Una de las óperas checas más reputadas

El director operístico francés Laurent Pelly presenta “La novia vendida” una de las óperas más emblemáticas del repertorio checo de la ópera. Una historia de enredos amorosos y tradiciones rurales.

El prestigioso director operístico galo Laurent Pelly (“Viva la mamma”, “Falstaff” o “l turco in Italia”) presenta, en nuestro Teatro Real, la ópera checa “La novia vendida”. Se trata de una de las obras líricas más emblemáticas del repertorio operístico de la República Checa. Una versión fresca y humorística de esta historia de enredos amorosos y tradiciones rurales.

Ambientada en una aldea checa, la trama sigue a Mařenka, una joven campesina enamorada de Jeník. Sin embargo, sus padres han acordado casarla con Vašek, el hijo tartamudo y algo ingenuo de un rico terrateniente, siguiendo las costumbres del lugar. Para evitar este matrimonio forzado, Jeník idea un plan: finge aceptar vender su derecho a casarse con Mařenka por 300 florines, estipulando que ella solo podrá casarse con un hijo de Mícha, el terrateniente.

Dado que Jeník es, en realidad, hijo de Mícha de un matrimonio anterior, su estratagema asegura que él mismo será el esposo legítimo de Mařenka. Aunque inicialmente ella se siente traicionada, la verdad sale a la luz y el amor triunfa sobre las convenciones sociales.

El montaje es una celebración de la música folclórica checa y una sátira de las prácticas matrimoniales de la época. Esta nueva producción es una colaboración entre la Opéra National de Lyon, la Oper Köln y el Théâtre Royal de La Monnaie de Bruselas. Laurent Pelly, reconocido por su habilidad para combinar humor y crítica social, dirige esta versión que cuenta con la regiduría musical de Gustavo Gimeno, quien asumirá el cargo de director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025.

La podremos ver, hasta el próximo día 30 del presente, en el Teatro Real, de Madrid.

https://www.youtube.com/watch?v=YRuL-RnCwfE

 

¡La soledad, ay, la soledad!

El director Iván López-Ortega presenta “Tormenta”, una versión de la obra del dramaturgo sueco August Strindberg (“El padre”, “La señorita Julia”, “El sueño”, “El pelícano”) sobre la soledad y el arrepentimiento. Desde mañana, en el Teatro Español.

El director Iván López-Ortega adapta “Tormenta”, la obra del inigualable y muy reconocido dramaturgo sueco August Strindberg (“La señorita Julia”, “El padre”), entre muchas otras obras sobresalientes), donde se profundiza en temas como la soledad, la memoria y el arrepentimiento.

En un silencioso apartamento que da a un patio interior, un anciano ex-magistrado vive apartado del mundo, refugiado en una rutina tan rígida como su carácter. La calma se rompe cuando recibe la inesperada visita de su hermana, portadora de noticias sobre figuras clave de su pasado: su ex-esposa, su hija y un joven músico que ha irrumpido en sus vidas.

A través de un diálogo íntimo y cargado de tensión, salen a la luz viejas heridas, reproches y afectos no resueltos. El anciano se ve obligado a enfrentarse a su soledad, a la fragilidad de los lazos familiares y a la inevitabilidad del tiempo que pasa.

En este espacio cerrado la “tormenta” no se libra en el cielo, sino en el interior de los personajes: un estallido de emociones, recuerdos y confesiones que arrastra a todos hacia un terreno incierto, entre la amargura y la posibilidad de redención.

¡Absolutamente, imprescindible!

La podremos ver, del 16 de este mes, al 3 de mayo, en el Teatro Español.

Arremetiendo contra la trata de mujeres

Concha Delgado y Sandra Ferrús dirigen “Utopía en llamas”, un drama-denuncia poético-social sobre la trata de mujeres. Ya, en el Teatro Mª Guerrero. 

Las directoras escénicas Concha Delgado y Sandra Ferrús dirigen “Utopía en llamas”, un “dramón” escrito por Alda Lozano (“Post-Stella”) que denuncia, con un estilo poético y minimalista la trata de mujeres con fines de explotación sexual.

España es el tercer país del mundo con mayor demanda de sexo de pago y lidera el ránking europeo. A ello se suma que el 80 por ciento de las mujeres y niñas que se prostituyen son víctimas de trata, una manera contemporánea de esclavitud que vulnera los derechos fundamentales. Aun así, entre el 20 por ciento y el 40 por ciento de los hombres españoles han pagado alguna vez por sexo.

La obra mezcla la crónica, la fotografía y la literatura para contar una dura verdad: ese espejo oscuro de una sociedad que consume sin mirar la tragedia. Con ello se construye una fábula de terror en el que la realidad se desdibuja y la falacia se instala como norma. Desde su título, el proyecto invita a pensar en el contraste entre el sueño de libertad y el infierno de la esclavitud moderna. El montaje lanza una pregunta incómoda: ¿qué papel juega el azar (el lugar donde nacemos, el color de nuestra piel, el género o el acento) en el destino de cada vida?

De tal modo se señala la complicidad estructural que sostiene este sistema. Mientras el estigma y la mirada recaen sobre las mujeres, la pieza apunta hacia quienes lo normalizan: clientes, instituciones y una sociedad indiferente.

De estilo minimalista con una interpretación “heavy” y una dirección dura, donde casi todos los personajes son puteros y tan solo una actriz representa a las prostitutas, la obra no deja títere con cabeza en este negocio y, sobre todo, critica a esos clientes “bienpensantes”, al tiempo que cínicos, que tanto daño hacen a estas pobres mujeres y niñas secuestradas para la trata de blancas y convertidas, a la fuerza, en prostitutas de por vida.

¡Bravo!

Salí de la representación con los pelos de punta...

La podemos ver, hasta el día 26 del presente, en el Teatro Mª Guerrero.

https://www.youtube.com/watch?v=woVu56fYDg0

Ficha artística:

Lugar: Teatro María Guerrero - Sala de la Princesa

• Texto y dramaturgia - Alda Lozano

• Dirección - Concha Delgado y Sandra Ferrús

• Reparto - Alda Lozano, Jorge Machín y otros por confirmar

• Escenografía y videoescena - Javi Burgos

• Iluminación - Paloma Parra

• Sonido - Sandra Vicente

• Coreografía - Dácil González

• Producción - Centro Dramático Nacional

Gran teatro de sentimientos

“La última noche con mi hermano” es un texto de Alfredo Sanzol. Se ha representado, hasta hace poco, en el Teatro María Guerrero y, en estos momentos, está de gira por toda España. Habla de la entereza de una enferma de cáncer, quien lo lleva mejor que su familia más cercana.

“La última noche con mi hermano”, la última obra escrita y dirigida por Alfredo Sanzol (“Fundamentalmente, fantasías para la resistencia”, “Ensimismada”) tiene como temas centrales la muerte y la enfermedad, dando protagonismo al duelo por la pérdida de la hermana o el hermano, con la intención de visibilizar la fraternidad en la sociedad actual.El montaje cuenta la historia de tres parejas de hermanos y sus formas de comprender la fraternidad y el amor

“Teatro hecho por los muertos para dar fuerza a los vivos”, según se dice al comienzo de la obra. Durante una cena con su familia, Nagore –interpretada por Nuria Mencía– revela que está enferma. Sentados a la mesa, su hermano, su cuñada y sus sobrinos sienten cómo se resquebraja uno de los pilares fundamentales de su vida.

Con esta obra, Sanzol pretende visibilizar uno de los duelos que socialmente está menos acompañado, que es el que se atraviesa tras la pérdida de una hermana o hermano. En sus propias palabras: "Esta historia nace de una conversación que tuve con una amiga que había perdido a su hermano en diciembre de 2024. Hablando con ella, me contó cómo había sido la última noche que había pasado con su hermano y se me ocurrió este título".

La historia está atravesada por tres relaciones de hermanos, que representan formas muy diferentes de comprender la fraternidad. Jesús Noguero interpreta a Alberto, el hermano al que Nagore está muy unida y que, tras la noticia, comienza un proceso muy complejo. En palabras del intérprete, “podemos decir que el duelo es lo que ocurre después, pero se intuye que en todo el viaje hay una dificultad para aceptar lo que está ocurriendo” .

“La última noche con mi hermano” es una historia en la que el amor está presente en muchas de sus formas, pero donde destacan las relaciones fraternales. La importancia del lazo que existe entre hermanos, sean del tipo que sean, puesto que serán nuestros compañeros desde el comienzo hasta el final del viaje. Tal como recoge el texto: “Si has tenido un hermano al lado, cuando falta, la sensación de vacío es muy extraña, no es como cuando faltan los padres, o como cuando falta una pareja o un amigo, es… como si faltara algo de mí misma, una prolongación o yo diría… como un reflejo”.

A pesar de la delicadeza del tema que se trata, el humor, una de las señas de identidad de Alfredo Sanzol, se cuela por las grietas de esta obra. La creación de esta pieza supuso un exhaustivo proceso de investigación por parte del dramaturgo, que incluyó numerosas entrevistas a personas que habían atravesado procesos semejantes.

En definitiva, una tragicomedia larga, de personajes y de sentimientos, magistralmente dirigida e interpretada, pero, también y por otro lado, dura, que particularmente a mí, en determinados momentos, me costó seguir por motivos personales. Y es que estamos frente al mejor “teatro verdad”, teatro de sentimientos.

Después de haber estado varias semanas en el Teatro María Guerrero, de Madrid, ahora, se podrá ver ,los días 17 y 18 de este mes, en el Teatro Victorai Eugenia, de San Sebastián. Los días 25 y 26 de abril en el Teatre Principal, de Valencia. Los días 1 y 2d e mayo en el Teatro Central, de Sevilla y los días 16 y 17 de mayo en el Teatro Cuyás, de las Palmas de Gran Canaria y en fechas aún, por confirmar, en el Teatre Nacional de Catalunya, de Barcelona.

https://www.youtube.com/watch?v=wFUVnaqqzR0

Sobre el origen del amor

Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea protagonizan “El efecto de Lucy Prebble”, una adaptación teatral que reflexiona acerca del origen del amor y las emociones. Desde mañana, en el Teatro Marquina.

Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea protagonizan “El efecto de Lucy Prebble”, una adaptación de la tragicomedia de Lucy Prebble, también guionista de la aclamada serie “Succession”, que reflexiona sobre el origen del amor y la relación entre la ciencia y los sentimientos. Desde mañana, en el Teatro Marquina.

Perea está acompañado sobre las tablas por Alicia Borrachero, Elena Rivera e Itzan Escamilla. Todos ellos son dirigidos por Juan Carlos Fisher en un montaje que sigue a Connie y Tristán, dos voluntarios que participan en el ensayo clínico de un nuevo antidepresivo y que, en medio del experimento, descubren que están enamorados.

Sin embargo, su relación nace bajo sospecha: ninguno de los dos sabe si lo que sienten es real o si se trata de una descarga de dopamina inducida por el fármaco. La duda no solo sacude a la pareja, sino que provoca una creciente tensión ética entre los médicos que supervisan el estudio, obligados a decidir hasta dónde pueden o deben intervenir cuando la ciencia empieza a alterar la experiencia humana más íntima.

Con inteligencia y humor, la obra aborda cuestiones de plena actualidad como la medicalización de las emociones, la identidad personal y los límites morales de la investigación farmacológica. ¿Somos algo más que un conjunto de procesos neuroquímicos? ¿Puede la ciencia explicar o controlar el amor? Con ello se genera un compendio incómodo sobre nuestra dependencia de la ciencia y nuestra necesidad de creer que, incluso en un mundo dominado por la química, algunos sentimientos siguen siendo auténticos.

¡Interesante..!

La podemos ver, del 15 de este mes, hasta el 24 de mayo, en el Teatro Marquina.

https://www.youtube.com/watch?v=fak6v3A8i3c

Coreografía con movimiento repetitivo

“Rosas Danst Rosas” supone una reedición de la gran obra de danza de la coreógrafa belga Anne Teresa De Keersmaeker. Dicha coreografía se construye sobre una estructura rigurosa de capas, donde la repetición es el motor principal del movimiento. Pronto, en el Centro Cultural Conde Duque.

El Centro Cultural Conde Duque pronto nos ofrecerá una reedición de la gran obra de danza de la coreógrafa belga Anne Teresa De Keersmaeker: “Rosas danst Rosas”. La coreógrafa belga ha sido galardonada con numerosos premios como el prestigioso Praemium Imperiale, considerado el Nobel de las Artes.

Concebida a partir del minimalismo radical iniciado en Fase, la coreografía se construye sobre una estructura rigurosa de capas, donde la repetición es el motor principal del movimiento. Cuatro bailarinas ocupan el espacio con una ferocidad controlada, alternando gestos abstractos con acciones cotidianas que, lejos de suavizar la propuesta, intensifican su carga emocional. El agotamiento físico, visible y progresivo, se transforma en parte esencial del relato escénico.

Desde su estreno, la pieza fue leída como una declaración explícitamente feminista. Las intérpretes bailan “siendo ellas mismas”, sin personajes ni artificios, enfrentándose al tiempo, a la resistencia del cuerpo y a la insistencia de una estructura implacable. Esa tensión entre disciplina y sentimiento es uno de los rasgos que han convertido a la función en un referente generacional.

La música, creada de forma simultánea a la coreografía por Thierry De Mey y Peter Vermeersch, dialoga de manera orgánica con el movimiento. Sonidos repetitivos marcan los pulsos de los cuerpos y refuerzan la sensación de ciclo continuo, de avance y retorno constante. El montaje se ha interpretado casi en 500 ocasiones y con la participación de 28 bailarines de cinco generaciones. Además, la versión cinematográfica dirigida por De Mey en 1997 se erigió en un icono visual.

Nacida en Malinas (Bélgica) en 1960, Anne Teresa De Keersmaeker es una bailarina y coreógrafa que se ha alzado como una de las mayores figuras de la danza contemporánea internacional. En 1983 creó su formación Rosas con la que ha desarrollado más de una treintena de montajes hasta el momento. Entre sus piezas más destacadas se hallan: Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich, Rosas danst Rosas, Drumming o Achterland.

Por otra parte, y para terminar, entre 1992 y 2007, fue la directora de coreografía del teatro de La Monnaie de Bruselas (Bélgica) y en 1995 fundó la escuela de danza contemporánea PARTS (Performing Arts Research and Training Studios) también en Bruselas, considerada como unas de las mejores academias del mundo.

La podremos ver, los días 15 y 16 de este mes, en el Cetro Cultural Conde Duque. 

https://www.youtube.com/watch?v=H1Foad4Kf_w

Vuelve la escena a Malasaña

“4ºFestival Malasaña a Escena” es la cuarta edición de esta iniciativa que incluye seminarios, actuaciones de asociaciones culturales y representaciones de compañías, tanto amateurs, como profesionales. Pronto, en diferentes locales del Barrio de Malasaña.

El barrio de Malasaña se llena de vida y cultura con la cuarta edición del festival de teatro Malasaña a Escena que tendrá lugar entre el 16 y el 26 de abril de 2026. La nueva edición del festival se celebra en torno al Día Mundial del Arte (15 de abril), que reivindica el papel de la creación artística como elemento fundamental para el desarrollo cultural de las sociedades y para el ejercicio del derecho de la ciudadanía a participar en la vida cultural. 

Este año, el festival acoge más de cincuenta propuestas que incluyen la representación de compañías profesionales y grupos amateurs. La programación también cuenta con talleres de formación para todos los públicos y niveles de experiencia. Un festival que busca acercar el teatro reforzando la conexión comunitaria y haciendo de las artes escénicas una experiencia accesible para quienes habitan el barrio.

Mediante una programación abierta, repartida en varios espacios del barrio, y con la participación de compañías profesionales, alumnado de escuelas artísticas y colectivos locales, Malasaña a Escena impulsa maneras de participación cultural próximas y accesibles. Así, no solo promueve la creación artística, sino que refuerza el papel de la cultura como bien común y como elemento clave en la construcción de una comunidad diversa, activa, y culturalmente viva. Como novedad se hará un Black Market, en la Plaza de las Comendadoras, con diez performances simultáneas.

Las funciones de la edición de 2026 se reparten en salas como el Teatro Victoria, el Teatro La Madrilera, el Garaje del actor o la Escuela Superior de Canto de Madrid. Y el programa se extenderá a nuevos espacios como el recién reabierto salón de actos del Instituto Lope de Vega que acoge en esta edición a otras compañías y el Cardenal Cisneros que se une este año.

La programación también incluye espectáculos al aire libre representados en el área verde del COAM, el jardín de las Religiosas de María Inmaculada o el patio de la Fuente de la Fama del Museo de Historia de Madrid.

El Festival, impulsado por la asociación cultural Esto es Pez, nació en 2023 para fortalecer las relaciones vecinales de este castizo barrio madrileño, sirviendo como punto de encuentro entre sus habitantes y quienes participan activamente en el ámbito escénico, ya sea de manera profesional o aficionada.

Una ocasión única para mostrar que el teatro puede cobrar vida en los comercios locales, en los espacios públicos y con las personas del barrio, poniendo también en valor las salas y escuelas del barrio, facilitando su visibilidad, dándoles la oportunidad de exhibir su trabajo y favoreciendo la cooperación entre los diferentes espacios.

Lo podremos seguir, del 16, al 26 de abril, en diferentes espacios escénicos del barrio de Malasaña.

https://www.youtube.com/watch?v=d-EtZgP6QQY