La muerte, la soledad y la enfermedad

La compañía La Extinta Poética presenta un espectáculo de danza-teatro que reflexiona sobre la muerte, la soledad y la enfermedad: Convertirse mi luto en danza.

Convertirse mi luto en danza está escrita por Eusebio Calonge (fundador del mítico grupo teatral La Zaranda) y dirigida por Paco el de la Zaranda. Su historia se basa en María Pisador, una enferma de cáncer terminal que fue llevada en ambulancia desde el hospital de Pamplona, al Teatro Principal de San Sebastián para cumplir su deseo de ver a La Zaranda. Pocos días después, María falleció.

Pasado un tiempo, su madre Elena publicó unos poemas suyos a título póstumo y les envió el libro a Paco el de la Zaranda y Eusebio Calonge junto con una carta donde les contaba aquella experiencia final de su hija.

La función no narra el relato de María Pisador, pero sí que se inspira en su sufrimiento y, al mismo tiempo, en su ansia de vivir y disfrutar de la cultura y el teatro. Así, representada por Laura Gómez-Lacueva, Ingrid Magrinyà e Inma Nieto, la pieza busca ser un homenaje poético a todas esas personas que luchan por seguir adelante y celebran la esperanza cada día. Además, también repercute en ese sentido del ser artista, ese afán de servir de trasmisor entre la soledad de un ser humano y el infinito.

La Extinta Poética es una formación fundada en 2020, tras el montaje del mismo nombre que reunió a intérpretes de distintas disciplinas, al director Paco el de la Zaranda y al dramaturgo Eusebio Calonge con la compañía Nueve de Nueve. Su objetivo es profundizar en el lenguaje escénico, a través de diversos estilos como la danza, la poesía o el teatro.

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, hasta el próximo día 30.

La conciencia social europea

Rafael Spregelburd y Andrea Garrote presentan Pundonor, un intenso monólogo sobre las bases de la conciencia social en Europa.

Pundonor ha sido escrito por la propia Andrea Garrote y ella misma lo interpreta dando vida a Claudia Pérez Espinosa, una profesora universitaria, doctora en Sociología, que vuelve a las aulas, tras tomarse unos meses de excedencia. Y es que se tuvo que ausentar después de que en el cuatrimestre pasado se viera sumida en un turbio asunto que la expuso a un escarnio público.

Ahora, la profesora regresa con una clase donde debe introducir el pensamiento de Michel Foucault, pero que interrumpe constantemente debido a su frágil situación. Así, en cada sesión describe una deliberación acerca de la nueva normalidad que ha traído la pandemia de la covid-19. Una disertación auspiciada desde la perspectiva satírica de la profesora y apoyada en la teoría de Foucault, incidiendo en cuestiones como los mecanismos de poder, los nuevos modos de contacto, las relaciones sociales, el control de la ciudadanía…

Andrea Garrote es una actriz, dramaturga y directora argentina que, en 1994, fundó la compañía El Patrón Vázquez, junto con Rafael Spregelburd. Ha dirigido piezas de éxito, como La Dama o el Tigre, en los días humillantes, Siempre tenemos retorno o Niños del limbo. Por su parte, Pundonor es su última producción, la cual venció el Premio Teatro XXI (GETEA) a la Mejor obra dramática y la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires en 2018, además de obtener una nominación a la Mejor obra extranjera en los Premios Florencio Sánchez 2019 de Uruguay.

La podemos ver en el madrileño Teatro La Abadía, hasta el 30 de enero.

 

Puesta en escena del sadomasoquismo

La inigualable dramaturga, directora y actriz Angélica Liddell (El jardín de las mandrágoras, Frankenstein) adapta al formato teatral el libro del filósofo francés Gilles Deleuze, Presentación, de Sacher-Masoch. Lo frío y lo cruel. Una obra que reflexiona sobre el sadomasoquismo, la muerte y la familia.

La performance (o similar) Presentación, de Sacher-Masoch. Lo frío y lo cruel, de la incalificable dramaturga y actriz Angélica Lidell comienza con la triste noticia de la incineración del padre y la madre de la protagonista, en un breve lapso de tres meses. Esta ha decidido conservar las cenizas de sus progenitores para seguir recordándoles y poder tenerles cerca aun a pesar de su fallecimiento.

A través de ello, con ironía y mucha mordacidad, la artista examina las nociones freudianas del yo, la pulsión sobre la muerte, la agresividad humana y el concepto del super-yo, mostrando cómo la noción de este último disipa su papel preponderante en hipotéticas situaciones complejas.

Angélica González, más conocida como Angélica Liddell, es una dramaturga y actriz que ha recibido numerosos galardones, entre los que destacan el Premio Nacional de Literatura Dramática 2012, el León de Plata de la Bienal de Teatro de Venecia 2012 y el Premio Leteo 2016. Entre sus producciones sobresalen algunas muy comentadas, como El Decameron o El orgullo de la nada.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, hasta el próximo día 30 del presente.

Un nuevo y enorme Wagner en el Real

Bajo la dirección musical de Pablo Heras-Casado y con Robert Carsen y Patrick Kinmonth como directores de escena se presenta la culminación de la clásica tetralogía de Richard Wagner: El anillo del nibelungo. Con la participación de la Orquesta Titulares del Teatro Real El ocaso de los dioses se presenta como una grandiosa apertura de la temporada operística invernal de Madrid.

La ópera El ocaso de los dioses, de Richard Wagner, fue estrenada en el festival Festspielhaus de Bayreuth (Alemania) el 17 de agosto de 1876 y se pudo ver por primera vez en el Teatro Real el 7 de marzo de 1909. Su título original, Götterdämmerung, es la traducción al alemán de la expresión nórdica ragnarök, el destino de los dioses.

Compuesta por un prólogo y tres actos, la obra cuenta con un gran elenco wagneriano con Andreas Schager, Stephen Milling, Lauri Vasar y Martin Winkler. Su historia continúa la trama del anillo maldito hecho con oro robado al Rin por el enano Alberich.

El argumento cuenta cómo, después de haber rescatado a Brünnhilde de la prisión de fuego de Wotan, Siegfried le hace entrega del anillo del nibelungo como prueba de su amor. Tras ello parte para realizar más actos nobles, al tiempo que Wotan ya ha decidido que los días del Valhalla están llegando a su fin.

Mientras, Hagen, hijo de Alberich el nibelungo, planea que su medio-hermano Gunther se case con Brünnhilde y su medio-hermana Gutrune con Siegfried. Gutrune da a beber a Siegfried una poción que le hace olvidar a Brünnhilde. Por ello, este le roba el anillo y, totalmente consternada, Brünnhilde revela a Hagen la única debilidad de Siegfried, brindándole la posibilidad de matarlo y hacerse con el mágico tesoro.

Ficha artística:

§ Dirección musical - Pablo Heras-Casado

§ Concepción - Robert Carsen y Patrick Kinmonth

§ Dirección de escena - Robert Carsen y Patrick Kinmonth

§ Escenografía y figurines - Patrick Kinmonth

§ Iluminación - Manfred Voss

§ Dirección del coro - Andrés Máspero

§ Orquesta - Orquesta Sinfónica de Madrid

§ Coro - Coro Intermezzo

Reparto:

§ Siegfried - Andreas Schager (26, 30 ene y 7, 11, 15, 19, 23, 27 feb) y Vincent Wolfsteiner (3 feb)

§ Gunther - Lauri Vasar

§ Alberich - Martin Winkler

§ Hagen - Stephen Milling

§ Brünnhilde - Ricarda Merbeth

§ Gutrune - Amanda Majeski

§ Waltraute - Michaela Schuster

§ Las Tres Nornas - Claudia Huckle, Kai Rüütel y Amanda Majeski

§ Woglinde - Elizabeth Bailey

§ Wellgunde - Maria Miró

§ Flosshilde - Claudia Huckle

Loles León vuelve al cabaret

La popular chica Almodóvar Loles León protagoniza el musical Una noche con ella, donde repasa su trayectoria vital y laboral junto con la historia de España a través del cabaret y el music hall.

Loles León, en su último trabajo -el music hall Una noche con ella- brinda un recorrido por su vida, recordando sus momentos más tristes y los más alegres, así como situaciones tan divertidas como absurdas. Una función llena de emoción donde además se van rememorando ciertos pasajes importantes de la historia que ella misma ha vivido.

A todo ello se añaden escenas ficticias, inventadas para crear la duda en el espectador, generando una especie de enredo vodevilesco. Así, Loles León canta y baila desnudando su alma y dando rienda suelta a su mordaz lengua. Y sobre las tablas está acompañada por el pianista Yeyo Bayeyo y por los actores-bailarines Briel González y Fran del Pino.

Loles León es una intérprete nacida en Barcelona, en 1950, que se hizo famosa por ser una de las llamadas chicas Almodóvar. Ha participado en multitud de películas como Mujeres al borde de un ataque de nervios, Almejas y mejillones, La pasión turca o Fuga de cerebros.

En televisión destaca su papel como Paloma Hurtado en la serie Aquí no hay quien viva y actualmente hace las veces de Menchu en La que se avecina. También ha colaborado en programas como ¡Hola Raffaella!, Amigas y conocidas o Tú sí que vales.

Al espectáculo le sobra gracia, profesionalidad y ese toque pícaro de la actriz-cabaretera que tanto la distingue. ¡Para no perdérselo!

Lo podemos ver en el castizo Teatro La Latina, del 21 de enero, al 10 de febrero.

Una divertida Noche de Reyes

La conocida directora teatral Helena Pimenta (El banquete, La dama duende o Donde hay agravios no hay celos) dirige la versión de Noche de Reyes (Shakespeare), que ella misma ha realizado junto con Álvaro Tato de la comedia de William Shakespeare.

Noche de Reyes, escrita en 1602, fue diseñada para conmemorar la visita de don Virginio Orsino, duque de Bracciano, a la reina Isabel. En principio, se organizó para que fuese parte de las celebraciones de la fiesta de la Epifanía en la antigua Inglaterra, por lo que rompe la cuarta pared del teatro y el público se vuelve coprotagonista de los hechos.

Su historia coloca a los asistentes en Iliria, donde un barco naufraga frente a sus costas. Viola consigue llegar a tierra, pero observa que ha perdido a su hermano mellizo, Sebastian. Se disfraza de hombre, toma el nombre de Cesario y logra entrar a trabajar en el castillo del conde Orsino.

El conde le pide que traslade su mensaje de amor a Olivia, pero esta lo desdeña y queda prendida por Cesario, el alter ego de Viola, quien se ha enamorado de Orsino. Pero todo se complica aún más cuando Andrew, amigo del tío de Olivia, también quiere desposarse con ella, al tiempo que el sirviente Malvoli piensa que esta se ha prendado de él por una broma que le gasta el bufón de la corte.

Mientras, Sebastian es rescatado de las aguas por Antonio, un capitán enemigo de Orsino, y decide visitar la ciudad del conde…

Una divertida función de uno de los grandes clásicos del teatro universal…

La podemos ver en el madrileño teatro de Naves del Español, del 20 de enero, al 6 de marzo.

Un Calderón de la Barca político

David Boceta dirige una versión de Luis Sorolla (Los Precursores) sobre la tragedia con tintes políticos de Pedro Calderón de la Barca La gran Cenobia, una de sus obras más desconocidas para el público general.

La gran Cenobia es una de las primeras tragedias de Calderón de la Barcal en ella se atesora una gran carga de violencia que esconde un juego de ascensos y descensos en el poder que vislumbra la inestabilidad que tienen que sortear las personas que lo ostentan. A pesar de haber sido escrita en 1625, el texto sigue manteniendo su lección moral intacta y en plena vigencia de actualidad.

La historia de la obra sitúa a los espectadores en la decadente Roma del emperador Aureliano (214-275 a. C.), quien soñó cómo el asesinado emperador Quintilio lo nombraba su heredero. Así, decide frenar la expansión del reino de Palmira y encarga al general Decio que ataque el territorio. Pero las legiones de Decio son vencidas en combate.

Deslumbrado por la belleza de Cenobia, la esposa del rey Abdenato de Palmira, Decio regresa a Roma y relata al nuevo emperador la funesta noticia. Aureliano se enerva por esta victoria mujeril y, literalmente, lo pisotea, humillando al soldado. Destituido de su cargo, Decio jura vengarse del emperador y recuperar su honor.

Mientras, en Palmira, Irene y el sobrino del rey Abdenato, Libio, conspiran para impedir que, después de la muerte del anciano monarca, Cenobia siga manteniendo el poder.

La podemos ver en el madrileño Teatro de la Comedia, hasta el 6 de marzo.