Cómo conseguir los sueños

Los conocidos actores Jon Plazaola y Agustín Jiménez encabezan la loca comedia Un Oscar para Oscar sobre la consecución de los sueños y sus consecuencias. Se acaba de estrenar en el madrileño Teatro Bellas Artes y estará en cartel hasta el próximo 24 de julio.

El dramaturgo Mario Hernández (Una mujer desnuda en lo oscuro o Mandíbula afilada) escribe y dirige la divertida comedia de enredo Un Oscar para Oscar, que profundiza en la consecución de los sueños y todo lo que se pierde en el camino al conseguirlos.

La pieza está representada por los actores Jon Plazaola, Agustín Jiménez, Rebeca Sala y Mara Guil, quienes posicionan al público en un motel a las afueras de Los Ángeles (Estados Unidos). Quedan pocas horas para que se celebre la gala de los premios Óscar y el joven director Óscar Manzano se prepara en su habitación para acudir a la ceremonia.

Su argumento cuenta cómo Óscar está nominado por su cortometraje y en este viaje se ha visto acompañado, sin saber muy bien el motivo, por dos miembros del Gobierno: el ministro de Cultura, Guillermo Barrientos, y la ministra de Hacienda, Irene Navarro, quienes no se soportan. Mientras ambos mandatarios continúan discutiendo, en el apartamento aparece Pauline, una escort girl (chica de compañía) que ha sido contratada a escondidas por Guillermo para que finja ser la novia de Óscar durante la gala y la alfombra roja... Ahora, este peculiar grupo se adentra en la noche más loca de sus vidas al protagonizar todo tipo de situaciones caóticas, imprevistos y diálogos absurdos.

La podemos ver en el madrileño Teatro Bellas Artes, hasta el 24 de julio.

 

Siempre jóvenes

El famoso grupo Tricicle vuelve a poner sobre las tablas, once años después, la comedia musical Forever Young, sobre la vejez que se acompaña de grandes canciones rockeras. Una divertida función que se puede disfrutar en el madrileño Teatro Cofidis Alcázar.

El popular trío cómico E Tricicle descubrió la obra de Erik Gedeon en Oslo (Noruega) Forever Young y, nada más verla, decidió comprar sus derechos. Así, desde 2011, el montaje cuenta con unas 500 representaciones, reuniendo a cerca de 150.000 espectadores, y se ha exportado a otros países como Francia, México y Argentina.

Para esta ocasión, la pieza está interpretada por los actores Marc Pujol, Lucía Torres, Irene Jódar, Rai Borrell, Llorenç González, Marc García Rami y Mercè Martínez. Además, se trata del primer espectáculo en el que los tres integrantes de Tricicle (Carles Sans, Joan Gràcia y Paco Mir) vuelven a coincidir tras el descanso indefinido que se tomaron en 2020.

Su historia está ambientada en un geriátrico, donde seis veteranos artistas residen recordando sus antiguos éxitos. A ellos se une una enfermera que no cesa de ponerles melodías infantiles con la intención de que estas les ayuden a potenciar su psicomotricidad, pero en cuanto les deja solos su espíritu rockero les hace rejuvenecer cantando, bailando y gritando ataviaos con sus mejores galas.

Por otro lado, los cantantes están asistidos en directo por un piano y otros instrumentos como guitarras, violines, cajones y percusiones con los que se reviven inolvidables temas como I Love Rock’n Roll de Joan Jett and the Blackhearts, Forever Young de Alphaville, I will survive de Gloria Gaynor, Satisfaction de The Rolling Stones o Sweet dreams de Eurythmics. Aunque también tienen tiempo para entonar referentes del pop español como Dime que me quieres de Tequila, La chica de ayer de Nacha Pop, Libre de Nino Bravo o Vivir así de Camilo Sesto.

El Tricicle es un prestigioso conjunto de teatro gestual fundado en 1979 por Paco Mir, Carles Sans y Joan Gràcia, quienes llevan más de 40 años ofreciendo su particular humor en teatros de todo el mundo. Actualmente, está considerada como una de las mejores formaciones cómicas del planeta y entre sus obras más destacadas se encuentran Entretres, Tricicle 20 o Bits.

La podemos ver, hasta el 31 de julio, en el madrileño Teatro Cofidis Alcázar.

Versión sui generis de Hamlet

La compañía Teatro La Plaza produce una versión libre de la gran tragedia de William Shakespeare, Hamlet. Una obra que se interpreta en el madrileño Teatro Valle-Inclán por actores con síndrome de Down y que fusiona sus propias vidas con el argumento dramático del autor inglés.

Mediante este montaje de la versión de Hamlet, de Shakespeare, se busca dar voz a los anhelos y las frustraciones de los artistas, profundizando en la imagen que estas personas han tenido que soportar a lo largo de la historia, al ser tratadas como una carga social. La pieza está adaptada y dirigida por la peruana Chela de Ferrari, fundadora de la Asociación Cultural Drama, una institución sin ánimo de lucro que desde su creación en 2003 en Lima (Perú) ha llevado a cabo unos 100 montajes.

Por otro lado, cuenta con su propio teatro: el Teatro La Plaza, donde genera espectáculos de la nueva dramaturgia peruana y grandes clásicos bajo una mirada contemporánea con la intención de reflexionar acerca de la realidad moderna y comprender mejor la esencia del ser humano.

La acción transcurre en el reino de Dinamarca. Mientras se espera una invasión por parte de Noruega, el rey Hamlet muere a manos de su hermano Claudio, quien toma el control del país. El fantasma del monarca se aparece a su hijo, el príncipe Hamlet, relatándole la verdad de su fallecimiento y exigiendo venganza.

La historia se mueve íntegramente alrededor de la locura y las ensoñaciones al tiempo que delibera sobre temas tan oscuros como la traición, el incesto, la corrupción y el odio.

La podemos ver en el madrileño Teatro Valle Inclán, hasta el próximo día 19 del presente.

Oportunidades para los jóvenes actores

El Teatro Quique San Francisco acoge la segunda edición de la iniciativa Festival Sala Joven del proyecto Teatro Urgente, dirigida por Karina Garantivá. Un espacio en el que artistas del teatro que destacan siendo jóvenes, representan un total de siete obras, cinco de ellas estrenos.

La segunda edición del Festival Sala Joven tiene como objetivo consolidar este espacio dentro de la vida cultural madrileña. Un evento que triunfó la primera edición, ya que las nueve compañías que participaron lograron un alto porcentaje de ocupación, y fue un punto encuentro por el que pasaron figuras destacadas del teatro, la política y la vida cultural madrileña. 

El ciclo comienza con cuatro estrenos absolutos, el primero la obra Criadas, un montaje protagonizado por Ana Ruth Resco y Lucas Ares que cuenta con textos filosóficos e iconografía de la cultura pop y que comienza con una conversación en la que se reflexiona sobre todo aquello que provoca desilusiones y hace perder la cabeza a las personas.

La siguiente obra es Cucaracha con paisaje de fondo, un montaje dramático sobre la identidad femenina y la maternidad escrito y dirigido por Javier Ballesteros, fusión del teatro y el clown generando una pieza a medio camino entre la tragedia, la poesía y la comedia del absurdo. En Tristes, el actor y director Alberto Fonseca presenta una obra dramática que reflexiona sobre la tristeza, una vía para conocer mejor la esencia humana y las posibilidades de solucionar o reparar las secuelas que estas sensaciones dejan en el individuo.

El cuarto estreno es la obra Gracias por haber existido, una comedia postapocalíptica que incide en el devenir de la humanidad y la naturaleza, escrita por Ainara Arizu y dirigida por Edurne Arizu, dos hermanas que también la interpretan junto con Irene Pozo y Airel Muñoz.

El festival presenta también Expiación, un intenso monólogo dramático que examina el dolor y los miedos de la generación milenial interpretado por la actriz Lucía Lorente Toral; y Like me, un espectáculo de teatro físico que indaga en el nexo de unión entre las relaciones y el amor con el consumismo y la tecnología.

Termina el ciclo con un último estreno, Las amazonas, una versión cómico-musical de la obra del Siglo de Oro de Antonio de Solís adaptada y dirigida por Noelia Pérez. Una historia que fue escrita en 1681 y plantea la posibilidad de un territorio gobernado por mujeres. 

Lo podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco, hasta el 9 de julio.

Meta-teatro de improvisación teatral

 

El conocido dramaturgo Ernesto Caballero (Las amistades peligrosas, El jardín de los cerezos, Rinoceronte) dirige una versión de la famosa obra meta-teatral de Luigi Pirandello Esta noche, se improvisa la comedia. Un montaje que se puede ver del 17 de junio al 17 de julio de 2022, en el Teatro Español.

Esta noche, se improvisa la comedia propone una velada muy particular: el director de la obra, el doctor Hinkfuss, ordena a los actores que improvisen. Es decir, que tomen el texto original tan solo como una mera guía a partir de la cual desarrollar la pieza. Y es que, según las tesis del doctor Hinkfuss, todo libreto escrito representa una construcción inerte que únicamente recobra vida al ser reinterpretado.

Los artistas se muestran sorprendidos y, al principio, se resisten a poner en práctica la decisión del doctor Hinkfuss, pero, luego, consiguen llevar a cabo una improvisada y exitosa representación. Así, se incide en cuestiones como la relación entre la máscara y la identidad, la vida como el reflejo del arte o el nexo entre la realidad y la apariencia.

Nacido en Madrid, en 1957, Ernesto Caballero es un dramaturgo, director y profesor proveniente de la primera generación de autores teatrales de la Transición española. Estudió Letras en la Universidad Complutense de Madrid e Interpretación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático.

Entre 2011 y 2018, fue el director del Centro Dramático Nacional y ha sido merecedor de galardones como el Premio Max 2006 a la Mejor adaptación teatral por El señor Ibrahim y las flores del Corán o el Premio Valle-Inclán de Teatro 2017 por El laberinto mágico. También fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Gobierno de Francia.

La podemos ver en el madrileño Teatro Español, del 17 de junio, al 17 de julio.

 

Tomar consciencia de los conflictos

La compañía L'Explose Danza representa, hasta pasado mañana, en el madrileño espacio escénico Naves del Español-Matadero Madrid, un retrato del conflicto colombiano a través de la danza moderna, titulado La mirada del avestruz.

La mirada del avestruz es un montaje estrenado en 2002 y repleto de metáforas visuales y poéticas acerca de los hechos atroces que han tenido lugar durante las últimas décadas en Colombia. Se trata de una invitación a no mirar hacia otro lado y ser consciente de los horrores perpetrados.

Con movimientos escénicos y trabajadas coreografías influenciadas por bailes contemporáneos, urbanos y latinos, la pieza narra torturas, destierros y asesinatos sobre un escenario cubierto de tierra, una alegoría sobre el campo colombiano, el principal testigo de todo ese sufrimiento. Asimismo, la obra también quiere mostrar la importancia de la memoria y la necesaria recuperación de la historia colectiva.

Por otro lado, este proyecto fue el ganador del premio del público al Mejor espectáculo del Festival de Almada (Portugal) en 2005 y el premio al Mejor espectáculo de danza de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca en 2006.

L'Explose Danza es un conjunto fundado por el coreógrafo asturiano Tino Fernández en París (Francia) en 1991. Después se trasladó a Bogotá (Colombia) con la intención de promocionar la danza-teatro en toda Sudamérica. En 2008 inauguró su propia sede, La Factoría, con el objetivo de acoger residencias e investigaciones escénicas. Otras de sus producciones son La razón de las Ofelias, Frenesí, Tu nombre me sabe a tango o La miel es más dulce que la sangre.

La podemos ver, hasta este próximo domingo, día 12, en el madrileño espacio escénico Naves del Español-Matadero Madrid.

 

La obra más violenta de Shakespeare

El director teatral Antonio C. Guijosa (Contra la democracia e Iphigenia en Vallecas) se pone al frente de la adaptación de Nando López sobre la brutal tragedia clásica de William Shakespeare Tito Andronico. Una obra que se podrá disfrutar, del 9 al 12 de junio, en el madrileño Teatro Bellas Artes y que forma parte de la programación festival Mérida en Madrid. 

Escrita en 1593 por el famoso autor inglés William Shakespeare, Tito Andronico está ambientada en los últimos años del Imperio Romano y narra la historia del ficticio general romano Tito Andrónico, que regresa a Roma victorioso y con la reina Tamora y sus vástagos como prisioneros.

El general busca la tranquilidad, sin embargo, las intrígas políticas entre Basiano y Saturnino le llevará a interceder. Quizás, es la obra más violenta de Shakespeare, pero no solo por los hechos, sino también por los mecanismos que llevan a esa violencia ya que los personajes de la obra utilizan la violencia en el mayor grado que su ingenio les permite.

La podemos ver en el madrileño Teatro Bellas Artes, hasta el próximo día 12 del mes.