Danza

Celtic Legends”. Teatro Häagen-Dazs. Del 26 de mayo, al 5 de junio.

El grupo de danza folclor irlandés Legends vuelve a España para presentarse en el teatro Häagen Dazs Calderón de Madrid y realizar, durante el mes de junio, una gira por diversas ciudades españolas.

Ger Hayers, coreógrafo, después de actuar por todo el mundo como solista de Lord of the dance,quiso crear un estilo más esencial, vital y apasionante de baile irlandés y se unió a Celtic Legends.

A partir del 25 de mayo y hasta el 5 de junio, el teatro Häagen Dazs Calderón será marco escénico el del comienzo de una nueva visita a España de Celtic Legends. Madrid, Barcelona, Bilbao, Tolosa, A Coruña y Pamplona, serán las Ciudades que recorrerán hasta el 26 de junio.

Michael Londra, es uno de los principales impulsores de la cultura y artes irlandesas por todo el mundo. Ha sido cantante solista en el Riverdance de Broadway. Este extraordinario tenor ha actuado además en grandes escenarios como el Madison Square Garden y el Radio City Hall de Nueva York o el MGM de Las Vegas.

Ger Hayers, coreógrafo del espectáculo, después de actuar por todo el mundo como solista de Lord of the dance, ha creado piezas tradicionales que combinan perfectamente el ritmo, la danza, con la música en directo de la gran banda de instrumentistas tradicionales.

Así, por el escenario desfilan complicadas coreografías de todo el cuerpo de baile con actuaciones de solistas que convierten cada representación en un mundo ascendente de sensaciones y energía.

Por su parte, Celtic Legends es un espectáculo que se basa en la cultura tradicional irlandesa de música y danza. Hoy es conocido en cualquier rincón del planeta.

Los jóvenes artistas de Galway, Dublín y Belfast conjugan durante 2 horas el claqueteo impetuosos de sus pies con la danza, la rítmica frenética de la música y la melancolía bucólica de las baladas irlandesas. Todos los miembros del cuerpo de baile han aprendido e interpretado desde la infancia estas danzas. Varios de ellos han obtenido numerosos premios en campeonatos internacionales.

Otros han recorrido el mundo en compañías como “Riverdance” y “Lord of the dance”. Tan importante como el cuerpo de baile es la banda musical que interpreta totalmente en directo el espectáculo completo.

La música tradicional irlandesa se caracteriza por el lento movimiento de cambio que tiene a lo largo de la lista de principios aceptados. Se cree que las canciones y melodías son ancestrales y se respetan (aunque en realidad, muchas tienen menos de 200 años).

Sin embargo, es muy difícil o imposible conocer la edad de la mayoría de las melodías debido a su tremenda variación a lo largo de Irlanda y a través de los años. Aunque es posible hacer alguna generalización, por ejemplo, sólo las canciones modernas están escritas en inglés, con pocas excepciones, el resto están escritas en irlandés.

La mayoría de los temas viejos, melodías, y métodos son de origen rural, aunque hay muchas canciones modernas que a menudo vienen de ciudades y pueblos. Las melodías adoptan la forma de danzas tradicionales; entre ellas la más popular el reel.

Comedia

“Soy un miserable”. Teatro Alcázar. Hasta el 11 de junio.

El conocido actor de monólogos Miguel Lago, que saltó a la fama después de haber participado en diferentes entregas del programa de humor de monólogos del canal temático especializado en comedia Paramount Comedy, se sube ahora a un escenario. Pero más allá de una sucesión de chistes más o menos inteligentes y graciosos, el artista entrelaza un discurso bien articulado. Por eso, los jóvenes cómicos le han tomado como uno de sus referentes.

Una suerte de Pedro Reyes, pero en plan elegante y más políticamente correcto…

Teatro

“Camas y mesas”. Teatro Arenal. Hasta el 25 de junio.

El personaje central de esta obra es una escritora que vive en Nueva York y descubre que su antiguo domicilio ha sido escenario de un crimen, por lo que decide regresar a él para investigarlo.

Esta obra, galardonada con el Premio “El Espectáculo Teatral 2010”, trata sobre la comedia del amor y el drama del desamor. Su particularidad reside en que el argumento transcurre entre las camas y las mesas que unen y enfrentan a los protagonistas. En estos lugares, se entremezclan el pasado y el futuro, los sueños y la realidad.

Una obra alegórica, al tiempo que realista y muy bien interpretada. Realmente, merece la pena.

Teatro

“Ni con el pétalo de una rosa”. Teatro Lara. Hasta el 29 de mayo.

Esta obra es un alegato contra los malos tratos. Hay personas que son como animales: golpean a otras de forma sistemática, hasta que las matan. También pueden sólo agredirlas verbalmente, faltarles al respeto, minusvalorarlas…hasta que, por fin, las anulan. Con su desprecio, su falta de amor consiguen que éstas no sean nada…Después de ser una víctima, el estado siguiente es el de animal porque, como dice el director, Juanfra Rodríguez, cuando uno pierde todo el valor como ser humano y cuando se despersonaliza totalmente, acaba por ser un animal.

Entonces, las mujeres que han sido golpeadas de cualquier forma, como en la obra que nos ocupa, no se pueden defender ni salir de su situación porque ya no son personas y no tienen armas.

El título hace referencia a un dicho colombiano en defensa del sexo femenino: “No se les debe pegar ni con el pétalo de una rosa”.

Bonito título e interesante tema, tan de actualidad, desgraciadamente, aún…

Teatro

“Fando y Lis”, Círculo de Bellas Artes. Del 11 al 21 de mayo.

Esta pieza teatral, la primera de la extensa producción de Fernando Arrabal, aborda la cuestión de las relaciones amorosas y la violencia que pueden encerrar, empleando como herramienta el humor surrealista. Una tragedia sobre la incomunicación, sobre el viaje sin destino de una pareja. Un drama escrito en 1955 cuya temática, sin embargo, desprende una absoluta actualidad. Los aspectos terribles de la historia se alternan con una comicidad absurda y con otra cuestión de fondo: la continua lucha del individuo para preservar su identidad, para conocerse y desprenderse de lo que le impide ser.
El argumento es el siguiente: Fando y Lis viajan a Tar. Fando lleva a Lis paralítica. En el carrito, mal atadas, todas sus cosas: un tambor, mantas, trastos inútiles… No están perdidos. Están cansados. Entre ellos hay una relación de amor y afecto fraternal. Pero en Fando concurren unas nubes que de vez en cuando velan su entendimiento y le hacen comportarse con crueldad hacia Lis. Una crueldad que roza el sadismo. Lis se esfuerza por no contradecirle y no provocar esa crueldad. Pero esos accesos son impredecibles…Como impredecible es todo el teatro Arrabalero…

Circo

“Circenses” (Festival de Otoño en Primavera). Teatro Circo Price. Del 11 al 15 de mayo.

Este es un montaje de la compañía belga Circus Rolando, que no solamente es un espectáculo tradicional circense al uso, sino que también presenta el mundo entre bambalinas, dividiendo a los espectadores en dos grupos: uno de ellos ve la producción y el otro grupo, lo que ocurre detrás del escenario. Posteriormente, ambos públicos intercambian posiciones.

Este original montaje realmente merece la pena porque no solamente juegan con estas ideas, sino que también lo hacen desde una profesionalidad innata ya que la compañía lleva más de cien años en pie, desde que fue fundada, allá, por el siglo XIX. Toda una tradición mundial de las más arraigadas en este sector y un lujo poder tenerla en la capital.

Teatro

“The Comedy of Errors” (Festival de Otoño en Primavera). Teatros del Canal. Del 11al 15 de mayo.

La compañía británica Propeller llega al Festival de Otoño en Primavera con ésta y otra obra, “Richard III” (“Ricardo III”), ambas de Shakespeare. La primera es una tragicomedia aleccionadora con una gran moraleja sobre los errores de los humanos y la segunda, la tragedia bien conocida por todos, que supone un sangriento drama reconvertido en un montaje de humor negro, que es la novedad con respecto al texto clásico puro y duro.

Esta compañía, al estilo de lo que se estilaba en el siglo XVI, no permite mujeres actrices. Para conservar las…costumbres.

Teatro

“Mejorcita de lo mío”. Sala Triángulo. Los domingos de mayo y junio.

Esta singular obra supone un recorrido por algunas experiencias personales que inexorablemente dejan marcas –a veces, en forma de heridas- y que tienen relación con el miedo, la rusa, el cuerpo, el desamor, la pena, los amigos…con la vida, en definitiva.

La actriz protagonista, Pilar Gómez, despierta una gran cantidad de emociones en torno a la eterna pregunta de los seres humanos: ¿Quiénes somos? Pero con el humor todo se hace mucho más fácil…

Danza

“Calé”. Teatro Häagen-Dazs Calderón. Hasta el 22 de mayo.

El archi-conocido bailaor Joaquín Cortés repasa los grandes éxitos de su trayectoria en este espectáculo, un recorrido a través de sus emociones y vivencias, durante más de veinte años de carrera, plasmando sus influencias y definiendo su naturaleza artística. El espectáculo incluye, asimismo, todo el bagaje del artista. En él, Cortés recoge la esencia de sus principales trabajos, dejando entrever sus sentimientos a través de la danza.

Por otro lado, y en esta ocasión, el artista trabaja acompañado por 16 músicos y ocho bailarinas, al tiempo que vuelve a apostar por un variado cóctel musical, con la fusión de ritmos e instrumentos, intentando sorprender al público mediante la transgresión de los límites del flamenco, como siempre hace y algo que tanto éxito le proporciona, en cada una de sus puestas en escena. Las escenas, interpretadas por las ocho bailarinas de su compañía, se intercalan con su número en solitario y el momento dedicado a los músicos, a los que también se une para deleitarnos tocando instrumentos de percusión.

Toda una delicia para los sentidos…

Zarzuela

“Luisa Fernanda”. Teatro de la Zarzuela. Hasta el 22 de mayo.

El argumento de esta conocidísima zarzuela circula alrededor de los amores reñidos y desinteresados en un Madrid convulso y un paisaje extremeño con toques idílicos; conflictos amorosos y políticos en el final del reinado de Isabel II.

Música de Federico Moreno Torroba
Libro de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw
Estrenada en el Teatro Calderón de Madrid, el 26 de Marzo de 1932

Edición a cargo de Federico Moreno-Torroba Larregla(Ediciones Iberautor Promociones Culturales SRL, 2003)

Dirección musical: Cristóbal Soler y Óliver Díaz
Dirección de escena: Luis OlmosFigurines y pintura de vestuario: Pedro MorenoDiseño audiovisual: Mariona Omedes
Escenografía: Juan Pedro de Gaspar
Iluminación: Fernando Ayuste

Reparto: Yolanda Auyanet, Carlos Bergasa, Susana Cordón, Lucía Escribano,
Enrique Ferrer, Amelia Font, Ismael Fritschi, Cristina Gallardo-Domâs, Ana Ibarra, Julián Ortega, Amparo Navarro, María Rey-Joly, Xavier Ribera-Vall, Juan Jesús Rodríguez, César San Martín, Alex Vicéns y José Manuel Zapata, entre otros

Orquesta de la Comunidad de Madrid
Titular del Teatro de la Zarzuela

Coro del Teatro de la Zarzuela
Director: Antonio Fauró

Teatro

“El juego de Yalta”. Teatro Guindalera. Hasta el 12 de junio.
Un hombre y una mujer solitarios, al final del verano, en la costa de Yalta, disfrutan de un emocionante flirteo que con el tiempo se convertirá en amor apasionado, y lo hacen dirigiendo al público sus más íntimas percepciones sobre lo que les sucede, mientras le convierten en cómplice de sus juegos. Las atmósferas en la obra son más reales que los incidentes y sus personajes comparten con el público un sentimiento creciente de incertidumbre sobre lo que es real o irreal, sobre lo que experimentaron o simplemente desearon intensamente.
Esta maravillosa obra explora aspectos del amor que penetran en el corazón y tocan el alma por el camino de la imaginación, un amor que se enfrenta a las convenciones, a la rutina, a lo vulgar y mundano.
“El juego de Yalta” está basada en “La señora del perrito”, uno de los últimos cuentos de A. Chejov, escrito cuando su salud era muy mala y sabía que sus días estaban contados. También es un texto de Brian Friel en sus ya cumplidos setenta años, por lo que es un trabajo de dos artistas maduros cuya fragilidad humana es innegable. Quizá, por eso, los personajes de esta obra transmiten esa sensación, personajes frágiles y fugaces que buscan dejar en el otro una huella perenne.

Brian Friel, autor irlandés nacido en 1929, es uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes de la escena mundial. Preocupado por la innovación del teatro de texto, explora constantemente sobre el fondo y la forma, pero evitando caer en los tópicos de lo “experimental”. Sin abandonar nunca el rol central de contador de historias, los recursos estilísticos de sus obras le han llevado en ocasiones a encontrar nuevas formas de expresión del personaje, que a menudo demanda una vida fuera del escenario. Su método puede cambiar en cada obra, pero el punto de partida siempre está enraizado en una realidad naturalista. Sus obras están sólidamente basadas en la evidencia del texto y en el poder de las imágenes.

Es autor de un sinfín de éxitos en todo el mundo, como “Filadelfia”, “Here I come”, “Lovers, además de las tres obras que esta sala ha estrenado de él: la que nos ocula, “Molly Sweenwey y “Bailando en Lughnasa”.

Teatro

“Delicadas”. Teatro Español. Hasta el 15 de mayo.

“Me obsesiona la historia corta, el sketch, o mejor dicho, los sketches. La estructura que forman las pequeñas historias. La galaxia que crean las formas inconexas. La unidad que se logra a través de lo que en apariencia no tiene unidad. T de Teatre fue una influencia muy importante para mí.”. Así, se expresa David Sanzol, autor de esta original obra acerca de las mujeres de otra época, de su lucha por sobrevivir. “ Hombres”, también puesta hace tiempo en escena por la misma compañía con gran éxito, fue un espectáculo que le abrió al autor-director  la posibilidad de un camino y ahora, cierra el círculo con esta obra.

“Recuerdo que una mañana me levanté muy temprano. Tenía siete años y estaba en Quintanavides, el pueblo de mi abuela. Bajé a la cocina y mi tía Guada se estaba lavando. Con una toallita iba mojando cada parte de su cuerpo. Como yo era un niño ella siguió a lo suyo. Su mano, bajo el camisón blanco, no paraba de moverse. Después del agua, se dio una friega con alcohol de 96º, y luego se untó de arriba abajo con Nivea. Después, me dio de desayunar, y me dijo: Tú te duchas demasiado. Una niebla espesa luchaba contra el sol. Cogió un cubo, lo llenó de agua, y salió al jardín a regar los rosales. Desde la ventana ví como acariciaba una rosa. Me puse celoso”, añade Sanzol.

Esta pieza está dedicada a la abuela del autor y a sus hermanas. Es una manera de devolverles su cariño. Una manera de hablar con ellas, de divertirse con ellas, de intentar comprender aquello que sabemos que nunca entenderemos. Pero estos personajes no son ni su abuela ni sus hermanas. Y los hombres que están con ellas no son sus hermanos, ni sus maridos. En este sentido, “Delicadas” es una ensoñación que necesitaba fabricar para poder hablar con ellas, para inventar lo que nunca le pudieron contar.

Al fin y al cabo, todos necesitamos comunicar aquello que llevamos dentro y que, en ocasiones, por cualquier motivo, no pudimos o supimos poner en común.

Un texto emotivo y entrañable; unas interpretaciones sobresalientes; una dirección certera y una puesta en escena más que notable.

Teatro

Oleanna”. Teatro Español. Hasta el 12 de junio.

El Teatro Español presenta una nueva producción para la Sala Pequeña: “Oleanna”, de David Mamet (“El cartero siempre llama dos veces”, “American Buffalo”, “Vania en la calle 42”), dirigida por Manuel de Benito y protagonizada por Jose Coronado e Irene Escolar. La obra fue escrita en 1990 y fue estrenada, con dirección del propio Mamet, en 1992, entre una gran controversia. “Es una obra para dos personajes cuyo tema, a primera vista, parece centrarse en la lucha de poder entre un profesor universitario, a punto de alcanzar la cumbre de su carrera, y una de sus alumnas. La obra, sin embargo, aborda de manera sutil, como en tantas otras obras de Mamet, otras cuestiones quizá no tan evidentes pero que tienen especial relevancia para su autor. Entre ellas, por ejemplo, el acceso universal a la educación universitaria, el lenguaje políticamente correcto, las políticas de género existentes en las instituciones públicas, etc”. Con estas palabras, Juan Vicente Martínez, adaptador del texto, nos propone este viaje por una obra rabiosamente actual, de la que nos advierte: “Como espectadores de Oleanna, nunca podremos estar seguros de las verdaderas intenciones de los personajes, de la veracidad de sus gestos o afirmaciones, ya que Mamet, en su condición de gran autor dramático, dejará en nuestras manos y en última instancia, la decisión final”.

Manuel de Benito ha bebido directamente de las fuentes de Mamet, y son las inquietantes declaraciones del autor las que sustentan la puesta en escena de este montaje. “En la obra hay dos personajes. Hay un hombre y una mujer, y los dos defienden puntos de vista muy sólidos, en los que creo por igual… Muchos creían que el hombre tenía razón y la mujer estaba equivocada y que yo lo había presentado así tendenciosamente, y muchos creían justo lo contrario”, afirmó el dramaturgo. “Mi función consiste en mostrar las interacciones humanas de tal manera que la síntesis que asimile el público promueva una actitud más humana, una mayor comprensión de las motivaciones humanas”. Y añade: “Dicen que mi obra es ‘poco clara’, pero creo que en realidad quieren decir ‘provocadora’. Eso, en lugar de dejar al público encantado de la vida por la moraljea donde todo cuadra de la obra, los perturba”.

Jose Coronado e Irene Escolar se mueven en este cara a cara interpretativo en la Sala Pequeña del Teatro Español, un espacio íntimo por la escasa distancia entre actores y público, situado, en este caso, en sendas gradas a cada lado del escenario, que reproduce un despacho de un profesor universitario de una universidad cualquiera.

En definitiva, una original historia sobre la amistad…y algo más…