Magia a borbotones

La mayor producción de magia nunca vista en Europa, Hangar 52 Revolution, regresa a Madrid tras el rotundo éxito de su primera temporada de la mano del Mago Yunke, uno de los ilusionistas más reconocidos de la escena internacional y actual Premio Mundial de Magia. Es uno de los mayores espectáculos de magia nunca antes visto en España.

No cabe duda de que la magia es la protagonista de este otoño-invierno, en Madrid, gracias al regreso del gran espectáculo Hangar 52 Revolution, cuya producción se sitúa al nivel de los espectáculos de ilusionismo más exitosos de Broadway o Las Vegas. Mediante este show, el Mago Yunke supera los límites de lo imposible con grandes ilusiones, en una gran propuesta que logra unir los mejores números de magia con efectos especiales de última generación.

Estamos frente a una experiencia sensorial e inmersiva donde el mago descubre cada una de sus ilusiones clasificadas que van desde los secretos nunca desvelados de Leonardo da Vinci, hasta experimentos de ingravidez y teletransportación de la NASA, puertas interestelares hacia el antiguo Egipto, rituales de guerreros de la Gran Muralla China y aviones desaparecidos en la II Guerra Mundial. Todo ello se une a dos grandes y revolucionarias ilusiones que se incorporan en primicia a esta nueva temporada.

Hangar 52 da nombre, no sólo al espectáculo, sino también al espacio que acoge esta gran producción. Se trata de una gran carpa-auditorio con capacidad para más de mil espectadores, donde todos podemos disfrutar de una experiencia única e irrepetible.

El Mago Yunke tiene el máximo reconocimiento en el mundo de la magia: el Premio Mundial de Grandes Ilusiones en el Campeonato de Magia FISM 2018. Un galardón que refrendó su anterior título, logrado en el mismo campeonato hace casi dos décadas.

Por otro lado, Yunke es, en la actualidad, uno de los magos más televisivos e internacionales de España. Ha realizado desde grandes giras por todo el mundo, con más de más 120 espectáculos y actuaciones al año, a lo que hay que sumar el éxito de su museo teatro Magic Museum by Yunke, ubicado en Peñíscola.

Ahora, el mago Yuke vuelve a sorprender con el mayor y más ambicioso espectáculo que ha diseñado hasta la fecha.

En definitiva, un espectáculo único en el que disfrutar de originales ilusiones y todo el poder de su interpretación e ingenio creativo.

En escena, en el madrileño recinto ferial de IFEMA (Pabellón 1), hasta el 9 de enero.

Las palabras también hacen daño

 

El monólogo cómico Imbécil, del conocido actor y showman Alex O’Dogherty es su última creación artística. Una obra reflexiona sobre el poder de las palabras y la capacidad de ofender y ofenderse con ellas, así como el ser o hacer el imbécil.

Alex O’Dogherty es un intérprete, solista y humorista nacido en San Fernando (Cádiz), pero de ascendencia irlandesa que se formó en el Centro Andaluz de Teatro. Tras ello comenzó su carrera como actor y se forjó como monologuista en Paramount Comedy.

Ahora, llega con Imbécil, un monólogo sobre el poder de las palabras para hacer daño.

El artista saltó a la fama por personificar a Arturo Cañas Cañas en la serie Camera Café, aunque también ha tenido otros papeles muy relevantes como el policía municipal Alfredo Escobar, Caracolo, en Doctor Mateo y el alcalde de la serie Olmos y Robles. En el teatro ha aparecido en montajes como Por los pelos, Arte o The Hole Show y The Hole 2. Y en el cine ha intervenido en producciones como Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra, Pancho, el perro millonario, Felices 140 o AzulOscuroCasiNegro.

Por otra parte, es el artífice de la banda sonora de la película, Las huellas que deja el mar, la sintonía del programa radiofónico, La parroquia del monaguillo, y la música de obras como 405, La Jácara o El triciclo.

Finalmente, también le podemos ver haciendo doblete, en estos días, como maestro de ceremonias en el cabaret The Hole X, recientemente reseñado en estas páginas.

Lo podemos disfrutar en el madrileño Teatro Capitol, todos los sábados, hasta el 26 de febrero.

Vuelve la moda The Hole

El famoso cabaré circense The Hole celebra su décimo aniversario con un nuevo espectáculo, The Hole X, que rescata la esencia del original.

Tras ser aplaudido The Hole X por más de dos millones y medio de espectadores, este montaje repleto de música, bailes, humor, stripteases y acrobacias rescata la esencia de la función original recordando algunos de los números más impresionantes y los personajes más icónicos de las tres ediciones anteriores (The Hole, The Hole 2 y The Hole Zero), además de añadir textos y escenas nuevas.

Todo comienza con la gran fiesta que el Maestro de Ceremonias, interpretado por Álex O'Dogherty, organiza en su mansión. Los asistentes son sus invitados y estos son atendidos por la Madame, los mayordomos y el resto del servicio. Una cita que el Maestro ha diseñado con la intención de exponer su relación amorosa, la cual es bastante poco convencional.

Y a ellos se unen trapecistas, funambulistas, contorsionistas, un cuarteto a capela y música en directo. La obra se desarrolla en una gran carpa de más de catorce metros de altura, en la que el público puede deslumbrase con los increíbles números aéreos.

Todo un alarde de cabaret del bueno, mezclado con excelentes números de circo, como toca en los espectáculos de este tipo actuales. Y es que The Hole es lo más…moderno.

Lo podemos ver en Espacio Ibercaja Delicias (Madrid), toda la temporada.

Caperucita convertida en loba

De Caperucita, a loba, en solo seis tíos es una hilarante comedia en formato de monólogo escrita e interpretada por Marta González de Vega, que estudia el patetismo de las relaciones amorosas combinando el Stand Up Comedy, el teatro y el género musical. 

La artista Marta González de Vega es también coautora de 5hombres.com, 5mujeres.com y Hombres, Mujeres y punto, que se han estrenado en 17 países. Ahora, vuelve con De caperucita, a loba, en solo seis tíos, inspirándose en su propio libro de nombre homónimo y representando la función como si de un Stand Up Comedy se tratara. Aquí, artista describe un auténtico manual de superación a través de la risa.

De este modo, la protagonista, una Caperucita muy inocente, aprende sobre el sexo contrario y las dificultades de la vida, a través de los fracasos que va cosechando. Mediante seis relaciones, Caperucita va evolucionando, hasta convertirse en una verdadera experta sin escrúpulos.

Un espectáculo dirigido a ambos géneros, pero que ningún hombre debería perderse ya que en él se descubren los inescrutables secretos de la mente femenina. Y, sobre todo, una comedia para partirse  de risa en estas crudas y tristes navidades pandémicas…

La podemos ver en el madrileño Teatro Fígaro-Adolfo Marsillach, los sábados, hasta el 29 de enero.

Circo con mensaje

La Compañía de Circo Nueveuno el espectáculo de malabares, objetos, luces y sombras  Suspensión, que indaga en la identidad y el poder de liderazgo.

El espectáculo Suspensión cuenta con la participación de los artistas Miguel Frutos, Josu Monton, Carlos Marcos, Fernando Santa-Olalla y Jorge Silvestre. Cuatro hacen las veces de intérpretes y malabaristas y utilizan cuchillos, pelotas y huevos para jugar con la gravedad, la puntería y el espacio. El quinto genera la iluminación para crear ambientes mágicos llenos de pasión y virtuosismo.

Los cinco artistas reflexionan acerca de su identidad como hombres, al tiempo que hacen pensar a los asistentes cómo podrían ser unas masculinidades distintas. Además, sus acciones se acompañan de una música compuesta exclusivamente para la función y una escenografía que va evolucionando de forma constante.

Nueveuno es un conjunto fundado por Jorge Silvestre, Miguel Frutos y Josu Monton en 2014 que busca desarrollar sus inquietudes artísticas entorno al circo contemporáneo fusionando malabares, coreografía, música, escenografía e iluminación. Otros de sus montajes son Sinergia 3.0, Y tú, ¿sabes cuidar? y Sinergia Street.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro de La Abadía, hasta el 16 de enero.

Las mafias mejicanas

José Martret (#LaIRA, Placeres íntimos o La fragilidad de los verbos transitivos) dirige una adaptación teatral del libro de Lydia Cacho, Memorias de una infamia. Un retrato de la corrupción y la violencia que asolan México.

La tragedia La infamia es la propia biografía de Cacho, una periodista que destapó la mayor red de pederastia de México. En este entramado había nombres de personas muy influyentes y entre ellas dos: Kamel Nacif, uno de los empresarios más poderosos del país, y Mario Marín, gobernador del estado de Puebla. Ambos se unieron para matar a Cacho. Así, contrataron a policías corruptos para que la secuestraran y la asesinaran.

Pero Cacho pudo escapar. A pesar de ello tuvo que luchar contra los ataques y el silencio cómplice del gobierno federal, los ministerios públicos y los jueces. Por ello, decidió contar toda su experiencia en un libro que analiza el modus operandi de la corrupción y las mafias mexicanas.

Nacida en Ciudad de México (México) en 1963, Lydia Cacho es una periodista, escritora y defensora de los derechos humanos. Es autora de doce libros que han sido traducidos a nueve idiomas y están en venta en más de 20 países.

Entre otras distinciones, Cacho ha sido galardonada con el Premio Mundial de la Libertad de Prensa Unesco - Guillermo Cano 2008, el Harold Pinter Prize for International Writer Of Courage (Premio internacional Harold Pinter al Coraje de un escritor) 2010 de Reino Unido y el Premio Internacional de Periodismo Manu Leguineche 2010.

La podemos ver en las madrileñas Naves del Español, hasta el 16 de enero.

 

Las relaciones interpersonales, en versión circo

La prestigiosa compañía Les 7 doigts de la main produce el espectáculo circense donde reflexiona sobre el valor de lo humano y la belleza de las relaciones interpersonales, Passagers. Es una alegoría sobre la vida repleta de poesía, nostalgia y evocaciones estimulantes.

Passagers es el espectáculo circense que la prestigiosa compañía canadiense Les 7 doigts de la main pone ahora en escena, en Madrid. Durante un viaje en tren, una serie de extraños se conoce dentro de uno de los vagones. Inspirados por el movimiento y el trascurso del trayecto, cada uno de ellos cuenta su historia al tiempo que revela el contenido de su equipaje o sus más fantasiosos orígenes. Así, todos transforman su compartimento en un área de juego que propicia la confidencialidad y la cordialidad.

Los números que llevan a cabo combinan danza, expresión física, acrobacias y malabarismos. Acciones secuenciadas por composiciones musicales originales y una puesta en escena totalmente cautivadora.

Les 7 doigts de la main es un colectivo de artistas de circo creado en 2002 en Montreal (Canadá). Gracias a funciones como Traces o Loft ha atesorado una enorme popularidad. Y es que se ha destacado por generar montajes inusuales y únicos en los que se fusiona la danza contemporánea, las acrobacias, el teatro y el circo. Ha realizado más de 8.000 actuaciones en 40 países y en 2016 dio un paso más creando una fundación sin ánimo de lucro con la intención de apoyar la producción y difusión de obras innovadoras, así como el desarrollo artístico mediante residencias, tutorías o talleres.

La podemos ver, en los madrileños Teatros del Canal, hasta el 9 de enero.

Max Aub en estado puro

Maite Pérez Astorga dirige a María Pujalte y Ana Rujas en esta adaptación del famoso monólogo de Max Aub De un tiempo, a esta parte. Es una producción que intercala la crisis existencial del personaje de Aub con la de una chica de nuestro tiempo.

El dramaturgo español Max Aub escribió, en 1939, una reflexión sobre la existencia humana mediante la trágica visión de una mujer judía que vive los días en los que Austria es anexionada por la Alemania nazi. Su título, De un tiempo a esta parte.

El argumento cuenta cómo Emma ha pasado de ser la esposa de un empresario de éxito y la madre de un joven diplomático a una viuda apestada. Su marido fue asesinado por los nazis y su hijo murió en la Barcelona republicana por ser funcionario de un país enemigo. Además, su casa ha sido requisada por los alemanes y ahora sobrevive limpiando las escaleras y los portales de los vecinos que antes la saludaban amistosamente.

Si el opresor entonces era el nazismo, ¿qué produce hoy la angustia y la depresión? Si entonces la libertad de pensamiento era coaccionada a través de un único canal, ¿la saturación de información de dudosa veracidad nos lleva hoy a tener más discernimiento? 

En definitiva, un drama histórico que nos hace reflexionar sobre temas muy actuales…

Maite Pérez Astorga ha sido guionista para series como Amar es para siempre, Hospital Valle Norte o Pelotas. En el teatro, entre otros proyectos, ha dirigido y adaptado junto con David Serrano la versión de la película argentina Dos más dos, junto con Peris Romano ha llevado a cabo Los miércoles no existen y ha sido la directora residente del musical Billy Elliot durante sus dos primeras temporadas.

La podemos ver en el madrileño Teatro Español, hasta el 30 de enero.

Homenaje a Juan Rana

La prestigiosa compañía Ron Lalá presenta el espectáculo cómico Andanzas y entremeses de Juan Rana. El montaje tiene música en directo que homenajea al famoso actor Juan Rana, Al mismo tiempo, reflexiona sobre los límites del humor.

La comedia de tintes clásicos Andanzas y entremeses de Juan Rana presenta cómo la Inquisición ha arrestado a Juan Rana, el comediante más célebre del Siglo de Oro. Su juicio puede cambiar la historia del Arte en España para siempre. Al personaje se le juzga por hacer reír a generaciones enteras de españoles con su humor burlesco e irreverente, donde retrata a toda la sociedad de su tiempo.

Las pruebas que se muestran son una serie de piezas breves donde actúa el propio Juan Rana, una selección de entremeses de los más grandes autores de la época: Calderón de la Barca, Moreto y Quiñones de Benavente, entre otros. En estas escenas se postulan sus crímenes contra la decencia: blasfemia, desacato, irreverencia, provocación, espíritu crítico, herejía…

Juan Rana, alter ego de Cosme Pérez, fue un intérprete muy famoso del siglo XVII. Sus roles más habituales fueron los de alcalde rural y personajes afeminados o de sexualidad incierta, siendo por ello procesado por la Inquisición por sodomía, delito del que fue finalmente absuelto. Su popularidad llegó a tal extremo que realizaron entremeses en su honor e incluso, muchas obras cómicas anunciaban su presencia con el propósito de atraer a los espectadores...

La podemos disfrutar en el madrileño Teatro de la Abadía, hasta el próximo 9 de enero.

Hamlet en versión moderna

La portuguesa Companhia do Chapitô produce una versión libre y moderna de la clásica tragedia de William Shakespeare Hamlet. Una obra que hace una analogía entre el antiguo reino de Dinamarca y una multinacional actual para indagar en temas como la traición, el abuso y los juegos de poder.

La historia de Hamlet (una de las principales tragedias de Shakespeare) mantiene la esencia natural: el rey Hamlet muere a manos de su hermano Claudio, quien toma el control del país y se desposa con su anterior cuñada. El fantasma del monarca se aparece a su hijo, el príncipe Hamlet, relatándole la verdad de su fallecimiento y exigiendo venganza.

Pero todo ello adaptado al mundo de los negocios, ya que los personajes están ataviados con trajes y corbatas, las cuales utilizan para construir fantasiosamente pistolas, ametralladoras, bastones, teléfonos… Además, los lugares de la acción se posicionan dentro de un rascacielos: el sótano, el archivo, la sala de reuniones o el ático son algunas de las zonas que sustituyen a los castillos y las ciudades medievales. De tal modo, la función se desarrolla mediante un hiperrealismo argumental y una amplia comicidad que tiene en la expresión corporal su principal aliado.

La Compañía do Chapitô fue creada en Lisboa (Portugal), en 1996, y siempre emplea el humor como base para cuestionar la realidad social. Conjuntamente, sus piezas se asientan en el teatro físico, el proceso colectivo y la voluntad de imaginación del público. Entre sus producciones destacan otros montajes de teatro clásico, como Electra, Macbeth, Edipo o La tempestad.

La podemos ver en el madrileño Teatro Abadía, hasta el próximo día 19 del mes.

La política y el poder, de la mano

Cándido Pazó (La gallina azul o La compañera de piso) dirige un texto de Ramón Madaula (Perdidos) que se estructura en una cómica batalla dialéctica que profundiza en las bases del poder y la política. Su título: El electo.

La comedia El electo está protagonizada por los actores Antonio Mourelos (Fariña o Los misterios de Laura), y Fernando Coronado, muy conocido por su participación en la serie El secreto de Puente Viejo. El montaje está producido por Contraproducions y Focus.

El protagonista, Coronado, se mete en la piel de un recién elegido presidente del Gobierno. Está a punto de salir a dar su discurso de investidura, pero justo en ese momento le aparece un grotesco tic nervioso que amenaza con arruinar el acto. No puede exponerse ante los medios de comunicación y la opinión pública de esa manera, sería su tumba política.

Alarmado, pide ayuda a un psiquiatra con quien inicia una hilarante charla que les lleva a descubrir sus secretos más íntimos, además de las verdaderas motivaciones de sus trayectorias profesionales y los sucesos que han marcado su vocación. Con ello se crea un enredo que indaga en cuestiones como las ambiciones humanas por el poder, la responsabilidad civil o la moralidad personal y social.

En definitiva, una divertida comedia con temática social.

La podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco, hasta el 9 de enero.

El Ballet Nacional de España cumple cuarenta y dosaños

El bailarín Rubén Olmo dirige al Ballet Nacional de España, que acaba de celebrar sus cuarenta y dos años de vida, en un espectáculo especial que abarca casi todos los estilos de danza y homenajea al bailarín y coreógrafo Mario Maya: Invocación.

La primera pieza del nuevo espectáculo del Ballet Nacional de España (Invocación) es Innovación bolera del director de la compañía, Rubén Olmo. Se trata de un repaso por la esencia de la escuela bolera tradicional, surgida en el siglo XVIII, en España, fruto de la combinación de bailes populares andaluces con danzas académicas.

Posteriormente, le toca el turno a Jauleña, un solo inspirado en Granada e interpretado por Rubén Olmo que cuenta con pinceladas de escuela bolera, danza estilizada y flamenco. Eterna Iberia de Antonio Najarro es la siguiente obra que se sube a escena, la cual está basada en Celtiberia de Moreno Buendía.

Por último, la coreografía De lo flamenco cierra la velada. Es un homenaje a Mario Maya, uno de los grandes bailarines de la danza española y fundador en 1994 de la Compañía Andaluza de Danza, el actual Ballet Flamenco de Andalucía.

Rubén Olmo es un bailaor, bailarín y coreógrafo nacido en Sevilla, en 1980. Está titulado en danza española y clásica por el Conservatorio de la capital andaluza. Con una amplia trayectoria, ingresó en el Ballet Nacional de España con 18 años, donde destacó al poco tiempo.

Más tarde formó su propia agrupación con montajes como Belmonte, la danza hecha toreo (2006) y Tranquilo alboroto (2010). Entre 2011 y 2013, fue director del Ballet Flamenco de Andalucía. Además, ha sido distinguido con el Premio Nacional de Danza 2015 en la modalidad de interpretación y el Premio de la Crítica del XXIII Festival de Jerez 2019. En 2019, fue nombrado director del Ballet Nacional de España.

Lo podemos ver, hasta el 22 de diciembre, en el madrileño Teatro de la Zarzuela.

A vueltas con Moliére

El enfermo imaginario, de Molière, es una crítica sobre los médicos en el siglo XVII, que se convierte en un fabuloso y divertido retrato del hipocondríaco que sigue estando vigente en nuestra sociedad. Un nuevo y moderno montaje al respecto llega a Madrid.

Dirigida por Eva Palacio, la comedia El enfermo imaginario, de Molière, muestra el miedo a la muerte y al dolor que tienen al protagonista Argán prisionero de sí mismo. Es incapaz de disfrutar de la vida y se convierte en víctima y verdugo a la vez ya que se cree muy enfermo y no puede vivir sin estar rodeado de médicos.

Por otro lado, el protagonista decide que, para ahorrar, puede concertar un matrimonio de conveniencia entre su hija Angélica con Tomás, el hijo de su médico, el señor Diafoirus. Mientras tanto Belinda su segunda esposa le presiona para hacer testamento y Toñita, su criada, y Beralda, la hermana de Argán, intentan ayudar a Angélica a realizar un enlace por amor con otro el joven, Cleanto.

Estamos ante un texto que busca todas las emociones y matices, desde los momentos más sentidos y tiernos a los más delirantes con escenas cómicas y otras morbosas que buscan el equilibrio entre la comedia y esa parte inquietante y sórdida que subyace en la función.

Un texto clásico imprescindible y un montaje moderno interesante.

La podemos disfrutar en el madrileño Teatro Fernán Gómez del 16 de diciembre, hasta el 16 de enero.

De drags y botas

El Espacio Delicias, de Madrid, se llena de botas y lentejuelas del 28 de septiembre al 9 de enero, de martes a domingos, para acoger el estreno en España de este prestigioso musical ganador de seis premios Tony, entre otros los de Mejor Musical y Mejor Música Original, y tres premios Laurence Olivier, incluido el de Mejor Musical. Los actores Tiago Barbosa, Daniel Diges y Angy Fernández protagonizan el musical junto a un elenco compuesto por 24 artistas bajo la dirección de Ricky Pashkus.

Tras arrasar en Broadway y en sus giras por todo el mundo, el musical Kinky Boots (con letras de la popular cantante pop estadounidense Cindy Lauper) llega con la dirección de Ricky Pashkus y con la producción de Rimas y Letsgo, en colaboración con MP Producciones. Está basado en hechos reales y se trata de una versión de la homónima película británica de 2005 escrita por Geoff Deane y Tim Firth y dirigida por Julian Jarrold.

Para este montaje teatral, su libreto lleva la firma de Harvey Fierstein y la música y las letras de la icónica cantante Cindy Lauper.

La función emplea a 24 artistas sobre el escenario y de una banda integrada por seis músicos bajo la regiduría de Julio Awad. Las coreografías corren a cargo de Gillian Bruce (Dirty Dancing), la adaptación de guión y letras es obra de Silvia Montesinos, el vestuario de Verónica de la Canal y Alejandra Robotti, diseño de botas y calzado de Luciano Marra y la escenografía de Jorge Ferrari.

El argumento narra cómo tras la muerte de su padre, Charlie Price se hace con las riendas de una fábrica de zapatos convencionales. Nada más echarle un vistazo al libro de cuentas, observa que el negocio no marcha nada bien. Por ello, Charlie decide viajar a Londres en busca de inversores y nuevos contratos comerciales.

Por casualidad, Charlie acaba en un cabaret regentado por la drag queen Lola, en el que los travestis usan unas peculiares botas altas de plataforma. Es entonces cuando se le ocurre explotar este tipo de calzado y así salvar a la empresa familiar.

Es un musical lleno de fuerza, optimismo, al que no le faltan medios técnicos y artísticos, dirigido por una mano maestra e interpretado por un grupo de actores, cantantes y bailarines diez. Además, como todo musical que se precie, tiene mensaje: ser quién se es, pese a todo. Un mensaje en pro de la libertad, tan necesaria en los retrógrados tiempos que corren. Entre todo el elenco artístico, la mitad del musical se la lleva el artista brasileño Tiago Barbosa, que se come el escenario y se lleva al público de calle. Prodigioso trabajo el de él…Sin desmerecer, claro está, el del resto del elenco.

Quien se lo pierda, pierde el tiempo, valga la redundancia.

Lo podemos ver en Espacio Delicias (Madrid), hasta el 9 de enero.

 

Una nueva Bohème

El Teatro Real, en colaboración con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago, produce una nueva representación de la más clásica y bella historia de Giacomo Puccini, La Bohème. Una tragedia en cuatro actos que cuenta con Nicola Luisotti y Luis Miguel Méndez como directores musicales y Richard Jones como director de escena.

El libreto de La Bohème,- la ópera más conocida de Puccini- fue escrito por Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, quienes resumieron la novela por entregas Les Scènes de la vie de bohème (Escenas de la vida bohemia) de Henri Murger,​ publicada a lo largo de cinco años en el periódico El Corsario. Una colección de episodios protagonizados por jóvenes bohemios que viven en el Barrio Latino de París en la década de 1840.

El relato  de esta ópera romántica por excelencia sitúa al espectador en la capital gala a principios del siglo XIX y su argumento gira en torno a un grupo de artistas carentes de recursos económicos: Marcello, el pintor, Rodolfo, el poeta, Colline, el filósofo, y Schaunard, el músico. Todos ellos tratan de encontrar el amor verdadero, mientras esquivan con mucha astucia al dueño de la pensión, quien busca cobrar el alquiler atrasado.

Rodolfo conoce a la modista Mimì y ambos se enamoran perdidamente. Sin embargo, el carácter coqueto de Mimì hace que Rodolfo se llene de celos y decida dejarla. Pero Mimí está enferma y su salud recae tanto que ya no le queda mucho tiempo de vida. Al enterarse, Rodolfo se siente culpable y piensa en poder recuperarla antes de que sea tarde.

 

Ficha artística:

 

§ Dirección musical - Nicola Luisotti (12, 13, 15, 16, 18, 19, 20, 23, 26, 27, 29 dic; 2, 4 ene) y Luis Miguel Méndez (30 dic; 3 ene)

§ Dirección de escena - Richard Jones

§ Escenografía y figurines - Stewart Laing

§ Iluminación - Mimi Jordan Sherin

§ Coreografía - Sarah Fahie

§ Dirección de coro - Andrés Máspero

§ Dirección del coro infantil - Ana González

§ Coro - Coro Intermezzo

§ Orquesta - Orquesta Sinfónica de Madrid

§ Colaboración - Pequeños Cantores de la JORCAM

La podemos disfrutar en el madrileño Teatro Real, del 12 de diciembre, al 4 de enero.