Drama sobre la no responsabilidad

 

Antonio de la Torre, Premio Goya 2019 a la Mejor interpretación Masculina protagonista por El reino, regresa a las tablas escénicas tras una década, desde Grooming en 2012, de la mano de un drama que reflexiona sobre la evasión de las responsabilidades: Un hombre de paso.

En el drama Un hombre de paso, el actor Antonio de la Torre (El autor, Caníbal) está acompañado por María Morales y Juan Carlos Villanueva, todos ellos dirigidos por Manuel Martín Cuenca. El libreto ha sido escrito por Felipe Vega y sitúa al público en el bar del hotel Roma de Turín (Italia) en 1984. Allí, la periodista Anna se ha citado con Primo Levi, un escritor judío de reconocimiento mundial, químico de profesión y superviviente del campo de exterminio de Auschwitz, y Maurice Rossel, un antiguo miembro de la Cruz Roja Internacional durante la Segunda Guerra Mundial.

Levi ha ido como observador de la entrevista que Anna va a realizarle a Rossel. Y es que este hombre de nacionalidad suiza pudo visitar los campos de concentración nazis y hablar con los oficiales al mando e incluso con algunos prisioneros antes de emitir un polémico informe al respecto. Poco a poco, la conversación se vuelve cada vez más tensa, ya que las preguntas de Anna van arrinconando a Rossel hasta el punto de empujarle a decir la verdad y a asumir las consecuencias de sus contradicciones.

Para finalizar la función, Levi ofrece un epílogo profundizando en las bases de la decencia ética y los fatales resultados que se producen cuando las personas buenas miran para otro lado ante actividades inmorales.

La podemos ver en el madrileño Naves del Español, del 3, al 20 de febrero.

 

Danza vinculada a los ancestros

El bailarín Pau Aran representa la danza Un cadavre Exquis II. Se trata de un solo de danza moderna basado en el encuentro y el vínculo con los ancestros.

Escrita y dirigida por José Troncoso (Manolita Chen. Un cuento chino, La cresta de la ola o Con lo bien que estábamos), con la pieza de danza Un cadavre Exquis II  Pau busca explorar la necesidad de reconocer los lugares, los seres y las experiencias con las que se interactúan día a día y que sirven para hallar y adentrarse en el origen de la esencia personal, la identidad interior.

Nacido en Cerdanyola del Vallès (Barcelona) en 1981, Pau Aran es un coreógrafo y profesor interdependiente que se mueve entre Berlín (Alemania) y Madrid. Comenzó con los bailes de salón y el jazz para después graduarse en el Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de Madrid. Tras ser invitado a asistir a la Universidad de las Artes Folkwang de Essen (Alemania), fue reclutado por la compañía Tanztheater Wuppertal, bajo la dirección de Pina Bausch.

Por otro lado, y en 2013, emprendió una carrera en solitario participando en proyectos colectivos multidisciplinarios y en talleres creativos hasta que en 2020 fundó su propio conjunto, estrenando ese mismo año su primer montaje, Lettre d'Amour, en el Festival Grec de Barcelona.

Lo podemos ver en el madrileño centro cultural Naves del Español, hasta el 30 de enero.

 

Una reflexión sobre la obra de Plauto

El conocido actor Rafael Álvarez, alias el Brujo, presenta un espectáculo cómico-poético donde realiza una reflexión libre acerca de Anfitrión de Plauto. La obra se titula Los dioses y Dios.

En el montaje teatral Los dioses y Dios, Rafael Alvarez, El Brujo relata la historia que el autor latino clásico Anfitrión inmortalizó en su obra, donde se presenta cómo el protagonista (Anfitrión) quiere quemar a su esposa, Alcmena, seducida por el dios Júpiter. Este aprovecha que Anfitrión estaba al frente de las tropas tebanas en su campaña contra los teléboas para tomar su forma humana y acostarse con Alcmena, quien piensa que lo estaba haciendo con su esposo.

A través de esta narración, El Brujo delibera sobre la esencia de los dioses, el sentido de la existencia y la concepción divina que cada uno le otorga a las cosas. Aunque el artista no se queda aquí y, recordando algunos de sus otros montajes como Dos tablas y una pasión o Lazarillo de Tormes, va hablando de temas más mundanos como los celos, el amor, la naturaleza o la sabiduría.

Nacido en Lucena (Córdoba) en 1950, Rafael Álvarez es un actor y dramaturgo muy conocido por sus múltiples apariciones teatrales y cinematográficas y por ser el fundador, en 1988, junto con José Luis Alonso de Santos, Gerardo Malla y Jesús Cimarro, de la productora de teatro Pentación.

En el cine se la ha visto en Lázaro de Tormes de Fernando Fernán Gómez, La taberna fantástica o El Crack de José Luis Garci. En el teatro destacan El asno de oro, La Odisea, El avaro o Teresa o el sol por dentro. En 2002, el Ministerio de Cultura le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Por otra parte, es un declarado yogui y, en 2018, llevó al teatro la pieza Autobiografía de un yogui, basada en la vida de Paramahansa Yogananda.

La podemos ver en el madrileño Teatro Bellas Artes, hasta el 26 de febrero.

La muerte, la soledad y la enfermedad

La compañía La Extinta Poética presenta un espectáculo de danza-teatro que reflexiona sobre la muerte, la soledad y la enfermedad: Convertirse mi luto en danza.

Convertirse mi luto en danza está escrita por Eusebio Calonge (fundador del mítico grupo teatral La Zaranda) y dirigida por Paco el de la Zaranda. Su historia se basa en María Pisador, una enferma de cáncer terminal que fue llevada en ambulancia desde el hospital de Pamplona, al Teatro Principal de San Sebastián para cumplir su deseo de ver a La Zaranda. Pocos días después, María falleció.

Pasado un tiempo, su madre Elena publicó unos poemas suyos a título póstumo y les envió el libro a Paco el de la Zaranda y Eusebio Calonge junto con una carta donde les contaba aquella experiencia final de su hija.

La función no narra el relato de María Pisador, pero sí que se inspira en su sufrimiento y, al mismo tiempo, en su ansia de vivir y disfrutar de la cultura y el teatro. Así, representada por Laura Gómez-Lacueva, Ingrid Magrinyà e Inma Nieto, la pieza busca ser un homenaje poético a todas esas personas que luchan por seguir adelante y celebran la esperanza cada día. Además, también repercute en ese sentido del ser artista, ese afán de servir de trasmisor entre la soledad de un ser humano y el infinito.

La Extinta Poética es una formación fundada en 2020, tras el montaje del mismo nombre que reunió a intérpretes de distintas disciplinas, al director Paco el de la Zaranda y al dramaturgo Eusebio Calonge con la compañía Nueve de Nueve. Su objetivo es profundizar en el lenguaje escénico, a través de diversos estilos como la danza, la poesía o el teatro.

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, hasta el próximo día 30.

La conciencia social europea

Rafael Spregelburd y Andrea Garrote presentan Pundonor, un intenso monólogo sobre las bases de la conciencia social en Europa.

Pundonor ha sido escrito por la propia Andrea Garrote y ella misma lo interpreta dando vida a Claudia Pérez Espinosa, una profesora universitaria, doctora en Sociología, que vuelve a las aulas, tras tomarse unos meses de excedencia. Y es que se tuvo que ausentar después de que en el cuatrimestre pasado se viera sumida en un turbio asunto que la expuso a un escarnio público.

Ahora, la profesora regresa con una clase donde debe introducir el pensamiento de Michel Foucault, pero que interrumpe constantemente debido a su frágil situación. Así, en cada sesión describe una deliberación acerca de la nueva normalidad que ha traído la pandemia de la covid-19. Una disertación auspiciada desde la perspectiva satírica de la profesora y apoyada en la teoría de Foucault, incidiendo en cuestiones como los mecanismos de poder, los nuevos modos de contacto, las relaciones sociales, el control de la ciudadanía…

Andrea Garrote es una actriz, dramaturga y directora argentina que, en 1994, fundó la compañía El Patrón Vázquez, junto con Rafael Spregelburd. Ha dirigido piezas de éxito, como La Dama o el Tigre, en los días humillantes, Siempre tenemos retorno o Niños del limbo. Por su parte, Pundonor es su última producción, la cual venció el Premio Teatro XXI (GETEA) a la Mejor obra dramática y la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires en 2018, además de obtener una nominación a la Mejor obra extranjera en los Premios Florencio Sánchez 2019 de Uruguay.

La podemos ver en el madrileño Teatro La Abadía, hasta el 30 de enero.

 

Puesta en escena del sadomasoquismo

La inigualable dramaturga, directora y actriz Angélica Liddell (El jardín de las mandrágoras, Frankenstein) adapta al formato teatral el libro del filósofo francés Gilles Deleuze, Presentación, de Sacher-Masoch. Lo frío y lo cruel. Una obra que reflexiona sobre el sadomasoquismo, la muerte y la familia.

La performance (o similar) Presentación, de Sacher-Masoch. Lo frío y lo cruel, de la incalificable dramaturga y actriz Angélica Lidell comienza con la triste noticia de la incineración del padre y la madre de la protagonista, en un breve lapso de tres meses. Esta ha decidido conservar las cenizas de sus progenitores para seguir recordándoles y poder tenerles cerca aun a pesar de su fallecimiento.

A través de ello, con ironía y mucha mordacidad, la artista examina las nociones freudianas del yo, la pulsión sobre la muerte, la agresividad humana y el concepto del super-yo, mostrando cómo la noción de este último disipa su papel preponderante en hipotéticas situaciones complejas.

Angélica González, más conocida como Angélica Liddell, es una dramaturga y actriz que ha recibido numerosos galardones, entre los que destacan el Premio Nacional de Literatura Dramática 2012, el León de Plata de la Bienal de Teatro de Venecia 2012 y el Premio Leteo 2016. Entre sus producciones sobresalen algunas muy comentadas, como El Decameron o El orgullo de la nada.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, hasta el próximo día 30 del presente.

Un nuevo y enorme Wagner en el Real

Bajo la dirección musical de Pablo Heras-Casado y con Robert Carsen y Patrick Kinmonth como directores de escena se presenta la culminación de la clásica tetralogía de Richard Wagner: El anillo del nibelungo. Con la participación de la Orquesta Titulares del Teatro Real El ocaso de los dioses se presenta como una grandiosa apertura de la temporada operística invernal de Madrid.

La ópera El ocaso de los dioses, de Richard Wagner, fue estrenada en el festival Festspielhaus de Bayreuth (Alemania) el 17 de agosto de 1876 y se pudo ver por primera vez en el Teatro Real el 7 de marzo de 1909. Su título original, Götterdämmerung, es la traducción al alemán de la expresión nórdica ragnarök, el destino de los dioses.

Compuesta por un prólogo y tres actos, la obra cuenta con un gran elenco wagneriano con Andreas Schager, Stephen Milling, Lauri Vasar y Martin Winkler. Su historia continúa la trama del anillo maldito hecho con oro robado al Rin por el enano Alberich.

El argumento cuenta cómo, después de haber rescatado a Brünnhilde de la prisión de fuego de Wotan, Siegfried le hace entrega del anillo del nibelungo como prueba de su amor. Tras ello parte para realizar más actos nobles, al tiempo que Wotan ya ha decidido que los días del Valhalla están llegando a su fin.

Mientras, Hagen, hijo de Alberich el nibelungo, planea que su medio-hermano Gunther se case con Brünnhilde y su medio-hermana Gutrune con Siegfried. Gutrune da a beber a Siegfried una poción que le hace olvidar a Brünnhilde. Por ello, este le roba el anillo y, totalmente consternada, Brünnhilde revela a Hagen la única debilidad de Siegfried, brindándole la posibilidad de matarlo y hacerse con el mágico tesoro.

Ficha artística:

§ Dirección musical - Pablo Heras-Casado

§ Concepción - Robert Carsen y Patrick Kinmonth

§ Dirección de escena - Robert Carsen y Patrick Kinmonth

§ Escenografía y figurines - Patrick Kinmonth

§ Iluminación - Manfred Voss

§ Dirección del coro - Andrés Máspero

§ Orquesta - Orquesta Sinfónica de Madrid

§ Coro - Coro Intermezzo

Reparto:

§ Siegfried - Andreas Schager (26, 30 ene y 7, 11, 15, 19, 23, 27 feb) y Vincent Wolfsteiner (3 feb)

§ Gunther - Lauri Vasar

§ Alberich - Martin Winkler

§ Hagen - Stephen Milling

§ Brünnhilde - Ricarda Merbeth

§ Gutrune - Amanda Majeski

§ Waltraute - Michaela Schuster

§ Las Tres Nornas - Claudia Huckle, Kai Rüütel y Amanda Majeski

§ Woglinde - Elizabeth Bailey

§ Wellgunde - Maria Miró

§ Flosshilde - Claudia Huckle