viernes, 28 de abril de 2017

Teatro-Drama

Una habitación propia”. Teatro Español. Hasta el 21 de mayo.
La dramaturga y directora María Ruiz adapta a las tablas escénicas “Una habitación propia”, una obra de Virginia Woolf que reflexiona sobre la maltratada figura de la mujer en el arte y la literatura. 
De unos setenta minutos de duración, la obra se articula como un monologo interpretado por la actriz Clara Sanchis, quien representa a una escritora que ofrece una conferencia a un grupo de estudiantes. Es 1928 y hace tan solo nueve años que se aprobó el sufragio femenino en el Reino Unido. Esto hace que la protagonista analice el papel de la mujer en la sociedad y examine el incipiente movimiento feminista que comienza a vertebrarse.
Actualmente, el ensayo está considerado como uno de los textos más importantes dentro del feminismo al criticar los prejuicios a los que deben enfrentarse las mujeres y repasar las condiciones en las que han tenido que vivir a lo largo de los siglos.


Teatro-Drama

Refugio”. Teatro María Guerrero. Hasta el 18 de junio.
El Centro Dramático Nacional y Kamikaze Producciones coproducen “Refugio”, un drama familiar dirigido por Miguel del Arco y protagonizado por Israel Elejalde y Beatriz Argúello. 
Inspirándose en la película Teorema de Pier Paolo Pasolini, la presencia de un extraño en el día a día de una familia termina desestabilizando sus relaciones y transformando sus propias formas de ser. Sin saber cómo seguir con sus existencias, los protagonistas reflexionan sobre el pasado, la condición humana y la ética con el objetivo de encontrarse a sí mismos.
El 25 de mayo está previsto un encuentro con el público al finalizar la función en la sala Margarita Xirgu. Asimismo, los días ocho y nueve de junio se han organizado sesiones accesibles para personas con discapacidad auditiva y visual.


Teatro-Comedia

Prefiero que seamos amigos”. Teatro La Latina. Hasta el 25 de junio.
¿Quién no ha escuchado, en algún momento, la frase “Prefiero que seamos amigos”? Una sentencia que condena cualquier expectativa hacia la persona amada, que te destruye la ilusión de ser el objeto de deseo, de pasión, de formar una pareja, de ser la media naranja de tu amor. Con esta oración el happy ending de nuestra posible historia de amor se desvanece y nuestro amante deseado se convierte en amigo... 
En esta comedia francesa vemos a dos amigos, tan cercanos y tan cómodos en la compañía del otro, que cuando uno de ellos quiere cambiar las reglas de la amistad, el otro está totalmente cegado y es incapaz de ver más allá. Aquí está servida la comedia. Uno busca algo más pasional que el sofá, la peli y una pizza en compañía de su amigo charlando e intercambiando historias de conquistas. 
Reinan las frustraciones y las palabras están llenas de sentimientos no comprendidos, las insinuaciones y mensajes sutiles no están captados. 
La obra también plantea otro tema universal en el mundo femenino; el abrupto cambio de estatus cuando pasas de una cierta edad. La sensación de ser repentinamente invisible para el sexo contrario. 
La lucha interna de la mujer segura de sí misma, hecha y derecha, con toda una vida a sus espaldas, independiente y satisfecha consigo misma que se enfrenta a la terrible inseguridad y el miedo de no ser nunca más deseada y no volver a ser dichosa en el terreno del amor.
Las relaciones y la búsqueda del amor nunca son fáciles y aquí disfrutamos de la odisea que es para Claudia y Valentín aprender a quererse.
La conocidísima cantante española Lolita (ya metida de lleno en la interpretación, desde hace unos años) y el actor argentino Luis Mottola interpretan a los dos personajes con gracia y profesionalidad. El primero, con más profesionalidad que gracia. La segunda, con ambas cualidades porque le viene de familia: lo que le sobraba a su madre, Lola Flores, era gracia y un gran amor al trabajo.

Pero, por otro lado, tenemos que decir que es un texto facilón, con bromas tópicas y situaciones ídem y que más allá de pretender hacernos reflexionar sobre un tema concreto, lo que quieres es divertir, sin más. En este sentido, lo consigue. Por eso, esta obra puramente comercial, es entretenida y nada más…Que no es poco…

Musical

Mamma mía”. Teatro Coliseum. Toda la temporada.
“Mamma Mía!” es una popularísima comedia musical construida en torno a los grandes éxitos del grupo sueco ABBA que ha enamorado a 60 millones de espectadores en todo el mundo. La cantante Nina protagoniza esta versión española convirtiéndose en la actriz que más veces ha interpretado a la protagonista en la historia.
Su argumento relata cómo Sophie Sheridan prepara su boda en el hotel de su madre, situado en una isla griega. Sophie no sabe quién es su padre porque su progenitora, Donna, nunca se lo ha dicho.
Pero todo cambia cuando Sophie encuentra el antiguo diario de su madre, descubriendo la dirección de tres hombres que podrían ser su padre. Para averiguarlo, decide invitarlos a su boda sin que Donna se entere.
De este modo, una vez que Sam Carmichael, Harry Bright y Bill Anderson han llegado a la isla, todos ellos tratan de resolver el misterio de quién es el verdadero padre de Sophie y, por lo tanto, quién la llevará al altar.
Toda una inyección de energía positiva que se ha representado hasta en 440 ciudades, con una recaudación mundial que supera los 2 billones de dólares y, después de 18 años en cartel ininterrumpidamente, el musical continúa representándose con gran éxito en el West End londinense, la cuna del teatro europeo.
Por supuesto, la cantante y actriz Nina da todo lo mejor de sí con esa energía perenne que siempre le ha caracterizado.


Danza

“Boléro”. Teatros del Canal. Hasta el 30 de abril.
Desde su fundación en 1987, el Béjart Ballet Lausanne es una referencia en el mundo de la danza. Designado como sucesor de Maurice Béjart, Gil Roman lidera la compañía y la preservación de su calidad artística desde que el Maestro nos dejara en 2007.
Maurice Béjart tuvo siempre el deseo de abrir el universo de la danza a un público más amplio. Animados por el mismo espíritu, Gil Roman y sus bailarines actúan por todo el mundo tanto en grandes teatros como en galas benéficas. Coreógrafo desde hace 20 años, Gil Roman mantiene viva la obra de Béjart y alimenta el repertorio de la compañía de numerosas creaciones.
Programa
Le mandarin merveilleux
Maurice Béjart / Bela Bartók
Tombées de la dernière pluie
Gil Roman / Franz Schubert
Bhakti III – Maurice Béjart
Boléro – Maurice Béjart / Maurice Ravel
El programa que presenta el Béjart Ballet Lausanne cuenta con cuatro coreografías: Le mandarin merveilleux, Tombées de la dernière pluie, Bhakti III y Boléro. Esta última, que da nombre al espectáculo, es una coreografía del propio Béjart con música de Maurice Ravel. Sin describir más un ballet que no necesita introducción, destacar que Béjart vuelve al espíritu de La consagración de la primavera en un estilo muy diferente. En este sentido, a diferencia de la mayoría de los artistas que han coreografiado Boléro antes que él, Béjart rechaza las opciones fáciles de un exterior pintoresco para expresar simplemente, pero con fuerza, lo esencial. Maurice Béjart da el papel central (La Melodía) a una bailarina y luego a un bailarín. El Ritmo es interpretado por un grupo de bailarines masculinos.
De la pieza Le mandarin merveilleux, también de Béjart, el coreográfo comentó: “Seguí meticulosamente la partitura, el relato y la organización dramatúrgica de la obra de Béla Bartók. Entre las tres víctimas que caen bajo el hechizo de la (falsa) chica explotada por los bandidos, sobresale otro personaje de Fritz Lang: Siegfried, héroe y víctima, símbolo y fracaso de un ideal. La chica artificial, como el robot de Metrópolis, prolonga la ambigüedad sexual que prevalece a lo largo de ese fascinante período entre las dos catástrofes mundiales”.
Tombées de la dernière pluie es una coreografía del director artístico del ballet, Gil Román, con música de Franz Schubert, Citypercussion – Thierry Hochstätter & jB Meier. A través de la búsqueda de un lenguaje coreográfico, en este intercambio íntimo que muestra al coreógrafo cómo alimenta y es alimentado, en este juego de espejos surgen relatos, imágenes, entrelazados… ¿Qué queda de uno mismo cuando no queda nada…? Un hombre y diez mujeres se reúnen en medio del caos, él se enfrenta solo a sus deseos y certezas, ellas llevan la danza hasta el fin de sí mismas, tan fuertes y frágiles, hasta el encuentro, la fusión…
Cierra el programa Bhakti III, otra coreografía de Béjart con música de tradicional hindú. A través del amor, el devoto se identifica con la divinidad y revive cada vez la leyenda de su Dios, este Dios que solo es uno de los rostros de la realidad.
Desde su creación en 1987, el Béjart Ballet Lausanne es una referencia en el mundo de la danza. Gil Roman, elegido como sucesor por Maurice Béjart, lidera la compañía y preserva su excelencia artística, desde la desaparición del Maestro en 2007. Maurice Béjart siempre quiso abrir el mundo del ballet a un público más amplio. Animados por el mismo espíritu, Gil Roman y sus bailarines actúan por todo el mundo en teatros y festivales, recepciones oficiales, así como en actuaciones benéficas. Gil Roman, coreógrafo desde hace más de 20 años, preserva el trabajo de Maurice Béjart y añade nuevas creaciones al repertorio de la compañía.
En definitiva, un ejercicio de alta profesionalidad y sensibilidad exquisita. Pocas veces tenemos, en Madrid, la oportunidad de asistir a un espectáculo de danza de la calidad del que nos ocupa…


Teatro-Comedia

“Antes y después- The Pride”. Pequeño teatro Gran Vía. Hasta el 7 de julio.
Escrita por de Alexi Kaye Campbell y dirigida por el solvente actor-director español Francisco Vidal Francisco Vidal, esta versión de Ricardo del Cano y Francisco Vidal emplea a los actores Ricardo del Cano/ Alejandro Pollán, Sergio Sánchez, María Rubio / Lorena Jiménez y Borja Ibáñez.
Desarrollada entre los años 1958 y 2017, The Pride estudia el cambio en la actitud hacia la sexualidad, la identidad, la intimidad y el valor para enfrentarse a quiénes somos.
En 1958, Phillip se enamora perdidamente de Oliver, el jefe de su mujer, Sylvia. En 2017, Oliver sufre una adicción sexual incontrolable que destroza su relación con Phillip y hace que se quede solo, aferrándose a la amistad de Sylvia, su mejor amiga.

La obra, interpretada con gracia, habla de la libertad sexual de la actualidad y es un canto a la tolerancia. Con situaciones demasiado conocidas y oídas por todos, se nos antoja que podía haberlas resuelto con algo más de originalidad para no caer en los lugares comunes. Pero al público le resultan divertidas porque, en el fondo, nunca está demás (porque la Historia se compone de ciclos y de pasos adelante y pasos hacia atrás) recordar que los Derechos Humanos, sean las personas de la condición que sean, están por encima de cualquier ideología y forma de pensar…

viernes, 21 de abril de 2017

Opera

Mozart y Salieri”. Fundación Juan March. Del 22, al 29 de abril.
Música de Nikolái Rimski-Kórsakov 
Texto inspirado en la obra homónima de Aleksandr Pushkin
Transcripción de I. Yurgenson
Leipzig (Alemania) / San Petersburgo (Rusia), Editorial M.P.BELAYEV, 1898
Revisión del texto original y traducción para esta publicación de Amelia Serraller Calvo
Coproducción del Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March

La rivalidad mortal entre Salieri y Mozart está grabada a fuego en el imaginario colectivo gracias al poder del cine. Que la investigación musicológica la desmintiera no ha impedido el establecimiento de esta leyenda alimentada en su Mozart y Salieri (1830) por Aleksandr Pushkin, padre de la literatura rusa moderna. Años más tarde, esta obra teatral breve, particularmente seductora en el contexto del Romanticismo, sirvió a Nikolái Rimski-Kórsakov para componer su ópera homónima en la que integró fragmentos de Le nozze di Figaro, Don Giovanni y, por supuesto, el Réquiem de Mozart. El triunfo del arte sobre la moral y el poder creativo de la envidia son los grandes temas de esta ópera de pequeñas dimensiones.

Teatro-Comedia

“La ternura”. Teatro Abadía. Del 27 de abril, al 4 de junio.
El Teatro de la Ciudad se presenta de nuevo en La Abadía, después de ir a la cuna del teatro occidental con la tragedia grecolatina, ahora se adentra en el mundo de la comedia.
Dos espectáculos de nueva creación jugarán, cada uno a su manera, con motivos y mecanismos de la comedia de Shakespeare, el indiscutible maestro que recoge no solo la tradición de los Antiguos sino también la de la Commedia dell’Arte, los cómicos ambulantes y las historias tardío medievales de figuras como Boccaccio.

El primero en estrenarse será Alfredo Sanzol, que releyendo a Shakespeare se imagina lo siguiente: “Quiero que ‘La Ternura’ sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros… y un deseo que une a todos: el de encontrar la ternura como sea, donde sea, con quien sea.”

Opera

Bomarzo”. Teatro Real. Del 25 de abril, al 7 de mayo
“ Bomarzoes una ópera de Alberto Ginastera con libreto de Manuel Mujica Lainez, basada en la novela del mismo título, lo que supone un acontecimiento en Madrid, por tratarse de una obra fundamental en el mundo operístico latinoamericano. El director de escena Pierre Audi concibe un espacio mental y claustrofóbico, que pone de relieve la soledad del protagonista, Pier Francesco Orsini, inmerso en el mundo traumático del final de su existencia. El director de orquesta alemán David Afkham, actual director de la ONE, estará al frente del Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real y de un reparto internacional encabezado por John Daszak, quien dará vida al duque italiano.

Punto de partida
Había una vez una noble familia italiana que hizo construir cerca de su palacio un jardín sin par. Pero no es este el jardín soñado de los cuentos de hadas. Bomarzo es un lugar donde acechan figuras monstruosas esculpidas sobre rocas volcánicas. Un escenario de pesadilla en que Manuel Mujica Lainez sitúa su novela cumbre, que él mismo adaptaría para transformarla en libreto de ópera. El protagonista, el duque Pier Francesco Orsini, es un personaje de cuerpo y mente deformados en busca de la inmortalidad que, creyendo beber una pócima mágica, toma en cambio un veneno que le quita la vida. Mientras agoniza, Orsini rememora episodios decisivos y a menudo traumáticos de su existencia, en un aterrador juego de espejos donde los espectros de piedra no son sino un reflejo de su interior más tenebroso. Cuando se encargó a Alberto Ginastera escribir una obra para la Opera Society de Washington, el compositor tuvo claro que se valdría de esta historia, y la dotó de un lenguaje musical complejo que inunda la escena de desasosiego.

Lo esencial

Ópera en dos actos

Música de Alberto Ginastera (1916-1983)


Libreto de Manuel Mujica Lainez, basado en su novela Bomarzo
 
Estrenada en el Lisner Auditorium de Washington D.C. el 16 de mayo de 1967

Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproduccion con De Nationale Opera de Ámsterdam

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(
Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)


Ficha Artística

·         Dirección musical:David Afkham

·         Dirección de escena:Pierre Audi

·         Escenografía e iluminación:Urs Schönebaum

·         Figurines:Wojciech Dziedzic

·         Dramaturgia:Klaus Bertisch

·         Vídeo:Jon Rafman

·         Coreografía:Amir Hosseinpour, Jonathan Lunn

·         Dirección del coro:Andrés Máspero

· - ·
·         Pier Francesco Orsini:John Daszak

·         Gian Corrado Orsini:James Creswell

·         Diana Orsini:Hilary Summers

·         Girolamo:Germán Olvera

·         Maerbale:Damián del Castillo

·         Julia Farnese:Nicola Beller Carbone

·         Nicolás Orsini:Albert Casals

·         Silvio de Nardi:Thomas Oliemans

·         Pantasilea:Milijana Nikolic


·         Mensajero:Francis Tójar 

Teatro-Clásico

Aquiles, el hombre”. Teatro Bellas Artes. Hasta el 23 de abril.
Este es uno de los mejores montajes que se pudieron ver en el pasado “Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida”, dentro del ciclo  “Festival de Mérida en Madrid”.
Basado en “La Iliada”, de Homero, la obra  cuenta con la dramaturgia de Roberto Rivera bajo la dirección de José Pascual; escenografía de Curt Allen Wilmer; música original de Luis Delgado y un vestuario contemporáneo con toques clásicos diseñado por Pier Paolo Alvaro  completa esa ambientación actual y atemporal que busca el espectáculo para situarnos en la guerra de Troya o en cualquier guerra.
 El conocido actor Toni Cantó se mete en la piel de Aquiles, el mítico personaje de “La Ilíada” que se presenta, aquí, no tanto como un héroe y un semi-dios sino como un hombre que se debate entre la angustia de cumplir su destino y su deber, como es el de continuar con la guerra y morir, o dejarse llevar por sus sentimientos. “Aquiles es un visionario, un antisistema, un creador, que por primera vez se plantea no solo que las cosas pueden ser de otra manera, sino que pueden ser mucho mejor”, lo define Cantó.

Argumento
Son ya nueve años los que el ejército aqueo lleva asaltando sin éxito las murallas de Troya. Nueve años desde que una alianza de los pueblos griegos se pusiera en marcha para vengar la afrenta del rapto de Helena, esposa de Menelao, a la que el troyano Paris custodia tras los muros de Ilión. Pero Troya se muestra inexpugnable y el desaliento y la discordia hacen su aparición en el campamento aqueo. Todos los ojos se vuelven hacia Aquiles, el más poderoso de los guerreros griegos, el héroe semi-divino del que se espera una intervención decisiva que haga cambiar el curso de la batalla. Pero Aquiles, hastiado de la guerra, se pregunta si merece la pena cumplir su destino.
Así comienza Aquiles, el hombre versión dramatizada de los hechos fundamentales narrados en la Ilíada, el más antiguo de los poemas épicos de la literatura occidental. Los Dioses son aquí presencias lejanas y la sangre y la batalla un telón de fondo sobre el que asistiremos al despliegue de la conciencia del héroe. Veremos como el caudillo griego Agamenón humilla a Aquiles al arrebatarle a Briseida, su esclava favorita, y cómo Aquiles renuncia a la lucha, dejando a sus compañeros a los pies de una derrota segura ante las fuerzas troyanas. Cuando su íntimo Patroclo sea asesinado por Héctor, el caudillo troyano, Aquiles volverá a tomar las armas para enfrentarse en duelo a Héctor. Del dolor por la muerte de su amigo surge un Aquiles vengativo y cruel, que sólo busca la muerte de Héctor y la profanación de su cadáver. Pero cuando Príamo, el padre de Héctor, se presenta ante él y le pide que le entregue el cadáver de su hijo para darle sepultura, Aquiles encuentra el rastro de compasión que necesita. Surge entonces un Aquiles humano, capaz de entender a su enemigo y aceptarse a sí mismo.

Este es el trayecto que propone Aquiles: de la rueda de violencia y venganza que sólo genera más violencia, a la aparición de la compasión que funda un espacio de entendimiento.

lunes, 10 de abril de 2017

Cabaret

“¡Ohlala!”. Teatro de la Luz Philips. Toda la temporada.
 Rompe tus límites, abre tus fronteras. ¡No hay reglas! Todo depende de ti y de tus fantasías”. Este es el eslogan del cabaret que nos ocupa. Después de su arrollador paso por Las Vegas, Zúrich y el Folies Bergère de París, llega a Madrid “¡Ohlalá!” – Sexy – Crazy – Artístic, un cabaret-circo con los mejores acróbatas, los campeones del mundo de patinaje y bailarines españoles. 
Eva seduce a Adán haciéndole probar la fruta del árbol del conocimiento. Él es vencido por la tentación y el atractivo de lo prohibido. Para ambos significa la expulsión del paraíso. Hojas de higuera cubren desde ese momento su género como un signo de vergüenza, de su pecado. La seducción ha triunfado.
Mucho drama, altas dosis de romance, acrobacias impresionantes con un sonido cautivador y moderno, una pizca de provocación… “¡Ohlalá!” es todo esto y mucho más! Sumérgete en un mundo mágico marcado por coreografías sorprendentes. Esta buena producción se ha dejado inspirar por la obra de ballet de Tchaikovsky “El lago de los cisnes” y la película “Cisne negro”. ¡Y lo cierto es que fascina a los espectadores porque es un show en el que se ponena prueba la tentación y la sensualidad.

Espectáculo recomendado para mayores de 16 años.

Danza

Elías. Ensayo sobre el olvido”. Teatro de la Puerta Estrecha. Toda la temporada”.
La compañía malagueña SilencioDanza con Nieves Rosales la frente, vuelve a aunar el lenguaje teatral y dancístico con la intención a través de la técnica, la experimentación y la interpretación.

"Un viejo magnetófono, una butaca.
La sombra de un hombre que acude fiel, a su cita con la memoria.
¿y si lo que de verdad importa es el instante?
Un momento puede bastar para llenar una vida.
... Escuche..."

"Elías..." pretende alejarse de todo artificio en pro de una línea limpia, más cercana a lo teatral bien entendido desde la danza para lanzar un mensaje claro y directo conectando con el espectador desde la emoción y la técnica porque entendemos que cualquier cuerpo en acción es una escritura.
... Elías, es el miedo a olvidar lo que necesitamos recordar La música, la literatura, el cuerpo se reúnen en Elías. Ensayo sobre el olvido.


Por todo elenco, un único personaje acompañado del piano, el cello y la guitarra, que ponen en pie el discurso de la memoria trabajado en un solo acto.
Pablo Bujalance, Rafael Porras, César Jimenez, José Rojo junto a Nieves Rosales, acaban de darle forma y vida a este montaje que podría transportarnos a un universo casi de esencia beckettiana.