Una versión de El Principito

La dramaturga y directora de escena Pilar Ávila escribe y dirige Más allá del Principito, una adaptación de la gran obra de Antoine de Saint-Exupéry protagonizada por Rafa Rojas. Desde hoy, en el Teatro Fernán Gómez.

La dramaturga y directora de escena Pilar Ávila escribe y dirige Más allá del Principito, una adaptación de la gran obra de Antoine de Saint-Exupéry, pero no solo enfocándose en la historia del principito, sino también en la vida del autor y los valores fundamentales que la obra transmite. Una función que se puede ver del 12 de diciembre al 12 de enero, de miércoles a domingos, en la Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

El montaje está protagonizado por Rafa Rojas y cuenta con el acompañamiento musical de la violinista Esther Muñoz. Ambos subrayan la importancia de conservar la esencia de la niñez, un tiempo en el que las personas son más sabias, curiosas y abiertas a las maravillas del mundo. A través de la metáfora del principito y su viaje, se invita a reflexionar sobre lo que han dejado atrás al crecer, señalando que la capacidad de asombro, la curiosidad y la conexión con uno mismo suelen perderse en la adultez.

Así, se recuerda la importancia de detenerse a admirar el entorno con los ojos de la niñez, donde la simplicidad y la pureza permiten apreciar lo fundamental, aquello que muchas veces pasa desapercibido en la vida adulta.

El principito es una novela corta del aviador y escritor francés Antoine de Saint-Exupéry, publicada en 1943. Aunque aparentemente es un cuento infantil, contiene profundas deliberaciones sobre la vida, la naturaleza humana y el valor de lo esencial. En ella se narra cómo un aviador está varado en el desierto del Sáhara tras un accidente. Allí se encuentra con un niño que dice ser un príncipe que viene de un pequeño asteroide llamado B-612.

El Principito relata su travesía por el universo, visitando varios planetas, cada uno habitado por un adulto que representa una faceta de la humanidad, como la avaricia, la vanidad, la obsesión con el poder o la soledad.

La podemos ver, desde hoy y hasta el próximo 12 de enero, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=4JzrqEUdmss

Un monólogo cómico sobre nuestro actual rey

Felipe V: El rey que nos salió rana es un monólogo histórico escrito, dirigido e interpretado por el dramaturgo David Botello. Pronto, en el Teatro Lara. 

El Teatro Lara en breve acogerá la representación de un monólogo histórico escrito, dirigido e interpretado por David Botello: Felipe V, el rey que nos salió rana. Una función en la que el dramaturgo explica con mucho humor e ingenio qué historias que nos han contado son ciertas y cuáles no lo son sobre el monarca español Felipe V.

Felipe V se sentó en el trono de España por todo lo alto para hacer "Borbón y cuenta nueva". Heredó el trono de Carlos II, conocido como "el Hechizado", el último Austria, todo un engendro genético. Así que Felipe lo tenía fácil y sus vasallos pusieron en él todas las esperanzas. Pero, sin embargo, este rey salió rana, porque no estaba muy cuerdo.

Al rey se le presentaba como melancólico, una manera de llamar a la depresión. Era paranoico, y pensaba que lo iban a envenenar a través de la ropa, por lo que decidió no volver a cambiarse de camisa. Felipe V comenzó una cruzada contra la higiene que lo llevó a no tocar el jabón durante años. Las uñas de los pies le crecieron tanto que no podía ni levantarse de la cama, además padecía alucinaciones, como la de querer montar los caballos de una tapicería.

Lo único que podría sacarle de su melancolía era su dosis diaria de coyunda conyugal, o jugarse la vida en primera línea de fuego. Pero todas las terapias tenían un efecto secundario, que le volvía más loco. Sin ir más lejos, un buen día, se despertó pensando que era una rana, y se puso a croar y a dar saltos.

Lo podemos ver, los días, 7,9,14,21 y 28, de este mes, y los días 1 y 12 de enero, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/watch?v=AMpN3Mp86T0

Comedia gestual con música clásica de protagonista

La ilustremente divertida compañía Yllana propone un satírico y musical retrato de época del siglo XVIII: Maestrissimo, especializado en satirizar la dirección musical clásica de orquesta. Ya, reciente, en el Teatro Infanta Isabel.

Siguiendo la estela de Pagagnini, la compañía Yllana propone la comedia gestual Maestrissimo para toda la familia, donde fusiona un concierto de cámara con un satírico retrato de época del siglo XVIII. Un espectáculo allegro e molto vivace que ya podemos disfrutar en el céntrico Teatro Infanta Isabel.

Argumento: Un cuarteto de cuerda de un período indeterminado entre los siglos XVII y XVIII (Barroco y Neoclasicismo) se junta para representar una audición muy especial. Entre ellos se encuentra un músico de relleno que tiene un talento descomunal, quien intenta progresar en el escalafón musical para alcanzar el título de Maestrissimo.

Los protagonistas interpretan pasajes de maestros como Bach, Vivaldi, Mozart, Brahms, Beethoven, Sarasate y Paganini. Aunque el concierto también contiene reminiscencias de otros géneros como el rock, el pop, el jazz, bandas sonoras de películas y otras expresiones musicales como el cante flamenco.

Yllana es un grupo artístico nacido en 1991 y especializado en teatro gestual. Es fundador del conocidísimo teatro especializado en comedia Teatro Alfil. Sus obras se han convertido en grandes piezas del humor mudo español. Algunas de las más aplaudidas son Splash!, 666, Olimplaff o Action Man, entre otras. Asimismo, sus montajes han sido representados en 44 países y han sido vistos por más de un millón y medio de espectadores. 

Durante su carrera ha obtenido multitud de galardones como el Premio Max de las Artes Escénicas 2012 al Mejor espectáculo musical por Avenue Q, el Premio Max de las Artes Escénicas 2010 al Mejor espectáculo infantil por Zoo o el Premio al Mejor Espectáculo del Fringe Festival 2008 (Edimburgo-Reino Unido) por Pagagnini.

He visto, varias veces, este precioso y divertido espectáculo y, como siempre, en el caso de Yllana, les pongo un sobresaliente. Son, desde siempre, los sucesores de El Tricicle...Con esto ya está todo dicho...

La podemos ver, hasta el 12 de enero, en el Teatro Infanta Isabel.

https://www.youtube.com/watch?v=zK_qCRKcMoU

 ¡Uno de los ballets románticos más finos!

La Sylphide que, ahora, nos ocupa es una nueva adaptación de este ballet romántico por parte de la Compañía Nacional de Danza con la dirección artística del siempre solvente Muriel Romero. Pronto, en el Teatro de la Zarzuela.

La Compañía Nacional de Danza en breve representará, en el Teatro de la Zarzuela, una adaptación de La Syphide, este ballet romántico en dos actos que fue coreografiado por August Bournonville con música de Herman Severin Løvenskiold. Estamos frente a una nueva versión que cuenta con la dirección artística de Muriel Romero y dirección musical de Daniel Capps.

Originalmente, la obra fue creada por Filippo Taglioni con música de Jean Schneitzhoeffer, basándose en el libreto de Adolphe Nourrit, y se estrenó, en 1832, en la Ópera de París. Pero, en 1836, Bournonville versionó una nueva coreografía con música de Løvenskiold sobre el mismo libreto para el Teatro Real de Copenhague, que es la que, ahora, se representa con mucha clase y altura.

Su trama gira en torno a James, un joven escocés a punto de casarse con Effie. Sin embargo, su vida se complica cuando se enamora de una sylphide, un espíritu del aire. A lo largo de la historia, James persigue a la sylphide, pero nunca logra capturarla ya que es un ser etéreo que representa la libertad y las metas imposibles.

Además, James bebe un filtro mágico dado por la sylphide que lo hace dormir profundamente y cuando despierta descubre que Effi, que se ha casado con su amigo Gurn y que la sylphide sigue siendo inalcanzable. A medida que el relato se desarrolla, los protagonistas se enfrentan a diversos peligros, incluido un hechizo de la bruja Madge, quien ha jurado vengarse de James por haberla rechazado.

Lo vi hace ahora un año realizado por esta misma compañía, en este mismo teatro, junto a mi amiga ricachona María Angeles, amante del teatro, la danza y la ópera. Y, asimismo, experta en las tres artes escénicas. Ambos coincidimos que “fue una maravilla de sensibilidad y buen hacer”. Ya sabéis...

Lo podremos ver, del 12, al 22 de este mes, en el castizo Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=OdcduHBNah8

¡Puro humor inglés!

La exitosa comedia en Broadway y Londres, La función que sale mal, brilla en su quinta temporada, en el castizo Teatro Amaya. Es una adaptación de Zenón Recalde con dirección de Sean Turner y David Ottone, de la prestigiosa compañía de teatro cómico gestual Yllana.

La función que sale mal ha cautivado a más de ocho millones de espectadores, desde su estreno, en 2012, en el West End londinense. Es una comedia que ya acumula más de 1.000 funciones en España y que ha sido aplaudida por más de 450.000 espectadores. ¡Vamos, una auténtica pasada..!

Con un éxito internacional que se extiende a más de treinta países, la producción es una mezcla entre las películas de los Monty Python y Sherlock Holmes. Y es que los protagonistas son un grupo de actores que tratan de representar Murder at Haversham Manor, una obra de misterio al estilo de La Ratonera de Agatha Christie. O lo que es lo mismo, una serie de personajes encerrados en una casa donde se ha cometido un asesinato y con un detective que trata de encontrar al culpable.  

Sin embargo, y como su propio nombre indica, el montaje va de mal en peor con un atrezzo que se rompe, incendios, actores que no se saben el guion, actores que no aparecen cuando les toca, puertas que no se abren y obligan a entrar en escena por un lateral, accidentes inesperados… Así, la ley de Murphy se consagra haciendo que todo lo que puede salir mal, sale mal.

Este espectáculo ha recibido premios tan importantes como el Broadway World 2017 al Mejor Estreno, Mejor Dirección y Mejor Diseño de Sonido, el Premios Tony 2017 al Mejor Diseño de Escenario, el Premios Olivier 2015 a la Mejor Comedia Original o el BroadwayWorld UK 2015 a la Mejor Obra.

David Blasco, el feliz director del Teatro Amaya, tiene que estar muy contento por haber acogido este pedazo de comedia loca en las tablas de su escenario porque, aparte de hacernos reír como locos con el más puro British humour (humor inglés), tiene una acción trepidante y una dirección e interpretaciones al estilo del cine mudo clásico más que notables.

¡Viva el humor inglés!

La única, única pega es que el humor inglés hay que verlo en inglés. Pero esta traducción no desmerece al original, que yo he visto y que soy bilingüe en la lengua de Shakespeare...Of course!

La podemos ver de martes, a domingos, durante toda la temporada, en el Teatro Amaya.

https://www.youtube.com/watch?v=QkVYemSsz7U

Luces de inteligencia

El director escénico Eduardo Vasco dirige Luces de bohemia, una infinita obra de nuestro protagonizada por Ginés García Millán que celebra el centenario de la gran obra del esperpento de Valle-Inclán. Ya, en el Teatro Español.

El prestigioso director escénico Eduardo Vasco (Peribáñez y el Comendador de Ocaña, La ruta de Don Quijote o Carsi. Una comedia de cómicos clásicos) celebra el centenario de la primera edición definitiva de la gran obra del esperpento, Luces de bohemia, de Ramón María del Valle-Inclán. Una obra que cuenta con un reparto liderado por los actores Ginés García Millán y Antonio Molero, y que, con enorme éxito, podemos ver (y hemos visto) en el gran Teatro Español.

Se trata de un texto fundamental de la literatura española, ya que introduce el género del esperpento. Es una crítica feroz y mordaz de la sociedad española de la época (finales del siglo XIX y principios del siglo XX) y presenta una visión grotesca de la realidad, con el objetivo de mostrar su carácter ilógico e injusto.

La trama gira en torno al último día de vida del protagonista, Max Estrella, un poeta ciego y empobrecido que simboliza el arquetipo del artista bohemio. A lo largo de la pieza, Max recorre las calles de Madrid acompañado por su amigo Latino de Hispalis. Y en ese deambular nocturno se encuentran con varios personajes que encarnan los distintos estamentos de la sociedad: la corrupción política, la pobreza, la explotación, la represión y la decadencia moral. Durante ese itinerario Max va cayendo en la desesperanza, perdiendo toda ilusión en la vida.

A través de diálogos ácidos y situaciones absurdas, el autor expone una deformación de la brutal realidad social del momento, como si estuviera reflejada en un espejo cóncavo, lo que resalta la tragedia y el sinsentido de la existencia.

Tengo que decir que Ginés García Millán es un pedazo de actor y que, con la edad, ha crecido como profesional hasta límites insospechados. El resto de los intérpretes, también perfectos.

Por otro lado, Eduardo Vasco es un director de actores impecable y siempre, da como resultado obras de peso y de gran éxito, lo cual no siempre se produce en nuestro teatro. Tienen que confluir una serie de factores para que el resultado sea impoluto y aquí, felizmente se dan.

Todo lo cual, ¡¡¡chapeau!!!

La podemos ver, hasta el 15 de diciembre, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=D0lp1wQI4SI

Ficha artística:

* Autor - Ramón del Valle-Inclán

• Dirección - Eduardo Vasco

• Diseño de espacio escénico - Carolina González

• Diseño de iluminación - Miguel Ángel Camacho

• Diseño de vestuario - Lorenzo Caprile

• Diseño de espacio sonoro - Eduardo Vasco

• Ayudante de dirección - Laura Garmo

• Ayudante de escenografía - Lucía Ríos González

• Ayudante de vestuario - Lucía de Ramón-Laca

• Producción - Teatro Español

Una tierna y necesaria mirada para Israel y Palestina

Todos los párajos de Wadji Mouawad es la última obra dirigida por el enorme director escénico y actor Mario Gas, que la estrena porque aborda la guerra de Israel y Gaza, a través de una historia de amor. El reparto lo encabeza su mujer, la también gran e intensa actriz Vicky Peña, en los Teatros del Canal.

El prestigioso director Mario Gas estrena, en los Teatros del Canal, Todos los pájaros de Wadju Mouawad, una profunda y conmovedora mirada sobre el conflicto entre Israel y Palestina, a través de una historia de amor con tintes de tragedia clásica.

Se trata de una obra escrita por el canadiense de origen libanés Wajdi Mouawad, famoso por montajes como Un obús en el corazón, Incendios o Madre (Mère). La función está interpretada por un reparto encabezado por la veterana actriz Vicky Peña. Junto a ella aparecen Manuel de Blas, Pere Ponce, Candela Serrat, Aleix Peña, Pietro Olivera, Lucía Barrado, Nuria García, Juan Calot y Anabel Moreno.

La pieza se centra en parejas israelí-palestinas que, a pesar de su amor, se ven obligadas a tomar decisiones extremas debido a la imposibilidad de construir un futuro juntos en un entorno marcado por la violencia y el odio. Así, una ola de suicidios de jóvenes enamorados está conmocionando al mundo entero. A través de sus personajes, Mouawad explora temas universales como la identidad, la pertenencia y la búsqueda de la felicidad en una sociedad dividida.

Con todo ello, la producción no deja indiferente e invita al público a reflexionar acerca de las consecuencias de la guerra y la importancia del diálogo y la comprensión.

Mario Gas es un dramaturgo, director e intérprete nacido en Montevideo (Uruguay) pero criado en España. Ha desarrollado una extensa carrera teatral que le llevó a ser el director del Teatro Español de Madrid desde 2004 a 2012 y ha sido galardonado con diversas distinciones como el Premio Nacional de Teatro de Cataluña 1996, el Premio Ciudad de Barcelona 1998 o los Premios Max al Mejor director de escena 1998 por Sweeney Todd y 2013 por Follies.

Una obra actual y profundamente imprescindible que, ¡quién sabe!, puede que ayude a resolver el conflicto porque el Arte sí que sirve de facto...aunque nos parezca lo contrario.

Lo podemos ver, del 5, al 29 de diciembre, en Teatros del Canal.