La gran vuelta del musical “Godspell”, de Antonio Banderas

El exitoso musical “Godspell” se escenifica en el Teatro Pavón con una reposición dirigida por Antonio Banderas sobre la versión de Emilio Aragón. Cuenta la historia de una compañía teatral que, de improviso, se “topa” con los Evangelios de Jesucristo...

La nueva temporada del Gran Teatro Pavón cierra por todo lo alto con el regreso de “Godspell”, el exitoso musical que podemos disfrutar en el Teatro Pavón, en lo que supone una reposición dirigida por Antonio Banderas sobre la versión de Emilio Aragón. Un clásico del teatro musical de la década de los 70 con numerosas nominaciones a los premios Tony que podrá verse hasta el 28 de marzo, con funciones de martes a domingos. 

Dirigido por Antonio Banderas sobre la versión de Emilio Aragón, se presenta como “Godspell, una nueva Pasión” y cuenta con un gran elenco formado por Javier Ariano, Aaron Cobos, Andro Crespo, Paula Díaz, Ferran Fabá, Angy Fernández, Laia Prats, Roko, Estibalitz Ruiz, Hugo Ruiz, Ana Domínguez, Bella Exum, Raúl Ortiz y Alex Parra. 

Concebido y dirigido originalmente por el dramaturgo John-Michael Tebelak, con música y nuevas letras a cargo del letrista Stephen Schwartz, esta gran producción se ha convertido en un clásico de Broadway. Su historia se desarrolla en torno al Evangelio de San Mateo a partir de las vivencias de un grupo de jóvenes en una gran ciudad.

Sobre el escenario se presentan 14 actores acompañados por una banda en directo. Juntos dan vida a un espectáculo que combina vaudeville, magia, sombras, máscaras y títeres a lo largo de 16 números musicales como Preparad el camino, Día a día o Una ciudad hermosa.

 

La escena da comienzo en un lugar que, bien pudiera ser un almacén de teatro, como una desvencijada corrala de vecinos. En ella se encuentran los personajes, una joven compañía de teatro, interpretando una obra para el público. A primera vista todo parece normal, pero, tanto la obra como el contexto en el que se desarrolla, mostrarán que no lo es. A través de cada personaje y sus respectivos encuentros con Jesús, se revisitarán los Evangelios del Nuevo Testamento, iniciando así un viaje personal de no retorno.

Lo podemos ver, hasta el próximo día 28 del presente, en el Teatro Pavón. 

https://www.youtube.com/watch?v=tVbuqb78wao&list=RDtVbuqb78wao&start_radio=1

Una divertida versión musical del cuento “Hansel y Gretel”

“Hansel y Gretel. La batalla final” es un musical familiar de Teatros Luchana, ganador de 2 Premios OFF de Teatro Musical, donde la tecnología y la magia se entrelazan como nunca antes. Basado en el famoso cuento de los Hermanos Grimm.

Teatros Luchana acoge el estreno en Madrid de “Hansel y Gretel. La batalla final”, un musical familiar, ganador de 2 Premios OFF de Teatro Musical. Una nueva producción de qelart entertainment, escrita por Víctor Lucas y Mamen Mengó, que podrá verse todos los sábados del 14 de marzo al 27 de junio.

Tras conquistar al público con su aclamado musical Sherlock Holmes y el cuadro mágico, finalista en la categoría Mejor Musical Familiar en los prestigiosos Premios de Teatro Musical 2023, qelart entertainment regresa con una propuesta aún más épica. Una increíble aventura musical, llena de emoción, misterio y magia.

Esta nueva producción cuenta con un formato original con música y canciones originales creadas para la ocasión por Víctor Lucas y dirigida por Edgar Moreno. Protagonizada por Rocío Palomino, Arturo Correcher, Anthony Senén, Aída Mercadal y Andrea Rodríguez, este espectáculo cuenta una historia original basada en el clásico de los Hermanos Grimm. Se podrá ver cómo Hansel y Gretel, veinte años después de aquella historia, se ven de nuevo envueltos en una aventura trepidante.

La historia se presenta en la actualidad, donde dos hermanos, aparentemente separados por el destino, se reencuentran: Hansel, un gamer (jugador de videjuegos) habilidoso y apasionado de los videojuegos, y Gretel, una policía muy intrépida con un corazón valiente. Los dos son guiados mediante mensajes hasta la puerta de la misteriosa pastelería “El Horno”. Allí les recibe Gregor, el loco secuaz de la bruja y la mismísima bruja ahora joven y cautivadora gracias a la magia.

Sin darse cuenta, probarán de nuevo aquellos dulces envenenados y se verán arrastrados a una aventura épica llena de secretos, enigmas y ¡muchas golosinas! Volverán a visitar la casita de la bruja, ahora modernizada y llena de muffins (magdalenas), galletas y utensilios que cantan y hablan. ¡Averiguarán que son las almas de los niños que durante años la bruja ha logrado capturar! ¡Han de rescatarles! Para ello tendrán que recorrer el bosque encantado lleno de criaturas mágicas y desafíos inesperados para conseguir los ingredientes de la pócima que les hará volver a casa y liberar a todas aquellas almas encerradas en dulces.

Lo podemos verlos sábados, hasta el 27 de junio, en Teatros Luchana.

https://www.youtube.com/watch?v=JhB3wQherqA

¡Feroz crítica al acoso escolar!

La compañía LaJoven nos trae “Invisible”, una adaptación de la novela juvenil de Eloy Moreno. Presenta como tema central el acoso escolar. Desde mañana, en el Teatro de La Abadía.

La compañía LaJoven regresa al Teatro de La Abadía para representar “Invisible”, la primera adaptación escénica de la exitosa novela juvenil homónima de Eloy Moreno.

Se trata de una función que aborda de forma sensible y profunda el tema del acoso escolar y sus consecuencias emocionales. La historia sigue a un niño que se siente invisible ante el mundo, tanto en su entorno escolar como familiar. La invisibilidad se presenta de manera metafórica y mágica: el protagonista cree tener el poder de desaparecer, aunque no siempre lo controla. Esa "habilidad" refleja su lucha interior: cuando más necesita pasar desapercibido para evitar el acoso, es cuando más lo notan, y cuando desea ser visto y comprendido, es cuando más se desvanece frente a los demás.

El montaje no es solo un relato del bullying, sino una reflexión acerca de la soledad, el dolor del silencio, la incomprensión y la falta de empatía. La obra interpela tanto a jóvenes como a adultos, mostrando cómo el entorno (a menudo pasivo o indiferente) puede contribuir al sufrimiento de quienes más necesitan ser escuchados y protegidos.

La pieza cuenta con la dramaturgia de Josep Maria Miró (Premio Max 2019 a la Mejor autoría teatral por “Tiempo salvaje”) y la dirección de José Luis Arellano (“Fuego”, “Para acabar con Eddy Bellegueule” o “Las horas vacías”) y se erige como una propuesta teatral valiente, conmovedora y necesaria que busca dar voz a quienes han sido silenciados por la violencia o la exclusión.

Por otra parte, la novela ha sido galardonada con el Premio Yoleo 2018, el Premio Hache 2019, el Premio novela Juvenil El Corte Inglés 2020 y el Premio Cento Italia 2021.

La podremos ver, desde mañana, día 13, hasta el próximo 5 de abril, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=EVBfXykYuUA

¡Gran Homenaje a Miguel de Molina!

La compañía Antonio de Verónica y Saray Cortés presenta, el próximo 22 de marzo, en el Teatro Circo Price, “Entre dos orillas. Una vida bailada”, un espectáculo que recupera la figura del legendario artista malagueño Miguel de Molina: uno de los grandes referentes de la copla española y un creador adelantado a su tiempo cuya historia continúa resonando en el presente.

 El montaje “Entre dos orillas. Una vida bailada”, que, pronto, podremos disfrutar en el Teatro Circo Price, y enmarcado dentro de la programación del “Festival de Estrellas 2026”, propone un recorrido escénico por la vida y el legado de Miguel de Molina a través del flamenco, la música en directo y una puesta en escena que combina danza, teatro y poesía. El espectáculo está concebido desde la mirada original y atrevida de la compañía, que revisita la figura del artista desde una perspectiva contemporánea y profundamente flamenca.

 A través de este espectáculo, ambos artistas revisitan la trayectoria de Miguel Frías de Molina, un intérprete que revolucionó la canción española con su estilo único, su estética escénica y su forma profundamente personal de entender el arte. Su manera de cantar, vestir e interpretar convirtió cada actuación en un acontecimiento artístico que marcó una época y dejó una huella imborrable en la historia de la música española.

En este show, el bailaor Antonio de Verónica encarna al propio Miguel de Molina en una recreación escénica que recupera su universo artístico, mientras que Saray Cortés interpreta a personajes clave de su trayectoria, entre ellos la legendaria cupletista Concha Piquer, además de protagonizar distintos pasajes coreográficos inspirados en el legado del artista.

 Finalmente, el espectáculo revisita algunas de las coplas más emblemáticas asociadas al artista reinterpretadas y adaptadas a distintos palos flamencos. La obra también incorpora referencias a figuras fundamentales de su entorno cultural, como Federico García Lorca, cuya poesía se integra en algunos momentos de la dramaturgia.

 Lo podremos ver, el 22 del presente, en el Teatro Circo Price.

El Teatro Real, colaborador de la coral newyorkina Música Viva NY

El Teatro Real es el coorganizador de la gira de presentación en España de la prestigiosa formación coral estadounidense Música Viva NY, organización artística sin ánimo de lucro que, bajo la dirección musical de su responsable artístico, el director de orquesta y pianista de origen mexicano Alejandro Hernández-Valdez, ofrece conciertos en los que conviven el poder y la diversidad de la música y sus intérpretes.

Para su presentación en España, la coral estadounidense Coral Viva NY ha diseñado – en colaboración con el Teatro Real, de Madrid- dos programas diferentes, adaptados a los auditorios que les acogerán, cargados de emoción y simbolismo. Así, en la primera de sus citas, el 14 de marzo en la catedral de Toledo, denominada El camino, se escucharán obras de gran espiritualidad de compositores españoles: Tomás Luis de Victoria (1548–1611) y Pablo Casals (1876–1973), ambos inspirados por el texto bíblico O vos omnes, y Hildegard von Bingen (1098-1199) con su obra O splendidissima gemma.

El programa se completará con obras de autores afroamericanos que renuevan la esencia de los espirituales nacidos en la esclavitud de sus antepasados: Harry T. Burleigh (1866–1949), William L. Dawson (1899–1990) y Moses Hogan (1957–2003), para finalizar con la composición del británico Joby Talbot (n. 1971) Path of Miracles, cuyo libreto, en el que conviven textos de la liturgia católica con poesía contemporánea, ofrece una experiencia casi mística con la mirada puesta en el Camino de Santiago.

El Real Teatro de Retiro y el Teatro Principal de Zaragoza compartirán el mismo programa: Esta tierra salvaje, de alguna manera, un canto a la naturaleza, a veces extrema y poderosa, en su relación con el ser humano.

La propuesta invita, en la primera parte del concierto, a una travesía que comienza a los pies del volcán nicaragüense Momotombo, del que toma su nombre la composición de Gilda Lyons (1975) -anclada en el poema homónimo de Rubén Darío- cargada de imágenes oníricas, de ráfagas históricas y de referencias a sus ancestros maternos. El viaje partirá de la exuberante Nicaragua a las tierras de Estonia, germen de Raua Needmine, posiblemente la obra más conocida del estonio Veljo Tormis (1930-2017), inspirada en el poema épico finlandés Kalevala y con una fuerte influencia de los ritos chamánicos de las antiguas tribus de estas tierras.

El programa regresa al continente americano de la mano del compositor estadounidense Eric Whitacre (1970) -uno de los más conocidos y aclamados de su generación- con una de sus obras de referencia, Cloudburst, sobre el poema El cántaro roto, de Octavio Paz. En él ofrece un paisaje sonoro que “nos transporta a la yuxtaposición de tristeza y belleza en el umbral de una tormenta repentina en el desierto”, como explica en el programa de mano la musicóloga Evangeline Athanasiou. 

En la segunda parte, la cantata escénica Carmina Burana de Carl Orff (1895-1982), es la absoluta protagonista, en la versión para dos pianos y percusión. Su fuerza casi brutal y arrolladora, y sus poemas, cargados de sátira, erotismo, crítica y hedonismo -cantos goliardos de los siglos XII y XIII- ensamblados con un ritmo ingeniosamente primitivo y una melodía poderosa, seducen por igual a todos los públicos y han convertido en un clásico la obra del compositor alemán.

¿Qué es Música Viva NY?

Musica Viva NY integra en sus programas repertorio clásico y obras menos conocidas, reflejando su compromiso con la promoción de compositores estadounidenses vivos, mujeres creadoras y artistas afroamericanos, así como piezas que abordan temas sociales, raciales y ambientales.

Finalmente, acompañarán a Musica Viva NY en sus actuaciones tres artistas procedentes del programa Crescendo del Teatro Real: el barítono Enrique Torres y los pianistas Carolina Hernández y Gonzalo Villarruel. En el concierto en Zaragoza participarán el Coro de Voces Blancas Amici Musicae del Auditorio de Zaragoza y el Grupo de Percusión del Conservatorio Superior de Música de Aragón, formación que también estará presente en el Real Teatro de Retiro.

https://www.youtube.com/@MusicaVivaNY

 

Divertida comedia clásica de Calderón

“El escondido y la tapada” es una adaptación de la dramaturga española Carolina Africa de esta comedia de capa y espada de Pedro Calderón de la Barca. Desde mañana mismo, en el clásico Teatro de La Comedia.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico presenta “El escondido y la tapada”, una adaptación de la obra de enredo de Pedro Calderón de la Barca, por parte de la deramaturga española Carolina Africa, representada por los alumnos de la séptima promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La pieza ha sido versionada por Carolina África (“El cuaderno de Pitágoras”, “Verano en diciembre” o “Vientos de Levante”) y está dirigida por Beatriz Argüello (“Valor, agravio y mujer” o “El caballero encantado”). Su texto original fue escrito hacia 1635-1636 y se adentra en los líos amorosos, los disfraces y los malentendidos propios del teatro barroco español.

Su argumento transcurre en Madrid, y como en otras comedias de capa y espada, todo gira en torno al honor, el amor y las apariencias. La “tapada” es una joven noble que, siguiendo la moda de la época, sale a la calle cubierta con un manto o velo para ocultar su identidad y poder moverse libremente sin ser reconocida. Su disfraz le permite jugar con los límites del decoro y la obediencia impuestos a las mujeres.

Por su parte, el “escondido” es un galán que vive oculto por motivos de seguridad, ya que ha tenido algún conflicto que lo obliga a mantenerse escondido. Ambos personajes se cruzan sin saber quién es realmente el otro, lo que desencadena una serie de equívocos, celos, citas secretas y enredos amorosos, donde los personajes cambian de identidad o se disfrazan para lograr sus propósitos.

¡imprescindible para los amantes del teatro del Siglo de Oro..!

La podemos ver, del 12 de marzo, al 26 de abril, en el Teatro de La Comedia. 

https://www.youtube.com/watch?v=n0AYduRpTpU

Ecléctico programa de la Compañía Nacional de Danza

“ROM- Range of Motion” es un programa de la Compañía Nacional de Danza (CND) ecléctico que incluye el estreno de dos obras en línea con el proyecto de su directora Muriel Romero. Pronto, en los Teatros del Canal.

La Compañía Nacional de Danza (CND) estrena, en España (concretamente, en los Teatros del Canal), un programa que expone dos obras cortas de baile moderno, que llevan por título “ROM- Range of Motion”. Es danza moderna, es decir, contemporánea.

La velada se abre con The Second Detail, una pieza emblemática de William Forsythe. La función, considerada un ejemplo puro de su estilo, destaca por su complejidad estructural, su carácter lúdico y su explosiva fisicidad. Con una técnica depurada y un enfoque centrado en el movimiento, el ballet invita al público a dejarse llevar por la energía y la libertad que desprenden los intérpretes sobre el escenario.

El programa continúa con Become, una creación de Johan Inger, que aborda el cambio y la transformación desde una perspectiva íntima y poética. El montaje reflexiona sobre aquello que se desprende, se rompe o se abandona para dar paso a nuevas formas de ser. Cada gesto coreográfico se concibe como una huella, memoria o renacimiento, en una exploración del cuerpo como espacio donde se escriben los procesos internos de cambio.

Con este doble espectáculo, la CND reafirma su compromiso con un repertorio diverso y vivo, que conecta la historia con las búsquedas contemporáneas. Un ejercicio de recuerdo en movimiento que subraya la relevancia de Forsythe e Inger en el panorama coreográfico internacional y coloca al espectador ante un viaje de renovación.

La podremos disfrutar, del 12, al 15 de este mes, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=mmEEsUQwnCQ