Crítica de Teatro

“La asamblea de mujeres”. Teatro Compac Gran Vía. Hasta el 11 de septiembre.

El clásico del teatro griego Aristófanes escribió “La asamblea de mujeres” para realizar una crítica mordaz del sistema machista predominante en la política y sociedad de la época. Pese a que los griegos inventaron la democracia, las mujeres eran relevadas a un segundo lugar, en lo que a la toma de las decisiones políticas se refería. De este modo, en las asambleas populares, estaba prohibido que acudieran y, por ende, que emitieran el correspondiente voto sobre decisiones que afectaban a los usos y costumbres de la vida diaria.

En esta obra, dicha situación pone a su fin, mediante una divertida treta de las féminas que, ganan la batalla contra los hombres, aunque para ello, han de hacerse pasar por tales para poder acudir a una de las asambleas y, así, poder votar para hacerse con el poder.

Llama la atención cómo, ya por entonces, autores como el que nos ocupa tuvieran unas ideas puramente feministas y, en este sentido, son totalmente rompedores y unos reales avanzados a su tiempo.

Por lo que respecta al montaje actual de la obra, ya que se trata de una comedia en la que se ridiculiza hasta el hartazgo al macho dominante, la directora (la conocida Laila Ripoll) y los actores (encabezados por Isabel Ordaz (“Aquí, no hay quien viva”), Gracia Olayo (del dúo Las Veneno) y Secun de la Rosa (“Aída”, “Siete vidas”) nos sirven en forma de gran astracanada unos diálogos y situaciones que, a su vez, son ridiculizados, con lo que resulta que nos enfrentamos a un vodevil chirriante y fuera de lugar. Se han exagerado los gags, las escenas cómicas y se llega hasta un punto de grosería (los pedos y la caca de uno de los protagonistas masculinos) que, aunque estuvieran plasmados en el texto original, de seguro que a su autor no le hubiera hecho mucha gracia verlos montados de esta guisa.

Por ello, el resultado final es muy desigual: así como la obra es buena y muy divertida, la directora no ha sabido darle el toque de comedia fina que se merece y la ha hecho caer en uno de los montajes más vulgares de las últimas temporadas en Madrid.

Una pena…

Crítica de Teatro

“Toc, Toc”. Teatro Príncipe-Gran Vía. Hasta fin de temporada.

¿Qué puede hacer un grupo de maniáticos juntos en la sala de espera de la consulta de un psicólogo? ¿Cómo impedir el aparentemente inevitable conflicto entre ellos? ¿Se curarán por sí mismos, durante el largo tiempo de espera? ¿Por qué nunca aparece el psicólogo..?

Estas y otras preguntas son respondidas en esta desternillante comedia del inenarrable director y actor Esteve Ferrer (“Fugadas”, “Te quiero, eres perfecto, ya te cambiaré”), cuyo sello inconfundible queda bien plasmado en este texto. El tipo de humor blanco e inteligente, la dirección de actores y su propia interpretación (guste o no guste) siempre han tenido el beneplácito de un público que lo que prácticamente busca es divertirse y olvidarse de sus problemas cotidianos. Y en este cometido Ferrer es un maestro.

No obstante, hay que reconocer que existen en esta obra escenas y situaciones un tanto tontorronas pero, en su conjunto, se merece un notable alto, sobre todo, porque no da tregua y siempre mantiene el ritmo de la acción. Y mantener el ritmo, sea en teatro, cine o televisión, es harto complicado y se consigue en contadas ocasiones.

Bravo por los actores, todos merecedores de un sobresaliente, y también felicidades a la puesta en escena, sencilla pero, al mismo tiempo, efectiva y como estamos en crisis y la cultura es el sector más perjudicado en estos casos, no queda otra que realizar escenografías minimalistas e inteligentes para que las obras no resulten montajes cutres o pretenciosos con pocos medios.

En fin, que, después de haberla visto, comprendemos por qué “Toc, Toc” ha llegado, en la cartelera madrileña, a su tercera temporada…

Teatro

“Julieta y Romeo”. Teatro Español. Hasta el 4 de septiembre.

“Romeo y Julieta” al revés o lo que es lo mismo, “Romeo y Julieta”, la última obra del Teatro Español. El actor y director Marc Martínez efectúa una relectura de una de las obras de William Shakespeare en “Julieta y Romeo”, una obra de contrastes que descubre ideas nunca representadas de la novela original.
Esta es, como todos conocemos, una historia de amor irracional en un contexto de odio y violencia entre familias son el caldo de cultivo para este clásico, que ha querido huir de lo formal para explicar la verdadera historia de esta pareja jugando con los géneros.
Los dos personajes protagonistas, Romeo y Julieta, se enamoran sin saber que sus familias son enemigas y cuando lo descubren renuncian a su nombre y hasta a su vida.
A medida que se va desarrollando el espectáculo, los actores van madurando a golpes y expresando a través de la palabra su manera de ser, un logro del escritor británico, que a través de la palabra describe a los personajes.

El contraste entre blanco y negro, las familias Montesco y Capoletto, el amor y el odio, el dia y la noche inundan esta obra propuesta por Ricardo Szwarcer a Martínez y que dura casi 3 horas.

La obra también refleja el amor de madre que siente Julieta hacia Romeo, mientras que el desnudo de Romeo representa el amor de niño que tiene éste hacia la protagonista.

En un escenario en el que solo aparecen dos piezas que simulan un cementario, los actores se han implicado personalmente para poder entender la visión del director del texto de Shakespeare.

Teatro

“La asamblea de las mujeres”. Teatro Compact Gran Vía. Hasta el 11 de septiembre.

Las protagonistas del clásico “La asamblea de las mujeres”, de Aristófanes, toman el poder de un gobierno dirigido por hombres, en esta comedia de enredo y lucha de sexos, dirigida por la reconocida directora Laila Ripoll (“Altra Bilis”, “La ciudad sitiada”) y que se estrenó en la última edición del aclamado Festival de Teatro Griego de Mérida.

Esta versión busca la risa del público, desde el saludo de bienvenida, en esta ocasión, por parte de la conocida actriz cómica Anabel Alonso.

Al comienzo de la obra, aparece Praxágora (Isabel Orda, “Aquí, no hay quien viva), quien, tras un mónologo equivocado adrede y vestida con las ropas de su marido, Bépiro, ha convocado a sus vecinas a una reunión nocturna, todas ellas engalanadas con vestuario masculino y un bastón para ensayar la que será la irrupción de las mujeres en un parlamento de hombres. Privados de sus propias ropas por sus mujeres, todos los hombres se ven obligados a salir a la calle con batas y zapatos de sus féminas, excepto el pícaro Cremes, en cuya piel se mete el actor cómico Secun de la Rosa.

Ante tales circunstancias, las mujeres se adelantan a sus maridos, con el discurso utópico de Praxágora sobre paz e igualdad a la cabeza, camino a la asamblea, donde, según explica Cremes a Blépiro, encarnado por Toni Misó, un hombre, que en realidad es Praxágora disfrazada, ha defendido la entrega del gobierno a las mujeres y ha pedido una votación democrática a la voz de "un hombre, un voto".

En este montaje, que cuenta con más de treinta profesionales en escena entre actores, músicos y figurantes, destaca el trabajo interpretativo de un plantel actoral importante: Isabel Ordaz, Secun de la Rosa, Emma Ozores, Gracia Olayo, Mamen Godoy y Eva Alba, quienes hacen las delicias del público y sus seguidores acompañadas de Secun de la Rosa, Toni Misó, José Luis Patiño, Esosa Omo y José Luis Torrijo.

En definitiva, una divertida sátira hacia el poder masculino, que siempre domina casi todos los aspectos de nuestra vida.

Teatro

“Momentum”. Teatro Arteria Coliseum.  Hasta el 8 de septiembre.

Mayumana ha vuelto este verano, a la capital, con el espectáculo “Momentum”, con el que celebra su 15º aniversario.  El espectáculo que la compañía ofrece esta vez es más interactivo que los montajes anteriores y la tecnología juega, aquí, un papel importante. Además de un show, éste usa elementos relacionados con el tiempo y apela a la creatividad del espectador.

Una vez más, el público tiene que demostrar sus aptitudes rítmicas y musicales para convertirse, así, en parte del espectáculo. El tiempo marca la música, la canción y el baile de cada uno de los artistas que componen la puesta en escena.

Entre los objetos que se pueden observar se encuentran relojes movidos por ritmos, efectos especiales, el agua como instrumento, video Dj, superposiciones musicales de instrumentos grabados y proyecciones en directo de rock, samba, funk y rumba.

Parece que el tema del tiempo está de moda en el mundo del espectáculo, pues, por estas mismas fechas, podemos ver otro musical, éste de menor formato, “Time al tiempo”, en el Teatro Alfil, también reseñado en este blog.

Crítica de Teatro

“Time al tiempo”. Teatro Alfil. Hasta el 18 de septiembre.

La conocida compañía cómica Ron Lalá presenta su último trabajo, “Time al tiempo”, un espectáculo que mezcla música y textos originales con mucho humor crítico, “cítrico” –como sus integrantes dicen irónicamente- y, sobre todo, grandes dosis de surrealismo.
Un trabajo de creación colectiva que da lugar al inconfundible estilo Lalá. La compañía, que cuenta en su repertorio con los espectáculos “Mundo y final” y “Mi misterio del interior”, entre otros, fue fundada en 1996. Tras una primera etapa de café teatro, su primer espectáculo fue “Si dentro de un limón metes un gorrión el limón vuela”. Este título nos perfectamente una idea del tipo de humor que gusta de trabajar: humor blanco, gamberro, con ganas de hacer que el público lo pase bien y unas pequeñas dosis de filosofía popular.
En este sentido, “Time al tiempo” cumple ampliamente sus objetivos: mediante una serie de más o menos afortunados sketches, el grupo reflexiona y parodia el hecho de que el tiempo es finito y, por ende, los hombres. Hay cuadros en los que Ron Lalá acierta y pone toda su inteligencia al servicio de la comicidad, pero en otros cae en los tópicos y el resultado final es un show musical desigual, muchas veces, facilón.
No obstante, también hay que destacar que la música y las letras de las canciones son propias.
Por todo ello, casi siempre ocurre que o gustan mucho sus espectáculos o no suelen gustan nada.

Danza

“La Otra Mirada del Flamenco”. Teatro Pradillo. Hasta el 3 de septiembre.

Del 3 de agosto al 3 de septiembre, el flamenco se apodera de la madrileña sala Pradillo, para una nueva edición de La Otra Mirada del Flamenco. Este festival, cuyo objetivo es promocionar la forma más contemporánea del flamenco, consta de cinco piezas de pequeño formato, realizadas por jóvenes coreógrafos.

• La compañía andaluza danZarte pretende aportar una mirada innovadora del baile español, sin olvidar sus raices, a través de su pieza Otros perfiles, que se podrá ver del 3 al 6 de agosto. Está compuesta por solos, pasos a dos y pasos a tres y con música de I. Albéniz, R. Riqueni, P. Sarasate, E. Grieg y una copla de Leon/Solano. Tras recorrer los caminos de la danza en la diversidad de sus manifestaciones, Bruno Argenta y Natalia Ferrándiz crean Danzarte síntesis de multitud de experiencias personales, fruto de la riqueza y madurez que atesoran en el momento actual. Se crea en 2006 estrenando su primer espectáculo “Perfiles del tiempo” con música en directo y poemas de J.M. Caballero Bonald.
• El brasileño Stefano Domit presentará en estreno absoluto su pieza Entre mares, del 10 al 13 de agosto. De muchas maneras el flamenco se expande, es asimilado y vivido por otras naciones y culturas, creciendo y enriqueciéndose cada día. En los más distintos lugares, las personas viven este arte y hacen de él su camino, su filosofía de vida. Aún estando lejos de sus raíces, el flamenco sigue puro, verdadero y fuerte. La obra es un viaje personal y único por las emociones que el flamenco ha despertado en el bailaor, y por los sueños que le han hecho trazar este camino entre mares.
• Del 17 al 20 de agosto, Guadalupe Torres hará, en De los rincones, una pequeña reseña de sentimientos que hacen referencia a mujeres que por su cultura, tradición o circunstancias se encuentran en una vida que no les pertenece. La bailaora ha buscado en sus propios rincones, en los sonidos, el cante, la percusión, la guitarra o la voz añeja de Marchena, para hacer un recorrido por diferentes estados y sensaciones que nos llevan a todas a un mismo punto de encuentro. Guadalupe Torres se forma en el Real Conservatorio Profesional de Danza. En el 2002 pasa a formar parte de la Compañía Andaluza de Danza, bajo la dirección de José Antonio Ruiz, etapa en la que trabaja con grandes figuras como Antonio Gades, presentando espectáculos en los mejores teatros y festivales del mundo. En 2010 crea compañía junto a David Coria y Jonatan Miró estrenando el espectáculo “Momentos” en Madrid.
• Tomando como definición de zona cero el lugar que queda devastado tras una catástrofe natural como pueda ser un terremoto, los protagonistas de Zona cero de Sara Calero se encargan de la reconstrucción de este terreno partiendo del paralelismo que aquí se plantea entre dicha definición y los cambios de etapa a los que nos expone la vida obligándonos a partir del origen. Sara Calero estudia en el Conservatorio Profesional de Danza de Madrid, antes de incorporar la compañía de Antonio Márquez en 2004. Entra a formar parte del Ballet Nacional de España en 2077, que deja en 2010 para dedicarse a proyectos personales.
• Adrián Santana clausarará La Otra Mirada del Flamenco con su pieza Siempre me pasa lo mismo. Esta obra nace de la necesidad de contar y transmitir las distintas experiencias por las que pasamos, que es una de las cualidades principales en la vida de cada artista. Empujado por la inquietud, Adrián Santana declara verse “en la obligación de compartir los distintos estados de ánimo que atraviesa en este momento”. Ha trabajado con Carmen Mota, José Porcel, Paco Mora, Carlos Saura o Rocío Molina. Siempre me pasa lo mismo obtuvo el segundo premio a la coreografía y el premio Fotoescena en el certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid 2010.