Nueva edición del festival de teatro alternativo

Surge Madrid 2024 es la 11ª edición del festival de creación de artes escénicas dedicado al circuito teatral alternativo.

El Festival Surge Madrid, certamen que apuesta por la escena off de Madrid, vuelve para celebrar su undécima edición llena de propuestas culturales con las que continúa con su apoyo a las salas madrileñas alternativas. Así, la programación contará con numerosas funciones repartidas en varias salas y teatros, además de acoger actividades teatrales y culturales paralelas.

El festival Surge Madrid tiene como objetivo poner en valor la realidad escénica que ofrecen las salas madrileñas, impulsando la rica oferta de trabajos en distintos formatos y géneros. Una cita imprescindible en la agenda de la escena alternativa madrileña donde creadoras y creadores noveles presentan trabajos emergentes, las compañías de pequeño y mediano formato profesionales plantean sus propuestas de estreno y artistas innovan en formatos no escénicos ni convencionales desarrollando actividades transversas.

Esta edición, visibilizará a compañías y creadores hispanoamericanos en tres espectáculos procedentes de Brasil, Argentina y México en la sección Conexión Iberoamérica en colaboración con la Hispanidad 2024: Don Quijote. Historias Andantes de Teatro de la Rendija & Silkateatro Andante, BuenosDíasSeñoritaLelia de El Rayo Misterioso Grupo Laboratorio de Teatro y Secretos de Ñandutí de Knunu´u Títeres.

La undécima edición cuenta con la participación de 21 salas alternativas que se convierten en sedes del festival. De ese total, la mayoría espacios se encuentran en el centro de Madrid y dos de ellos en los municipios de Alcorcón y Navalcarnero. Algunas de las salas que toman parte son Nave 73, Teatro Pradillo, Teatro Tarambana, El umbral de primavera, Sala Mayko, Teatro Tribueñe, La Usina, Bululú 2120, Artespacio Plot Point, Sala Mirador, Réplika Teatro y la Sala de Teatro Cuarta Pared. 

La programación cuenta con 38 estrenos, 13 actividades transversas y cinco creadores emergentes, una apuesta por las nuevas voces de la creación escénica. Estos estrenos son Aquelarre de Evogía, Verdad o consecuencia de AZarte, Inteligencia artificial de Andrés Beladiez, Espantosa Carcajada de Dante A.C. y Adolfo Simón, Ahoa-Mouth de la Compañía Rebeldías Mínimas y Maricón & Señora, Entre paisajes de la Compañía Mery Dörp, 2&Dos del Colectivo Trance, La primavera de los monstruos de El Hangar, Protocolo de Diagoras Producciones, Fade de Milagros Galiano, El rayo verde de Manuela Barrero dlcAos, Pink: danza ecológica del siglo XXI de Camille Hanson, Cuerpo acumulado de Ana Erdozain, Agua y carne de Las Galerías, After (acoustic version) de Alejandría, Serenity rave de Laura Ramírez Ashbaugh, La intérprete de Clara Pampyn y Laimperfecta, Amor, amar de La Tramoya, Mirage Hotel de Paroxa (con Juan Ollero y Víctor Velasco), Los versos libres de la Compañía Vuelta de Tuerca, Manuela el vuelo infinito de Producciones Inconstantes S.L., Fur de Al descubierto physical theatre, Una polilla da vueltas alrededor de una bombilla de Sol Bibriesca, Driadi, el amor enjaulado de Inervo art y MolinoLab, El ocaso del minotauro de Pau Pau Producciones, La rendición de la Compañía Alberto Quirós, La Pepa está que se sale de Teatro de las Aguas, El profesor no ha venido de José Juan Rodríguez-Pablo Rosal, Mwasi, negra consciente de Darío Sigco, Escucha radical de Magdalena Leite y Aníbal Conde, El contrato de Teatro de la Riada, What if if only (qué pasaría si es sólo sí) de Enebro Teatro, Tierra convexa de Teatro Lagrada, Los días que quedan de Cambaleo Teatro, Opus cero de Ben Attia, El alma como esfera perfecta de Jaime Vallaure, Ficticias y reales (Mujeres libres en la historia) de El Montacargas y Technoestrellas. Experiencia Astronómica / Conferencia Raverizada de Virginia Rodríguez.

La sección de Emergentes presenta Un espacio inefable malleus maleficarum de Colectivo [1690], Hacer torrijas como acto de resistencia de Marcos Martincano, Zorra dorada de Elisa Forcano, Proceso de descomposición de Emejota Mínguez y Häxan de Éskaton y George Marinov.

Y las Actividades transversas acogen Cuché Cuché de Enrique Gimeno, S▯LIR de Diego Carrasco, El gabinete de las ilusiones. Capítulo 1: Lady Endor de Imagina Magia, ¿Me escribes? de Teresa Rivera, Cita en el Gabinete de Psicofonías Transtemporales de Producciones Kepler (actividad coordinada por Itxaso Larrinaga y Juan Carlos de la Vega), Aplauso, curso intensivo de Juan Gómez Alemán, Olla de carne de Lucía Marote, Stromboli de Annika Pannitto y Óscar Cornago, La gula Dj Set de Food Studies, El guardarropa de Proyecto Ovella, Simples mortales de Lucio A. Baglivo y Attraversamenti de Residui Teatro.

Lo podremos seguir, del 25 de septiembre, al 27 de octubre, en diferentes teatros alternativos.

Una comedia de Rojas Zorrilla

El dramaturgo Eduardo Galán versiona la comedia Los bandos de Verona, de Rojas Zorrilla, con la dirección de Daniel Alonso de Santos y el actor de Canco Rodríguez, como protagonista. En el Instituto de San Isidro.

Contemporáneo de Lope de Vega, uno de los alumnos más distinguidos del Instituto San Isidro, Rojas Zorrilla es el autor encargado de clausurar la programación del festival madrileño Veranos de la Villa con Los bandos de Verona, que podremos ver en el Instituto de San Isidro.

Los bandos de Verona es una divertida comedia urbana de capa y espada (de enredo), escrita en verso áureo por el toledano Rojas Zorrilla, a partir de la narración del siglo XVI de Píramo y Tisbe, en la que también se inspira Shakespeare para su célebre drama Romeo y Julieta. Una obra que ha formado parte del programa del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y de  Clásicos en Alcalá este 2024.

Contado con la versión de Eduardo Galán y dirección de Daniel Alonso de Santos, la trama se centra en las dificultades de los protagonistas (Alejandro Romeo Montesco y Julia Capelete) para establecer una relación amorosa. En torno a este conflicto se desarrollan otras tramas secundarias, donde destaca la divertida actuación del personaje Guardainfante, interpretado en esta ocasión por el televisivo Canco Rodríguez.

¡Para no perdérsela..!

La podremos ver, los días 23 y 24 de agosto, en el Instituto de San Isidro.

https://www.youtube.com/shorts/nO16unIuDqQ

La amistad como solución

Los actores Markos Marín y Adolfo Fernández protagonizan El nadador de aguas abiertas, una bonita historia sobre una amistad que ejerce de salvavidas. A mediados de septiembre, en el Teatro Pavón.

El Teatro Pavón representará “El nadador de aguas abiertas”, una bella historia de naturaleza dramática, que transita por “distintos mares” (incluidos los del alma) y que habla de la superación, de salir de la zona de confort y de sanar, según los productores de esta original obra..

Markos Marín, que con más de 27 años de carrera como profesional ha participado en docenas de producciones teatrales y en numerosas series televisivas, y Adolfo Fernández, veterano actor, director y productor teatral de gran prestigio, son los protagonistas de este bonito y poético relato sobre la amistad.

Con una aparente escenografía ingenua y naif (ingenuo), que bien podría tratarse de una instalación de un museo de arte contemporáneo, y acompañada de una banda sonora fundamental a la hora de ubicar y desarrollar esta cautivadora historia, conoceremos a dos hombres, que no son pareja aunque en ocasiones pueda parecerlo. Dos hombres a los que les sobra ternura y que se necesitan aunque no lo sepan.

Nilo es un actor mediocre al que ya no le dan trabajo. Su mujer lo ha dejado y él entra en una espiral de pensamientos autodestructivos. Gracias a Walrus, un nadador experto que oculta un trauma familiar, Nilo aprenderá a nadar a los cuarenta y ocho años, y en el camino también recibirá la lección más importante de su vida.

Lo podremos ver, del 17, al 29 de septiembre, en el Teatro Pavón. 

https://www.youtube.com/watch?v=nui1Yv2RIRY

Provocación sobre la sexualidad y el poder

La dramaturga y directora escénica mallorquina Carla Nyman es la autora de la dramaturgia, al tiempo que la directora de Hysteria. Es una provocadora obra que explora temas complejos relacionados con el género, la sexualidad y el poder. Un montaje que, pronto, podremos ver en el Teatro de La Abadía.

La obra Hysteria, de Carla Nyman, está protagonizada por Lluna Issa Casterà y Mariano Estudillo y se desarrolla en el Hospital de la Salpêtrière del siglo XIX, una institución conocida por su tratamiento inhumano a mujeres "incurables, locas o dementes". A través de ello, la pieza utiliza el discurso de la "histérica" para contar el mito del origen del mundo.

Todo parte de la idea de que la "histeria" era una construcción social utilizada para silenciar y controlar a las mujeres que expresaban su deseo o discutían las normas sociales. La producción propone que la "histérica" no estaba simplemente "gritando", sino que intentaba introducir nuevas palabras en el lenguaje para describir su experiencia y su posición en la sociedad.

Así, va más allá de una representación histórica y se convierte en una parábola moderna sobre el deseo femenino, el malestar en la cultura y la insatisfacción mediante una indagación teatral íntima, obscena y escatológica de dichas cuestiones.

Y es que su puesta en escena crea una cosmología donde todo cabe, desde referencias a figuras históricas, como Marco Aurelio y Iossif Stalin, a la cultura popular contemporánea, como el Oktoberfest de Múnich. Una mezcla de elementos que genera una experiencia teatral única y desconcertante que termina reflexionando sobre la naturaleza del deseo, el cuerpo y la civilización.

Carla Nyman es una dramaturga y directora mallorquina graduada en Filología hispánica por la Universidad de Sevilla. Ha llevado a cabo varios montajes teatrales: Yo solo vine a ver el jardín, Esperanza, Federico (muerto de amor), La luz ciega y Mientras la puerta siga cerrada.

La podremos ver, en el Teatro de La Abadía, del 25 de septiembre, al 13 de octubre.

https://www.youtube.com/watch?v=GmhTw31rg44

 La ética y la moral

Los populares y premiados actores Amparo Larrañaga, Iñaki Miramón, Mar Abascal y Juli Fàbregas protagonizan Laponia, una comedia de Cristina Clemente y Marc Angelet. Desde mañana, en el Teatro Maravillas.

Los conocidos actores Amparo Larrañaga, Iñaki Miramón, Mar Abascal y Juli Fàbregas protagonizan una comedia de Cristina Clemente y Marc Angelet que cuenta con la dirección escénica de la inglesa Tamzin Townsend (El Método Gronhölm, Historia de una vida, Seis clases de baile en seis semanas, ). Una comedia aclamada por crítica y público, que ha sido repuesta varias veces (entre ellas, ahora), debido a su éxito y ambientada en Finlandia.

La obra  pone en escena un viaje idílico hasta Finlandia que acabará planteando diferentes situaciones éticas y morales que le podrían pasar a cualquiera. El texto arranca un intenso debate sobre las tradiciones, los valores familiares y aquellos secretos inconfesables.

Mónica, Ramón y su hijo de cinco años, Martín, viajan a Finlandia para pasar las navidades con la hermana de Mónica, Nuria, su compañero finés y la hija de ambos, Aina, de cuatro años de edad. El niño Martín se encuentra ilusionado pensando que podrá ver al auténtico Papá Noel pero todo se verá truncado cuando Aina le explica que Papá Noel no existe, que se trata de un personaje inventado por adultos para coaccionar a los niños y para que se porten bien.

Martín se lleva un disgusto y, por ello, sus padres harán todo lo posible por mantener la ilusión de su hijo, lo más importante durante la Navidad. A partir de este momento, ambas parejas contrapondrán las dos maneras de educar a los hijos, las cuales son totalmente opuestas.

Tanto el tema, como la interpretación y dirección actoral son buenos. Por eso, ya lleva varios años reponiéndose...

La podemos ver, desde el próximo día 14 del mes, al 13 de octubre.

https://www.youtube.com/watch?v=9b8Fl2yATXc

Nueva versión de El alcalde de Zalamea

El dramaturgo y director escénico José Luis Alonso de Santos versiona la obra de Calderón de la Barca El alcalde de Zalamea. Pronto, en los Teatros del Canal.

José Luis Alonso de Santos (Trampa para pájaros, En manos del enemigo o En el oscuro corazón del bosque) escribe y dirige del 19 de septiembre al 13 de octubre en la Sala Verde de los Teatros del Canal una versión de la imperecedera obra de Calderón de la Barca.

El montaje que nos ocupa está protagonizado por Arturo Querejeta (Isabel, Amar en tiempos revueltos o El ministerio del tiempo) y, aparte de ser una crítica social a la España del siglo XVII, es una reflexión sobre la naturaleza humana y los conflictos universales entre el bien y el mal, la justicia y la venganza. Fue escrito por Pedro Calderón de la Barca entre 1635 y 1636, aunque algunos lo sitúan un poco antes, en 1631. Se cree que su historia se inspiró en un hecho real ocurrido en Zalamea de la Serena (Badajoz) en 1580.

A pesar de su antigüedad, la función sigue siendo relevante en la actualidad e invita a profundizar en temas como el abuso de poder, la justicia social, la defensa del honor y el papel del individuo en una sociedad desigual.

Con motivo de la guerra contra Portugal, las tropas españolas se acantonan en la localidad extremeña de Zalamea de la Serena. Las huestes están comandadas por don Álvaro de Ataide, un capitán arrogante y libertino, quien se hospeda en la casa de Pedro Crespo, un labrador rico y honrado.

Don Álvaro, abusando de su poder y posición, intenta seducir a Isabel, la hija de Pedro Crespo, pero, al ser rechazado, decide violarla. Pedro Crespo, al enterarse, se enfrenta a él en defensa del honor de su hija. El campesino trata de que el militar se case con ella, pero la negativa de don Álvaro afrenta aún más la dignidad de la familia. Es entonces cuando Pedro Crespo es elegido alcalde de Zalamea, ofreciéndole la posibilidad de vengar dicho ultraje por medio del poder político que ahora posee. Finalmente, en un acto de justicia da muerte al capitán, convirtiéndose así en un rebelde contra la autoridad del rey.

La podremos ver, del 19 de septiembre, al 13 de octubre, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=j0J7szi19akhttps://www.youtube.com/watch?v=j0J7szi19ak

¡La Ribot y Juana I de Castilla!

La coreógrafa y artista visual La Ribot, Premio Nacional de Danza, estrena su última propuesta escénica, Juana ficción, sobre Juana I de Castilla. En septiembre, en el Centro Cultual Conde Duque.

La coreógrafa y artista visual La Ribot, Premio Nacional de Danza, estrenará, en el del Centro Cultural Conde Duque, su última propuesta escénica centrada en Juana I de Castilla, gran aficionada a la música y la danza. El compositor Iñaki Estrada ha partido del libro de canciones que le regalaron a Juana el día de su boda con Felipe el Hermoso; una recopilación de las músicas que triunfaban en las cortes europeas.

Juana I de Castilla (1479-1555) fue encarcelada en un palacio de Tordesillas tras el fallecimiento de su esposo Felipe el Hermoso, con el apoyo de sus padres, los Reyes Católicos, y más tarde de su hijo, Carlos V. La legítima Reina de España, considerada demente, estuvo encerrada 46 años, alejada del poder. La visión romántica manifestada en famosos cuadros como Doña Juana La Loca (1877), de Francisco Pradilla, ayudó a instaurar la idea de la supuesta locura de Juana I de Castilla. 

En 1992, coincidiendo con la conmemoración del quinto centenario de la llegada de Colón al Nuevo Mundo y la celebración de esta historia, La Ribot creó El Triste Que Nunca Os Vido, un dúo para mujer y hombre inspirado en la vida de Juana I de Castilla, que interpretó junto al actor Juan Loriente y evocaba la opresión sufrida por la reina. En su nuevo proyecto en Juana ficción, la puesta en escena se centra en un tiempo que se ha convertido en un resonar repetitivo que la excluye y expulsa del transcurrir de la historia. 

Esta propuesta escénica cuenta con una naturaleza marcadamente sonora: la música y la imagen se fusionan en un juego sinestésico donde se desdibujan los límites entre la escucha y la mirada. La opresión se aleja de ser un tema meramente narrativo, para convertirse en una experiencia temporal y esencialmente sonora.

Este montaje está pensado para espacios interiores o exteriores que permitan la entrada de luz natural y la transición a la oscuridad. Se organiza en círculos concéntricos, en el centro se encuentra la orquesta, alrededor de la cual gravitan el público y los bailarines, rodeados a su vez por el coro, todos en un movimiento constante.

La Ribot es el nombre artístico que utiliza María José Ribot, una bailarina, coreógrafa y artista visual nacida en Madrid en 1962. Sus montajes desafían los formatos de la escena y del museo tomando prestados vocabularios del teatro, de las artes visuales, de la performance, del cine y del vídeo para llevar a cabo sus concepciones coreográficas.

La podremos ver, en el Centro Cultural Conde Duque, los días 13 y 14 de septiembre.