Una comedia con zarzuela interespacial

Villa y Marte es una divertida comedia que la compañía Ron Lalá ofrece de la zarzuela española. La podemos ver en el madrileño Teatro Pavón.

La prestigiosa compañía Ron Lalá representa la comedia sobre la zarzuela Villa y Marte en el Teatro Pavón. Un sainete musical en tres actos que entremezcla el Madrid castizo con la exploración espacial.

Con la participación de los actores Juan Cañas, Daniel Rovalher, Miguel Magdalena, Diego Morales y Fran García, y bajo la dirección de Yayo Cáceres, el montaje narra cómo, en el siglo XXII, un equipo de astronautas viaja hasta Marte para proceder a su colonización. Y es que el cambio climático ha hecho que la vida en la Tierra se vuelva insostenible y todo pasa por refundar Madrid en el planeta rojo.

Pero cuando descienden el capitán y su androide Trasto descubren que Marte ya está habitado por una comunidad de mutantes que justamente están celebrando una verbena popular bajo la Tierra llena, a lo que se une su negativa a renunciar a su casticismo por unos recién llegados terrícolas. Y todo se complica un poco más cuando el capitán se enamora de una chulapa marciana de ocho ojos con la que planea fugarse a Venus.

El humor y la sátira se van uniendo a grandes estilos musicales del género chicocomo pasodobles, pasacalles, romanzas o chotis. Al tiempo que, durante la pieza, se pueden extraer referencias a Crónicas marcianas de Ray Bradbury, Guía del autoestopista galáctico de Douglas Adams o Marte rojo de Kim Stanley Robinson en el plano de la ciencia ficción y La Gran Vía, El año pasado por agua y Agua, azucarillos y aguardiente de Chueca y Valverde, La Verbena de la Paloma de Tomás Bretón o La Revoltosa de Ruperto Chapí por la zarzuela.

Ron Lalá es una formación creada en Madrid en 1996 por Álvaro Tato y Cristian Garma con la intención de fusionar la poesía, la música y el teatro. Entre sus montajes destacan Siglo de Oro, siglo de ahora, Cervantina, ¡Shhh! o Si dentro de un limón metes un gorrión el limón vuela.

 

La podemos ver, del 23 de diciembre, al 22 de enero, en el madrileño Teatro Pavón.

¡El cascanueces en versión hip hop!

 

El cascanueces siempre vuelve por Navidad, como los turrones El Almendro…En esta ocasión, la coreógrafa Blanca Li estrena, en los madrileñosTeatros del Canal, una versión moderna en clave de hip hop de la obra maestra musical de Piotr Ilich Tchaiskovsky.

 

Creado en 1892, el ballet El cascanueces es uno de los más bellos de la danza universal. Con música de Tchaikovsky, se trata de un cuento de hadas para todos los públicos cuyo argumento está basado en la adaptación que Alejandro Dumas padre realizó de El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus, Hoffman y que después Marius Petipa y Lev Ivanov estructuraron en dos actos de baile que se han convertido en un clásico navideño. 

Su historia profundiza en los recuerdos de la infancia y el mundo de los sueños de la mano de una mágica aventura donde los juguetes de una niña comienzan a cobrar vida. Así, Clara recibe como regalo de Navidad un cascanueces con la forma de un soldado. Tras despertarse a medianoche, Clara baja al salón y allí toma una siesta en el sofá hasta que se da cuenta de que todo se agranda a su alrededor. Ella se hace muy pequeña y de pronto estalla una batalla entre una hueste de soldaditos dirigidos por el cascanueces y un ejército de ratones guiado por su rey.

Nacida en Granada, en 1964, Blanca María Gutiérrez Ortiz, alter ego de Blanca Li, es una bailarina cuyo estilo va desde el flamenco al hip hop, pasando por el ballet clásico y la danza barroca. En 1993 se estableció en París (Francia) fundando su propia compañía de baile contemporáneo y con la que ha llevado a cabo producciones como Solstice, Diosas & Demonias, Le Bal de Paris o Robot!

Asimismo, ha participado como coreógrafa en películas como Felpudo Maldito de Josiane Balasko, Limpieza en seco de Anne Fontaine, La espuma de los días de Michel Gondry o Los amantes pasajeros de Pedro Almodóvar.

Por otro lado, Li ha sido distinguida con galardones como el Premio Max a la Mejor coreografía en 2008 por Poeta en Nueva York o el Premio "Public Off" al Mejor Espectáculo de Danza del Festival de Aviñón Off, en 1993 por Nana et Lila. Asimismo, también ha recibido la medalla de Caballero de la Legión de Honor de la República de Francia en 2014 y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del gobierno de España, en 2009.

Algunos os podréis preguntar: ¿Es lícito que por muy buen y reconocido artista que sea quien haya realizado dicha versión, es lícito pegar un cambio de estilo tan radical..? Yo no me voy a mojar hasta no verlo…Os comentaré mi punto de vista…

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, del 21, al 30 de diciembre.

Cantar en los campos de concentración

Los hermanos Luisa Pérez y Cuco Pérez representan la obra  Allez, Allez…!!! con las canciones de los refugiados españoles en los campos de concentración. La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

Los hermanos Luisa Pérez y Cuco Pérez representan un concierto en el que interpretan las canciones que los refugiados españoles crearon, mientras sobrevivían en los campos de concentración franceses, durante 1939 y 1942. Su título, Allez, Allez…!!!

En 1939, con la victoria del bando nacional, se calcula que más de medio millón de españoles cruzaron los Pirineos para escapar del franquismo. Estos refugiados se toparon poco después con la Segunda Guerra Mundial y la invasión de Francia por parte de la Alemania nazi. De ideología de izquierda, la mayoría fueron internados en campos de concentración, hasta la liberación del país por las fuerzas de los aliados.

Durante los años que duró la contienda, tuvieron que luchar por mantenerse con vida y no perder la esperanza. Así, en sus interminables días de confinamiento desarrollaron canciones que narraban su éxodo, su estilo de vida, la guerra, su familia o sus ilusiones.

Entre aquellas personas se encontraba parte de la familia Pérez. Ahora, ambos intérpretes han entrevistado a los pocos supervivientes que quedan de aquellos años y han confeccionado un cancionero inédito que recuerda sus vivencias y hace justicia a su memoria.

Todo un homenaje familiar, al tiempo que un recorrido histórico por aquella tremenda época. No cabe duda de que el ser humano es el ser vivo más tremendo sobre la faz de la Tierrra, capaz de lo peor y también de lo mejor. Pero, en muchas ocasiones, lo peor supera con creces…

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, mañana, 17 de diciembre.

Comedia musical con canciones populares

Con la boca abierta: Dimensión vocal es una comedia musical a capela que supone un viaje por canciones populares recientes a través del humor y el beatbox. La podemos ver en el madrileño Teatro Fígaro-Adolfo Marsillach.

El quinteto Dimensión Vocal representa la comedia musical Con la boca abierta: Dimensión vocal a capela, donde ofrece un viaje por las canciones más populares de la historia reciente a través de mucho humor, beatbox y armonía vocal.

A capela y sin instrumentos, los artistas se suben al escenario para recorrer algunas de las melodías más famosas de los grandes géneros musicales como el rock, el pop, el blues o bandas sonoras de películas. Todo ello mediante escenas de clown y sin perder ni un ápice de la pureza que caracteriza a dichas composiciones.

Dimensión Vocal es una compañía fundada en 2011, en Madrid ,que se ha convertido en uno de los mayores conjuntos a capela de España. Está formada por Luis Alonso, Aser León, Luis León, Julio Vaquero y Guzmán Yepes y su repertorio abarca desde temas renacentistas hasta los últimos éxitos comerciales, siempre adaptados a un estilo coral y vocal.

Esta agrupación ha recorrido toda la geografía nacional con su espectáculo e incluso ha actuado en videoclips televisivos. Además, en 2012, fue galardonada con el Premio Jóvenes Excelentes de la ciudad de Tres Cantos (Comunidad de Madrid) por su labor en el campo de las artes.

Lo podemos ver los días 18 y 27 de diciembre y 3 de enero en el madrileño Teatro Fígaro- Adolfo Marsillach.

Danza-teatro mexicana

Karlik danza-teatro representa una versión del cuento mexicano El pozo de los mil demonios. La podemos ver en el espacio madrileño Naves del Español.

Karlik danza-teatro representa una versión de teatro físico y baile del cuento tradicional mexicano El pozo de los mil demonios, que habla sobre la recuperación de la identidad cultural y la memoria histórica.

La obra está coreografiada y dirigida por Cristina D. Silveira y se estructura a través de una adaptación del texto de Maribel Carrasco, una autora que también incluyó aspectos autobiográficos y leyendas mitológicas y folclóricas de la zona donde creció: Catemaco, en el estado de Veracruz. De corte fantástico, se basa en diversas fábulas esotéricas, que, a su vez, se inspiran en acontecimientos históricos.

El montaje está interpretado por los actores Elena Rocha, Mamen Godoy, Jorge Barrantes, Iván Luis y Sergio Barquilla y tiene como protagonista a una niña llamada Jacinta, la cual se configura como una especie de heroína, quien narra su viaje iniciático, un recorrido simbólico que transforma su visión del mundo y su misión vital.

Por su parte, Jacinta se introduce en un pozo para poder recuperar el cántaro que contiene el agua de la vida y combatir con él al demonio de la sequía. Mediante su aventura se reflexiona acerca de temas como la muerte, los recuerdos y la devastación ecológica, así como la importancia de no olvidar las raíces de los pueblos y la responsabilidad colectiva para con el equilibrio natural del planeta.

Karlik danza-teatro es un conjunto nacido en Cáceres, en 1991, con el objetivo de encontrar nuevos lenguajes escénicos que puedan ir más allá de las técnicas corrientes del teatro convencional. Desde su fundación se halla bajo la dirección artística de Cristina D. Silveira y la dirección técnica de David Pérez Hernando, quienes han liderado la producción de una veintena de espectáculos como Autorretratos de pluma y espada, Licenciado Vidriera o La vida de los salmones.

La podemos ver, del 16 de este mes, al 15 de enero, en el madrileño espacio escénico Naves del Español.

Bailando la expiación

Juan Carlos Lérida dirige e interpreta junto a doce artistas Doce, un espectáculo de danza y música sobre el sacrificio de la expiación. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

El bailarín y coreógrafo Juan Carlos Lérida dirige e interpreta, junto con otros doce artistas, el espectáculo de danza y música Doce, que profundiza en el sacrificio como una ceremonia de expiación.

La función se ha construido a raíz de la práctica del Flamenco Empírico, una metodología creada por el propio Juan Carlos Lérida, a través de la repetición y deconstrucción de las bases técnicas y expresivas del flamenco con una mirada crítica sobre su confección social, política y cultural. De este modo, la pieza se centra en un encuentro entre los diferentes oficios del arte, llevando a escena músicos, cantaores, bailarines, videomakers y técnicos.

Por otro lado, este proyecto surgió, en 2018, como un proceso de investigación que forma parte del trabajo La liturgia de las horas, un montaje a partir de la simbología del número doce y de la conceptualización del recorrido de Jesucristo desde la Santa Cena hasta la Resurrección.

Juan Carlos Lérida es un bailarín, coreógrafo y director de flamenco que en 2007 fue galardonado con el premio extraordinario del Institut del Teatre de Barcelona. Desde 2002 es profesor de flamenco, danza contemporánea y composición en el Institut del Teatre y durante su carrera escénica ha codirigido espectáculos de creadores como Joaquín Cortés o Belén Maya. Desde 2009, es el comisario del ciclo Flamenco Empírico del Mercat de les Flors, de Barcelona, y, actualmente, también es comisario del festival flamenco en el Tanzhaus de Düsseldorf (Alemania).

La podemos ver, hasta el 18 de diciembre, en los madrileños Teatros del Canal.

Siempre, a vueltas con Segismundo

El director Declan Donnellan y el diseñador Nick Ormerod presentan su versión de la obra de Calderón de la Barca La vida es sueño, la más conocida del Siglo de Oro español. La podemos ver en el madrileño Teatro de la Comedia. 

El director Declan Donnellan y el diseñador Nick Ormerod presentan en escena su versión de La vida es sueño, la obra de Calderón de la Barca considerada la más famosa del Siglo de Oro español.

La vida es sueño es una de las más celebradas propuestas de Calderón que acerca al público al problema de la predestinación de la vida humana y a nuestra capacidad para encontrar espacios de libertad en nuestra peripecia vital. Una obra que supone uno de los mayores logros de la literatura escénica del Siglo de Oro por su capacidad de aunar belleza poética, conflicto dramático y profundidad filosófica.

La historia pone en escena a un príncipe encadenado en una montaña. Una joven disfrazada de hombre en busca de venganza. Una obra donde los temas centrales son la revolución, el amor, y el asesinato… pero en La vida es sueño ¿es lo real verdaderamente real? ¿O es todo un sueño?

En esta apaptación Donnellan y Ormerod dan prioridad al actor, al texto y al espacio. Un muro verde de puertas da la bienvenida a los asistentes y cuando las luces se apagan, se establece una relación entre el actor y el público. La labor de los actores españoles revela una obra que es a la vez urgente, potente y contemporánea.

La podemos ver, del 15 de diciembre, al 26 de febrero, en el madrileño Teatro de la Comedia.