lunes, 2 de junio de 2014

Teatro-Drama

“Lebensraun” (“Espacio vital”). Teatro Abadía. Del 5, al 8 de junio.
Una cama-piano y una librería-frigorífico. Un delirio de saltos, caídas y golpes, un juego vertiginoso de puertas que se abren, se cierran y giran... como en una película de Buster Keaton. Se trata de un espectáculo teatral inspirado en la tradición del slapstick, traída a nuestros días, lleno de ingenio, dinamismo y humor. 
Lebensraum (Espacio vital) muestra la historia de dos hombres que conviven en un espacio reducido y deciden incorporar a su mundo a una criada mecánica. Pero el robot adquiere vida propia, de modo que la confusión y la tensión van en aumento. 
El artista sueco afincado en Ámsterdam Jakop Ahlbom ha desarrollado su propio lenguaje escénico sin palabras, en el que se juntan el teatro gestual, el amplio abanico del movimiento entre danza y acrobacia, la música en directo, el teatro de objetos y el  ilusionismo. Una "clownerie" surrealista, que está recorriendo Europa entera.


Danza

“El lago de los cisnes” y “El cascanueces”. Teatro Nuevo Apolo. Del 4, al 15 de junio.
La compañía Sofía Ballet de ballet actúa por primera vez en España con estas dos piezas clásicas.
Los 40 bailarines internacionales que forman parte de una de las compañías de ballet más importantes del mundo representan dos obras clásicas: El cascanueces y El lago de los cisnes.
La historia de “El cascanueces” está inspirada en un cuento de E. T. A. Hoffmann. Cuenta las aventuras que vive una niña pequeña gracias a su único regalo de Navidad, un muñeco cascanueces con forma de soldado que cobra vida. Juntos viajan al mágico Reino de los Dulces, donde son recibidos por el Hada del Azúcar, bastones de caramelo y seres de mazapán.
Por su parte, la fama y el reconocimiento dentro del ballet clásico preceden la obra del compositor ruso Tchaikovski, “El lago de los cisnes”. Siguiendo la estética del Romanticismo, esta historia de encantamientos, transformaciones, monstruos y, sobre todo, amor vuelve a los escenarios.


miércoles, 28 de mayo de 2014

Cabaret

"Lo mejor de Antonia". Teatro Circo Price. Día 31 de mayo.
La famosa actriz Antonia San Juan (Stella Reynolds, en la serie televisiva “La que se avecina”) recoge sus mejores monólogos para ofrecerlos al público que la ha seguido de siempre y también al que la ha descubierto hace poco en televisión.
Lo mejor de Antonia” derrocha ternura, carisma y un delicado punto de locura. En esta función nos vamos a reencontrar con una actriz que se entrega por completo al público, sin piloto automático, sin red y sin medida, para divertir, sorprender y reflexionar.
La actriz vuelve con este espectáculo a sus orígenes del cabaret, cuando actuaba en los bares de Madrid con ese toque de insolencia, desparpajo y mucho descaro y verdad que le han llevado al gran éxito que ha conseguido tanto en teatro y cine, como televisión.


viernes, 23 de mayo de 2014

Concierto

“Carmina Burana”. Teatro Reina Victoria. Día 25 de mayo.
Nacido a finales del Siglo XIX, Carl Orff es actualmente conocido  casi en exclusiva, por su "Carmina Burana". Su famosísima, interpretadísima y versionadísima Carmina Burana. El primer poema de la cantata, el “Ubícuo” o “Fortuna” es conocido, estoy completamente seguro, por todos vosotros, aunque no supierais ni el nombre de la pieza, ni de qué forma parte, ni mucho menos que su autor es un tal Carl Orff…
Efectivamente, aunque Orff compuso bastantes obras más, incluidas seis óperas, no se interpreta de él prácticamente nada más que su omnipresente Carmina Burana… seguramente porque su poco claro pasado al socaire del régimen nazi le ha pasado factura. En efecto, Orff fue de los pocos músicos que vivieron y medraron en la Alemania nazi, entre 1931 y 1945, y fue también de los pocos que respondió a la llamada oficial del régimen para hacer una nueva versión musical del “Sueño de una noche de verano”, de Shakespeare… Resulta que la famosa adaptación orquestal de la obra que compuso  Mendelssohn no era grata a los delicados oídos de los jerarcas nazis, debido a que… ¡Mendelssohn era judío! Como yo no soy jerarca de nada, ya veis, me encanta el Sueño de una Noche de Verano de Mendelssohn, por muy judío que fuera el gran Felix, y es posible que, tarde o temprano, acabe saliendo por aquí…
La verdad es que si hubiéramos seguido las mismas pautas nadie escucharía hoy la Carmina Burana de Orff, dado que fue compuesta hacia 1936 y estrenada al año siguiente, en pleno auge de don Adolf y sus muchachos, y tuvo un enorme predicamento entre la sociedad nazi, donde fue muy estimada e interpretada hasta la saciedad…
Y sin embargo nosotros, la sociedad occidental, no pensamos en estas cosas cuando oímos esta Cantata, una de las obras más interpretadas del repertorio (junto con las grandes Sinfonías de Beethoven o de Mahler, el Mesías de Haendel y quizás las Pasiones de Johann Sebastian Bach). Simplemente escuchamos la música, leemos la letra (debidamente traducida, a ser posible, luego veremos por qué), canturreamos junto con los solistas o el coro… y disfrutamos. Al menos, hablo por mí. Porque, digo yo, que qué tendrán que ver las opiniones personales o políticas de un artista para que te guste o no su obra…

Orff creó su cantata sobre textos medievales también conocidos con el mismo nombre de Carmina Burana (bueno, en realidad es al revés, claro: la Cantata toma el nombre de los textos en que se basa). Su nombre latino quiere decir “Canciones de Beuern”, por el Monasterio benedictino de Beuern, cerca de Munich, donde fueron encontrados al secularizarlo, a principios del Siglo XIX, y que hoy día están depositados en Munich. Por cierto, la pronunciación correcta de este término en latín clásico es “Cármina Burana”, con el acento tónico en la primera a del “Carmina”.
Su temática es completamente profana, en unos Siglos donde el dominio de la Iglesia era abrumador, sobre todo porque virtualmente toda la instrucción estaba en sus manos, en los monasterios, por lo que casi la totalidad de textos de la época son sacros… menos estos Carmina Burana bávaros, y un par más de “Carminae” más, uno de ellos en Cambridge, y el otro en el monasterio español de Ripoll, en el Pirineo gerundense.
Efectivamente, ya lo veréis, la temática de estos cantos no puede ser más profana: canciones de amor (cerca de la mitad de todos los textos son de exaltación del amor… pero no del amor platónico, precisamente), canciones de alabanza a la bebida (alcohólica, claro está) y al juego, canciones satíricas de burla del poder establecido, incluso del eclesiástico, con acerbas críticas a la tan bien instalada simonía medieval… lo más alejado que imaginarse pueda de los textos píos mayoritarios en la época.



Teatro-Comedia

“Tuppersex”. Nuevo Teatro Alcalá. Del 29 de mayo, al 6 de julio.
Escrita y dirigida por Edu Pericas, estamos ante una divertida y jocosa propuesta que muestra cómo la empresa My Secret Flower quiere contratar a nuevas asesoras con el objetivo de ampliar las ventas de juegos eróticos.
Pero un problema inesperado motiva que la sexóloga habitual que tiene que dar el curso sea sustituida por una extravagante peluquera de barrio, sin pelos en la lengua, que terminará convirtiendo la sesión en un hilarante caos. "He querido hablar –comenta el autor– de sexo y mujeres y muy especialmente de la masturbación femenina, porque creo que es un tema que no se trata a menudo".


Crítica de Teatro-Drama

“Misántropo”. Teatro Español. Hasta el 21 de junio.
¿Qué es la verdad? ¿Es rentable la verdad?  ¿Merece la pena buscarla cuando su esencia áspera y dura puede desbaratar nuestra imperiosa necesidad de confort y placer? ¿Sigue siendo verdad una verdad fabulada aunque se haya asumido como la verdad, y nada más que la verdad?
 Tras el éxito de “La función por hacer “ y de “Veraneantes”, Kamikaze Producciones sube a los escenarios este “Misántropo” de Molière en que los personajes son reflejos de hombres y mujeres del siglo XXI. Una puesta en escena contemporánea y ácida, en el que el humor y el ritmo vertiginoso  descubren la profundidad del clásico, la huella atemporal de esos interrogantes incómodos sobre la verdad, la ausencia de verdad y sus consecuencias.

Un callejón oscuro. El rumor de la música, el eco vibrante, eléctrico y bullicioso de los cuerpos que bailan, las manos que brindan, las miradas que juzgan, las lenguas que murmuran. Ellos y ellas. Enredados en amores y miedos, en vanidades y euforias. Él, un hombre solo.
 Alcestes, el protagonista de la obra, anhela vivir en la verdad. Quiere ser honesto y sincero y que los demás lo sean con él. Pero sus contradicciones y su incapacidad para encontrar el término medio que le permita vivir le llevan a retirarse al desierto por el que clama desde la primera conversación con su amigo Filinto. Alcestes pone en peligro su integridad por defender la verdad. Porque no se acomoda a la ficción imperante y porque está dispuesto a perderlo todo en defensa de lo que cree.
 La frescura, el dinamismo, la revitalización de los clásicos, el valor del texto, la conjugación de comedia y tragedia, la apasionada interpretación de los actores y la complicidad e interacción con el público son algunas de las señas de identidad de las producciones de Miguel del Arco. Y es que Del Arco es uno de los directores más aplaudido del teatro español actual. Con veinte años de trayectoria en el mundo del espectáculo, este actor y guionista de cine y televisión es además fundador, junto a Aitor Tejada, de la compañía Kamikaze Producciones con la que ha llevado a escena algunos de los más grandes éxitos de los últimos años, como “La función por hacer” (2009), “El Proyecto Youkali” (2010), “Veraneantes” (2011), “Juicio a una zorra” (2011), “De ratones y hombres” (2012), “Deseo” (2013) y “Misántropo” (2013).
Israel Elejalde, el actor de da vida al personaje protagonista, está que se sale en el posiblemente mejor papel de su carrera. Por su parte, Barbara Lennie (Celimena), le da un perfecto contrapunto y se ha convertido en una de nuestras mejores y más versátiles actrices. En cuanto al resto del elenco, también formidables. Todos ellos, grandes actores y aún, mejores, en esta ocasión, gracias a una sobresaliente dirección.
Respecto a la puesta en escena de este montaje moderno –algo que no siempre suele resultar acertado en el caso de los textos clásicos, tanto en teatro, como en ópera-, es atrevida y eficaz y no chirría en ningún momento.
Como resultado, tenemos en el Teatro Español esta maravilla de versión, que, actualmente es la mejor obra teatral sobre los escenarios de Madrid. Además, Molière siempre será Molière…


Zarzuela

“Trilogía de los fundadores”- “Catalina” / “El dominó azul” / “El Diablo en el poder”. Teatro de la Zarzuela. Del 4, al 21 de junio.
“Trilogía de los fundadores” es una novedosa propuesta con tres de los títulos que fortalecieron el género lírico en los mejores años del Romanticismo. Tres magníficos ejemplos teatrales de la gran labor de Gaztambide, Arrieta y Barbieri que presentan, respectivamente, tres amables intrigas amorosas de aire histórico. El primero, con Catalina, utiliza un trasfondo militar a finales del siglo XVII en Finlandia; el segundo, el ambiente cortesano del Madrid de Felipe IV con El dominó azul; y el último, con El Diablo en el poder, se traslada a la corte madrileña de los Borbones a comienzos del siglo XVIII.
El director de escena, Álvaro del Amo, propone destacar los números musicales dentro del desarrollo argumental y mantener la esencia del diálogo —más reducido— que cobra vida en boca de algunos de los personajes que servirán de guías en cada una de estas historias. Se trata, en cada caso, de mantener la relación original entre lo hablado y lo cantado.