Electra en versión moderna

La directora argentina  de teatro Fernanda Orazi adapta el drama clásico Electra desde una mirada moderna (Teatro de La Abadía - Sala José Luis Alonso. Martes a domingos. 27 dic a 7 ene).

La directora escénica Fernanda Orazi presenta una adaptación moderna del drama clásico Electra, en el Teatro de La Abadía. Se trata del drama clásico de Sófocles desde una mirada absolutamente contemporánea.

La obra está interpretada por los solventes actores Carmen Angulo, Javier Ballesteros, Leticia Etala y Juan Paños, quienes se plantean preguntas sobre cómo se aborda y se representa en la actualidad una narración que involucra dioses, oráculos, ofrendas y el destino. Mediante su historia se invita a reflexionar sobre el poder del teatro para abordar temas complejos y difíciles gracias a su capacidad para explorar situaciones que en la "vida real" serían consideradas imposibles o inaceptables.

Todo ello, sin perder de vista la tragedia de Electra, hija de Agamenón, quien antes de partir hacia Troya, sacrifica a su hija menor, Ifigenia, a Artemisa con el fin de contar con su protección en la guerra. Después de diez años de conflicto y una vez caída Troya, Agamenón vuelve a Micenas con su concubina Casandra como botín de guerra. Allí, su mujer Clitemnestra y su amante Egisto lo asesinan para vengar la muerte de Ifigenia.

Veinte años más tarde, Orestes, el hermano de Electra, regresa a su patria para vengar a su padre. Pero antes, visita la tumba de Agamenón y es ahí, donde coincide con su hermana Electra y juntos diseñan un plan para matar a su madre.

Nacida en Buenos Aires, pero asentada en Madrid, Fernanda Orazi es una actriz, dramaturga y directora egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático de la capital argentina. Entre los montajes en los que ha intervenido destacan Monstruos de Marina Wainer, Así que pasen cinco años de Pablo Messiez o La Realidad de Denise Despeyroux. En su país es una auténtica personalidad de las Artes Escénicas...

La podemos ver, hasta el próximo 7 de enero, en el Teatro de La Abadía.

Van Gogh en las tablas

Forever Van Gogh es un espectáculo teatral envolvente que refleja la vida del pintor expresionista holandés Vincent Van Gogh, a través de sus cuadros con una banda sonora diseñada por el marketinero violinista Ara Malikian. La podemos ver en el Teatro Marquina.

El madrileño Teatro Marquina ofrece un espectáculo teatral envolvente que refleja la vida de Vincent Van Gogh a través de sus cuadros, Forever Van Gogh. Es un montaje donde el arte, la música, el teatro y las nuevas tecnologías se fusionan para ofrecer al público una experiencia única, contando con una banda sonora diseñada por el violinista Ara Malikian y coreografías del inigualable coreógrafo Chevi Muraday.

Y es que nos encontramos frente a un espectáculo teatral que refleja vida y obra del reconocido pintor, a través de sus cuadros, todo un viaje sensorial a la locura del genio.

El teatro cobrará vida convirtiéndose en un lienzo gracias al uso de la Inteligencia Artificial, que permite a los asistentes formar parte de los cuadros más icónicos del artista. Se presenta una historia real de una vida llena de frustraciones gracias a un legado compuesto por más de 700 cartas que se enviaron entre Vincent y su hermano Theo.

La obra se centra en los últimos diez años del artista y, paralelamente, relata la historia de la reciente aparición y venta de su cuadro Campesina frente a una choza. Un montaje que provoca la emoción del público que quedará fascinado por la historia real de una vida llena de sueños. El uso de la tecnología permite que, durante la obra, los cuadros del autor se posicionen como protagonistas. 

Este proyecto que invita a descubrir los diferentes momentos de la vida de artista, a través de sus distintas etapas creativas, cuenta con un elenco formado por trece actores y el uso proyecciones audiovisuales producidas con los recursos tecnológicos más avanzados en las artes escénicas. Su director es el reconocido director escénico Ignasi Vidal.

La podemos ver, toda la nueva temporada, en el Teatro Marquina.

El Siglo de Oro en todo su esplendor

La vida es juego es un montaje con loas y entremeses del Siglo de Oro y una visión moderna bajo la dirección de Juan Berzal. Lo podemos ver en el Teatro de la Comedia.

La compañía Ultramarinos de Lucas representa la función La vida es juego, que busca cautivar al público joven mediante loas y entremeses del Siglo de Oro español, interpretadas con una perspectiva contemporánea.

Los actores Juan Berzal, Marta Hurtado, Juan Monedero, Gemma Viguera y Jorge Padín dan vida a breves piezas cómicas en las que se aborda el tema de la infancia y la vejez. Estos dos aspectos se entrelazan, se encuentran, se reconocen y se muestran de un modo afectivo y humorístico. Y es que tanto la infancia como la vejez comparten una delicada belleza, una sensibilidad intensificada y una forma particular de experimentar el mundo a través de los sentidos. Todo ello mediante versiones de obras de Miguel de Cervantes, Lope de Rueda o Calderón de la Barca.

Ultramarinos de Lucas es una compañía teatral nacida en Guadalajara, en 1994, con una docena de montajes y que ha sido galardonada con el Premio FETEN al Mejor espectáculo 2022, la Medalla al Mérito Cultural de Castilla-La Mancha 2021 y el Premio Nacional ASSITEJ España 2020.

La podemos ver del 22 de diciembre, al 7 de enero.

Contra la hipocresía social

El prestigioso director escénico Eduardo Vasco (Peribáñez y el Comendador de Ocaña, La ruta de Don Quijote o Espejo de víctima) versiona la clásica comedia Las locuras por el veraneo, de Carlo Goldoni. Una obra sobre la naturaleza humana y las relaciones entre personas de diferentes clases, que se puede ver en Naves del Español -Matadero Madrid.

Escrita en 1756 y considerada como una de las piezas más famosas de Goldoni, la trama de la comedia Las locuras por el veraneo gira en torno a un grupo de personajes que buscan disfrutar de unas vacaciones de verano en el campo. El elenco incluye a personas de diversos orígenes sociales y personalidades, lo que da lugar a enredos cómicos.

De tal modo, se presenta cómo Leonardo y su hermana están arruinados, pero esto no hace que deseen quedarse sin vacaciones y, sobre todo, teniendo en cuenta que la familia de su vecino Filippo y su bella hija Giacinta lo tienen todo a punto para partir hacia un verano de ensueño: viajar hasta una villa en la Toscana.

Los protagonistas se enfrentan a obstáculos y dificultades mientras intentan lograr su objetivo de pasar un tiempo de descanso y recreación. A medida que se desarrolla la historia surgen malentendidos, equívocos y confusiones, lo que lleva a una serie de situaciones divertidas y caóticas.

El montaje se basa en las tensiones entre la vida en la ciudad y la vida en el campo, así como en las diferencias culturales y las expectativas de los personajes. Con todo ello, Goldoni utiliza el humor y la ironía para explorar temas como la vanidad, la hipocresía y la búsqueda de los placeres mundanos.

Todo un canto contra la vida vacua y falsa...

La podemos ver en Naves del Español-Matadero Madrid, hasta el 28 de enero.

La obra del “parece”

El dramaturgo argentino Pablo Messiez es el autor y director de Los gestos, una obra que intenta volver al gesto y entender algo más sobre la especificidad del teatro. Una reflexión de un gran teatrero...Y una reflexión sobre sí mismo. ¿Dónde..? En el Teatro Valle-Inclán .

Los gestos es una obra, escrita y dirigida por Pablo Messiez, ganador del Premio Max al Mejor Espectáculo en 2022 por La voluntad de creer, obra con la que dinamitó la frontera entre ficción y realidad, entre el teatro y la vida. En su búsqueda por entender algo más acerca de la especificidad del teatro, crea esta nueva obra en un intento por lograr entender también algo más sobre la vida. La obra está interpretada por Elena Córdoba, Manuel Egozkue, Fernada Orazi, Emilio Tomé y Nacho Sánchez.

Esta nueva obra, este nuevo intento por entender el teatro y la vida, versa sobre de gestos. De los gestos que hacemos y de los que nos pasan. Pablo Messiez pone el foco en los gestos y con ello pone también el foco en aquello que no se puede escribir. En lo que el teatro tiene de extra-literario. En lo que adquiere sentido en la encarnación, en la presencia. En las cosas que hace el cuerpo como resultado de un ponerse en relación, según el propio autor.

Argumento: Topacia, la protagonista, (parece que)ha heredado una sala circular en la que quiere abrir un bar. Bueno, en realidad quiere volver a actuar, pero es más fácil llevar gente a un bar que a un teatro. Así que abrirá el bar y meterá un escenario dentro. ¿ Y por qué la publicidad de la obra dice que parece que ha heredado un bar..? ¿O es algo que parece, pero que, en realidad, no es..? ¿O es una boutade del director..? Como aún, no he visto la obra, pues no se lo puedo asegurar...Bueno, parece que SI ha heredado el bar...

Proseguimos con el argumento: Parece (de nuevo, “Parece”) que Sergio la ayuda a montar un homenaje a la cantante italiana Mina. Le dirige los gestos. Parece (otra vez) que es su novio, pero no lo tienen claro. Parece que aparece de repente un hombre con ojos de un terror antiguo. Parece que esta llegada genera cierta inquietud.

Parece también que hay un pianista joven y una bailarina vieja. Parece que vienen de otro tiempo y parece que este tiempo va a saltos, parpadeando. Parece que algo pasa con los gestos. Como si también fueran a saltos. - ¿Parpadean?- Se han movido de sitio, parece…, Ya nadie sabe si hace lo que hace porque quiere o solamente repite lo que alguien ya ha hecho antes.

Todo parece o se nos vende que parece...

Parece que el director y su departamento de Marketing nos quieren vender la obra...La verdad es que SI nos la quieren vender de una forma muy intelectual porque Messiez siempre es muy intelectual o lo parece... Parece interesante, pero, mejor ir a verla...por si acaso parece, pero no es...

La podemos ver, hasta el 14 de enero, en el Teatro Valle-Inclán.

La verdad de las máscaras

La compañía Kulunka Teatro vuelve a apostar por el lenguaje silente de las máscaras en el espectáculo Forever, que combina ternura y crudeza. Lo podemos ver en el conocido y mítico teatro público Teatro María Guerrero.

El tema del montaje de máscaras Forever es :¿Hasta dónde puede arrastrar la incomunicación a una familia? Esta es la pregunta que plantean los creadores de esta historia familiar que alterna el humor con el drama.

En un escenario giratorio que funciona como metáfora de “las vueltas que da la vida” y utilizando un lenguaje muy cinematográfico, desarrollado a partir de contextos reconocibles para el espectador, los actores de Kulunka con sus máscaras y sin utilizar palabras, nos cuentan la historia una familia que cada vez se va alejando más de lo que soñó que sería.

Reflejando con humor e ironía las contradicciones del amor, Forever pone el foco en temas como la maternidad, la educación, la sexualidad o la violencia. La noria de la vida gira y gira y forma una espiral que va ahondando en el dolor de sus protagonistas.

La obra muestra cómo se puede llegar a una situación límite en la convivencia y ayuda a entenderlo, de manera que no sea fácil para el espectador posicionarse ante ella. Busca la empatía con los personajes para evitar juzgarlos y comprender por qué se equivocan.

Con un lenguaje sencillo, la pieza teatral muestra una situación en toda su complejidad. Y, ya de paso por el camino, hace que nos riamos de nuestras miserias y que nos compadezcamos de nuestros dramas. Porque lo perturbador y lo realmente emocionante es que, tal vez, la historia de esta familia podría ser la de la nuestra.

Forever es una coproducción de la compañía Kulunka con el Centro Dramático Nacional, el Teatro Arriaga de Bilbao y el Teatro Victoria Eugenia de Donostia. ¡Ahí, es nada..!

Lo podemos ver, hasta el próximo día 30 del mes, en el Teatro María Guerrero.

Revisitando al bufón de Verdi

Siempre es buena ocasión para revisitar los clásicos, como el caso de la conocida ópera Rigoletto, de Verdi. Así, el prestigioso director teatral Miguel del Arco, conocido por montajes como Jauría, En el aire o Ricardo III, la dirige con maestría y desvergüenza, lo que le está valiendo numerosas buenas críticas.

Estrenada en el teatro de la Fenice de Venecia (Italia), la trama de la ópera Rigoletto, de Verdi, está basada en la obra teatral Le Roi s'amuse de Víctor Hugo y ahora regresa bajo una coproducción del Teatro Real con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Su historia se sitúa en el siglo XVI, donde Rigoletto es un bufón jorobado que trabaja en la corte del despiadado duque de Mantua. Es conocido por su ingenio y su actitud sarcástica, pero guarda un oscuro secreto: tiene una hija llamada Gilda, a la cual mantiene oculta y protegida del mundo exterior. Por su parte, el duque de Mantua es un hombre libidinoso cuya afición es seducir a las mujeres de la corte.

Rigoletto se convierte en el blanco de los cortesanos, quienes desean vengarse de él por sus chistes mordaces. Por ello, deciden secuestrar a Gilda creyendo que es su amante y entregársela al duque. Sin embargo, el duque de Mantua y Gilda se enamoran. Rigoletto descubre la traición y planea acabar con el duque contratando a Sparafucile, un asesino a sueldo.

Esta ópera ha sido aclamada como una de las obras maestras de Giuseppe Verdi, ya que alberga algunas de las arias más famosas de la ópera, como La donna è mobile, interpretada por el duque de Mantua, o Bella figlia dell'amore, en la cual varios personajes expresan sus sentimientos de amor y deseo.

En definitiva, estamos frente a una ocasión única de revisitar esta gran producción de una de las piezas del bel canto mundiales más conocidas y queridas por todos los públicos amantes del bel canto.

La podemos ver, hasta el próximo 2 de enero, en el Teatro Real.