturaleza y combina técnicas de danza contemporánea y urbana.

Entre sus creaciones destacan la multipremiada Entomo (2009), Longfade (2011), Lucha, fligthless (2015), Rarewalk (2018), Insecto primitivo (2019), Flowerheads show (2022), This is Alfred (2023). Además, es director artístico del Festival Cuerpo Romo (10 ediciones) y del Certamen Vallecas Danza (6 ediciones).

Aurunca lo desarrolló en mayo de 2023 a partir de una residencia en el Centro Coreográfico María Pagés. Allí lo presentó como un estudio sobre la relación entre la percepción de la muerte que tienen las personas y los no lugares. En octubre de ese año lo mostró en el Teatro Palladium de Roma, dentro del programa dedicado a la escena española Voices from Spain.

El nombre de Aurunca remite a una estación de tren del sur de Italia, uno de esos no lugares insólitos por los que Elías Aguirre ha transitado, pero que en esta ocasión, según el propio artista, “simboliza una parada obligatoria, un momento de reflexión”, que le lleva a pensar que “tal vez, algún día, asumamos que nuestro sentido identitario también puede desplegarse con todo su esplendor en las itinerancias”.

La podemos ver, del 7, al 9 de este mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/shorts/Jra_EWnCCNM

No hacer nada para hacer mucho

El dramaturgo Pablo Rosal escribe y dirige A la fresca, una fábula poética centrada en la conversación y la comunidad social. En breve, en Nave 10 Matadero.

Pablo Rosal, autor y director de A la fresca, propone una sugerente fábula sobre el encuentro de tres desconocidos a través de la conversación. Una conversación que, si permanecemos atentos, es capaz de crear comunidad. Una comunidad de tres, proporcionada y en miniatura, capaz de acogernos a todos nosotros. Esta obra efervescente, que se sostiene en la pequeñez de la charla y las palabras, está construida como un rosario de metáforas que multiplican sus significados al colisionar con nuestro cerebro.

El argumento de la obra trata de cómo en una casa de campo idílica, corrompida por la inevitable práctica humana y familiar, tres personajes se conocen gracias a las virtudes de salir al fresco. Eusebio, un escritor que busca refugio, regresa, después de veinte años, a la que fue la casa de campo de sus abuelos. Allí, se encuentra con Matilde, una cocinera, y con Manolo, un albañil de la región. Eusebio, ante la imposibilidad de usar la casa para lo que desea, ya sea por culpa de su familia o de los alquileres vacacionales, proyecta construir una cabaña en la que volver a sentir la inspiración.

En este espectáculo Pablo Rosal construye un artefacto único cargado de poesía. Un relato tierno donde el universo funciona y sigue siendo dulce. Donde todavía conversamos con el vecino. Donde se celebra eso tan corriente de sentarnos al fresco para no hacer nada, de lo que, en el fondo, trata la vida real, la que nos hace reencontrarnos con nosotros mismos...

La podemos ver, del 6, al 23 de febrero, en Nave 10 Matadero.

https://www.youtube.com/shorts/zL3oOwaa6qE

Espectáculo acerca de Buero Vallejo

La compañía Frutos Teatrales representa Mesa Revuelta, un espectáculo que expone las diferentes facetas del escritor Antonio Buero Vallejo, el autor de Historia de una escalera, que, precisamente, también se está representando, en estas semanas, en este mismo escenario del Teatro Español.

La compañía Frutos Teatrales representa Mesa revuelta, un espectáculo que expone las diferentes facetas del escritor Antonio Buero Vallejo, a través de algunas de sus obras.

Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, 1916 - Madrid, 2000) es una de las figuras más emblemáticas de la literatura nacional, que trasciende el ámbito teatral con un legado que incluye artículos, entrevistas y narrativa. Con todo ello Marlene Michaelis ha generado un montaje innovador que toma la forma de una conferencia y con la que se exploran las múltiples caras del autor y su perspectiva sobre el estado del realismo en su época.

Así, se muestran las diversas personalidades de Buero, quienes discuten y defienden sus opiniones sobre la responsabilidad del dramaturgo ante su audiencia y el contexto artístico en el que se desarrollaba. A medida que el escenario cobra vida, los asistentes son transportados a un diálogo que, aunque anclado en el pasado, resuena sorprendentemente con los problemas actuales del arte y la cultura.

Y es que esta pieza no solo es un homenaje al artista, sino también una llamada a la reflexión acerca de la importancia del teatro como una herramienta para la crítica social y el análisis de la condición humana.

La podemos ver, del 6, al 16 de febrero, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/shorts/SVDx3NPDZ7E

El musical de los musicales

Es Gypsy, el cuarto musical dirigido por Antonio Banderas. Cuenta con una partitura incomparable, un libreto brillantemente concebido y uno de los personajes más ambiciosos que se hayan podido ver sobre un escenario, a lo largo de la historia del musical norteamericano. Ahora, en el Teatro Apolo de Madrid.

El súper musical Gypsy, ahora en una adaptación de nuestro Antonio Banderas, es uno de los mejores musicales estadounidenses de todos los tiempos y por primera vez llega a España. Con libreto de Arthur Laurents, música de Jule Styne y letras de Stephen Sondheim, es una puesta en escena original de Antonio Banderas, con dirección musical de Arturo Díez Boscovich, traducción del libreto de María Ruiz, traducción de letras de Roser Batalla y coreografía de Borja Rueda.

La estrella de teatro musical Marta Ribera protagoniza esta gran producción en el papel de Rose, acompañada de Lydia Fairén como Louise, Carlos Seguí como Herbie, y de Laia Prats interpretando a June.

El espectáculo contará con tres de las coreografías originales de Jerome Robbins (uno de los grandes coreógrafos y directores de la historia de musicales como West Side Story o El violinista en el tejado, entre muchos otros).

Estamos ante  la historia definitiva sobre una ambiciosa “madre del artista” que lucha por el éxito de sus hijas, mientras secretamente anhela el suyo propio. Basado libremente en las memorias de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee, su trama central gira en torno al personaje de Rose, la madre de Gypsy, una mujer implacable que busca convertir a sus hijas en estrellas del vodevil a cualquier precio.

Inspirado libremente en la América de los años veinte y treinta, cuando el vodevil y el burlesque nacieron, este musical de referencia de Arthur Laurents explora el mundo del espectáculo con humor, corazón y sofisticación.

La célebre partitura de Jule Styne y Stephen Sondheim es interpretada en directo por 26 músicos de la orquesta Larios Pop del Soho, bajo la dirección musical de Arturo Díez Boscovich, incluyendo grandes éxitos musicales como Se abre un camino de Rosas, Voy a entreteneros, No te librarás de mí, Invéntate un toque o Unidos seguimos.

Lo podemos ver, durante toda la temporada, en el Teatro Nuevo Apolo.

https://www.youtube.com/watch?v=n_96GaRJRNA

Nueva versión de La corte del faraón

Estamos frente a una adaptación de La corte del faraón, una de las zarzuelas más divertidas bajo la dirección musical de Carlos Aragón. Ya, en el Teatro de la Zarzuela.

Carlos Aragón se encarga de la dirección musical de la divertida zarzuela La corte del faraón, una nueva adaptación de la zarzuela escrita por Guillermo Perrín y Miguel de Palacios y con música de Vicente Lleó. Una obra que ya podemos disfrutar en el Teatro de la Zarzuela.

Desde su estreno en 1910, este montaje ha cosechado risas y aplausos hasta convertirse en una de las zarzuelas más divertidas de la escena. Su historia relata de forma cómica la historia del casto José, un hebreo que llega como esclavo a la corte del faraón. Allí su castidad será puesta a prueba una y otra vez debido al cortejo al que se ve sometido por la esposa del general Putifar, un hombre de gran valor, pero imposibilitado para las labores conyugales debido a una herida de guerra, y la propia faraona, al verse desplazada por la continua embriaguez del rey de Egipto. 

Esta historia fue llevada al cine por José Luis García Sánchez en 1985 siendo protagonizada por Antonio Banderas, Ana Belén y Fernando Fernán Gómez. Además, fue galardonada con la Concha de Plata del Festival de San Sebastián de ese mismo año.

La podemos ver, hasta el 16 de febrero, en el Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=R4d22rAbbIA

Ficha artística:

• Libreto - Guillermo Perrín y Miguel de Palacios

• Música - Vicente Lleó

• Dirección musical - Carlos Aragón

• Dirección de escena - Emilio Sagi

• Escenografía - Daniel Bianco

• Vestuario - Gabriela Salaverri

• Iluminación - Eduardo Bravo

• Coreografía - Nuria Castejón

• Orquesta - Orquesta de la Comunidad de Madrid

• Coro - Coro del Teatro de La Zarzuela / Director coro - Antonio Fauró

Reparto:

• Lota - María Rey-Joly

• Reina - Itxaro Mentxaca

• Sul - Enrique Viana

• Raquel - Annya Pinto

• Ra - Amparo Navarro

• Sel - Amelia Font

• Ta - Leticia Rodríguez

• El gran faraón - Luis Cansino (días 29, 30, 31, 5, 6, 7, 8 y 9) / Enric Martínez-Castignani (días 1, 2, 12, 13, 14, 15 y 16)

• José - Jorge Rodríguez-Norton

• El general Putifar - Ramiro Maturana

• El gran sacerdote - José Manuel Díaz

• Selhá - Jesús García Gallera

• Seti - Rafael S. Lobeto

Hª de España en treinta años, desde los años veinte

Transcurridos 75 años desde su estreno, en el Teatro Español, regresa a este escenario el clásico Historia de Una escalera, del clásico dramaturgo español del siglo XX Antonio Buero Vallejo, bajo la dirección de la gran Helena Pimenta y un reparto liderado por nuestra actual mejor actriz teatral, Gloria Muñoz.

Tras ganar el premio Lope de Vega del Ayuntamiento de Madrid, en 1949, Historia de una escalera se convirtió en una de las obras esenciales de la literatura dramática de España. El 14 de octubre de 1949, se estrenaba en el Teatro Español esta primera obra de Buero Vallejo en un escenario. Algunos meses antes de que viese la luz se habrán cumplido 75 años de esta fecha.  

El tiempo transcurre en esta escalera, la verdadera protagonista del drama, mientras se desarrollan las vidas de sus vecinos; gentes sencillas que intentan sobrevivir en una sociedad imposible. Un argumento que se compone de pequeñas historias que tienen lugar durante tres momentos de nuestra historia (primavera de 1919, otoño de 1929 e invierno de 1949) y que permiten encontrar coincidencias con la sociedad actual tres cuartos de siglo después.

La trama gira en torno a tres momentos de la vida española de la primera mitad del siglo XX presentando en el espacio de  “la modesta escalera “ los pequeños acontecimientos que suceden a tres generaciones de varias familias. Los moradores de esta casa de vecindad, mediante acciones cotidianas de paso, van dan a conocer sus sueños, sus frustraciones y tristezas en una época y en un medio en que todo falta.

Ayer, la disfruté muchísimo, con un plantel de actores inigualable y una dirección escénica sobresaliente -como todas las de la vasca Helena Pimenta. Tanto es así que, sujeto a recuerdos y melancolías, terminé la función con lágrimas en los ojos. Y es que el buen teatro no tiene comparación con ninguna de las otras artes interpretativas: cine o televisión. El teatro es pura verdad y en él al público no se le engaña: es lo que es...En este caso, una maravilla.

La podemos ver, hasta el 30 de marzo, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=5azMVFxwyac

Oneguin y Chaikovsky, el tándem perfecto para la ópera homónima

Eugenio Oneguin es una ópera de escenas líricas en tres actos con música de Chaikovski y libreto del compositor y Konstantin Shilovski, basado en la novela homónima en verso de Aleksandr Pushkin. Después de cereca de quince años, regresa, al escenario del Real, esta obra maestra de Chaikovski que explora temas de amor no correspondido.

Esta nueva producción de la conocida y romántica ópera Eugenio Oneguin, con música de Chaikovsky,y montaje de Christof Loy conmemora el 225º aniversario del nacimiento de Alexander Pushkin, autor de la novela homónima original.

La historia de amor y rechazo entre Eugenio y Tatiana, que finaliza en un duelo mortal tras el arrepentimiento de Eugenio de rechazar a su amada. La ópera explora temas de amor no correspondido y las repercusiones de decisiones impulsivas.

Puede que el realismo pequeñoburgués –casi chejoviano– que constituye uno de los puntos fuertes de este título se deba no tanto a un giro estético deliberado, sino a la adaptación del compositor a unas condiciones relativamente modestas, dado que Eugenio Oneguin fue compuesto para una joven compañía de estudiantes del conservatorio de Moscú. Basada en una novela en verso de Aleksandr Pushkin y estrenada en esta institución en marzo de 1879, Eugenio Oneguin no reclama vestuarios históricos ni decorados exóticos u ostentosos; su acción –muy limitada– se desarrolla principalmente a través de simples conversaciones, pero a cambio se asoma al interior de sus personajes con una intensidad tan veraz como turbadora. Eugenio Oneguin llegará en una sobria producción de Christof Loy, que encierra a sus protagonistas en un espacio minimalista, elegante y claustrofóbico sobre el que proyectarán –como si de una página en blanco se tratara– sus neurosis y sus heridas emocionales.

Tanto la dirección musical, como la escénica y las interpretaciones de los diferentes cantantes realmente me dejaron boquiabierto. Todo ello está apoyado y “ayudado” por un libreto de una excelente calidad literaria: no obstante, está basado en la novela homónima de Pushkin. Como todos los escritores rusos del siglo XIX y principios del siglo XX, él relata muy bien la apatía de la clase aristocrática del campo y su necesidad de dar un sentido a la vida a través del amor. El honor y la honra también forman parte fundamental del argumento. Todo ello, envuelto en una puesta en escena bien resuelta y no demasiado moderna, algo demasiado habitual en los actuales montajes, desde hace ya bastantes años y que, desde mi punto de vista, no tiene otro motivo que ahorrar en medios, dado el encarecimiento de los materiales de producción.

En definitiva, una auténtica delicia lírica.

La podemos ver, hasta el próximo día 18 del presente, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=-KXyDJEerhA