Un gran tributo a COCO, de Disney

“COCO, el musical” es un espectáculo musical que rinde tributo a la película homónima de Disney que cuenta con música y voces en directo, color y emoción. Ya, en el Teatro Calderón.

“COCO, el musical” llega al Teatro Calderón para convertirse en el plan familiar más especial de la temporada. Con más de 700.000 espectadores, este espectáculo es el auténtico tributo a “COCO” en España y combina voces en directo, color y emoción en una puesta en escena que cautiva tanto a niños como a adultos. Dirigido por Pedro Pomares, acompaña a Miguel en un viaje lleno de música, memoria y valores, creando una experiencia perfecta para quienes buscan musicales infantiles y familiares en Madrid.

Durante su representación, el público acompaña al personaje del pequeño Miguel en su travesía por la Tierra de los Muertos, donde descubre los secretos de su familia y el verdadero significado de la música y la memoria. Con canciones reconocibles por todos, coreografías dinámicas y una escenografía envolvente, ofrece un viaje emotivo que celebra la vida, los lazos familiares y la fuerza de la música.

Lo podemos ver, los domingos de esta temporada, en el Teatro Calderón.

https://www.youtube.com/watch?v=yZ7cBunq8xo&list=RDyZ7cBunq8xo&start_radio=1

 

¿Y si pudieramos vivir varias vidas..?

El director y actor Sergio Peris-Mencheta adapta la obra “Constelaciones”, de Nick Payne, sobre la posibilidades vitales de las relaciones amorosas. Ya, en el Teatro Valle-Inclán.

El director Sergio Peris-Mencheta (“A voz en cuello”, “El pack” o “¿Quién es el Señor Schmitt?”) adapta la obra “Constelaciones”, del dramaturgo británico Nick Payne, un drama romántico con tintes científicos y filosóficos sobre las posibilidades de la vida. Ya lo podemos disfrutar en el Teatro Valle-Inclán.

Se trata de una de las piezas más aclamadas del teatro contemporáneo, que combina la ciencia de los multi-versos con la fragilidad del amor humano. El montaje sigue la historia de Marianne, una física fascinada por la cosmología y la teoría de cuerdas, y Roland, un apicultor. Lo que podría ser un romance cotidiano, se transforma en un juego escénico que muestra todas las posibilidades de su relación: encuentros, rupturas, reconciliaciones y despedidas, cada una con un desenlace distinto.

Con una estructura innovadora, basada en escenas breves que se repiten con variaciones, la producción refleja la idea de que cada decisión abre un universo diferente. El espectador acompaña a los protagonistas en un viaje que va del flechazo inicial a la convivencia, pasando por la traición, el reencuentro, el matrimonio y, finalmente, la enfermedad terminal de Marianne, que la lleva a optar por el suicidio asistido.

Lejos de la frialdad científica, la pieza es un retrato sensible y profundamente humano sobre el destino, la libertad de elección, el amor y la pérdida. Y es que Payne convierte la teoría de los multi-versos en una metáfora conmovedora que invita a preguntarse: ¿qué pasaría si pudiéramos vivir todas las versiones posibles de nuestra vida?

Interesante, ¿no..?

La podemos ver, hasta el próximo 29 de marzo, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=YS4Goph-5Wo

Cómo se mueven los sordos

La bailarina y coreógrafa Jone San Martín lidera “Sorda”, un espectáculo de danza autobiográfico sobre la sordera y el movimiento. Ya, en Centro Danza Matadero.

La bailarina y coreógrafa Jone San Martín representa el espectáculo de danza “Sorda”, en Centro Danza Matadero. Es un espectáculo de baile autobiográfico que profundiza en la relación entre la sordera y el movimiento.

De este modo, San Martín investiga cómo el cuerpo puede escuchar sin oídos y cómo la vibración, el silencio y el gesto se transforman en lenguajes. El resultado es una coreografía que desborda los límites de la comunicación física, construyendo un idioma único y ultra-expresivo en el que cada movimiento se convierte en una resonancia compartida.

La función nace de la vivencia íntima del aislamiento y la confusión que produce la sordera, pero también de la potencia creativa que surge de ese silencio. Así, se transforma dicha carencia en un espacio fértil de imaginación, en el que el sonido se percibe desde la piel, los huesos o la mirada.

El montaje cuenta con la colaboración sonora en directo de Manuel Escorihuela y Paola Álvarez, cuyas composiciones dialogan con el cuerpo de la bailarina en un ejercicio de escucha expandida. Juntos, construyen un paisaje sensorial donde lo audible y lo visible se confunden. Y es que, más que una pieza de danza, es una experiencia de percepción ampliada: un encuentro entre el silencio interior y el sonido exterior, entre lo íntimo y lo colectivo, que usa la diferencia como fuerza generadora.

Nacida en 1966 en San Sebastián, Jone San Martín es una bailarina y coreógrafa formada en el Institut del Teatre de Barcelona y en Mudra International de Bruselas (Bélgica). Tras varios años trabajando en conjuntos como la Compañía Nacional de Danza en Madrid, Theater Ulm en Alemania y Jacopo Godani en Bélgica, se integró en el Baller de Frankfurt bajo la dirección de William Forsythe y fue miembro de la Forsythe Company del 2005 al 2015. Desde entonces es parte de Dance on Ensemble en Berlín. También ha realizado sus propios proyectos coreográficos.

Lo podemos ver hoy y mañana, 8 de febrero, en Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=fMPzo24LXLo

De amor y mujeres clásicas

Morboria Teatro adapta la clásica comedia sobre el amor “Lo que son mujeres”, de José de Zorrilla. Habla de dos hermanas huérfanas y de temperamentos contrapuestos. Ya, en el Teatro de la Comedia.

La compañía de teatro clásico Morboria Teatro representa, “Lo que son mujeres”, de José Zorrilla, en el Teatro de la Comedia. Es una adaptación de esta clásica comedia del Siglo de Oro que versa sobre el amor, los celos y la vanidad.

La obra cuenta la historia de dos hermanas huérfanas, Serafina y Matea, de temperamentos completamente opuestos. Serafina, la mayor, es hermosa, orgullosa y desprecia a los hombres, convencida de que todos son groseros y ridículos. Por su parte, Matea, menos agraciada, es apasionada y se enamora fácilmente, lo que causa constantes conflictos entre ambas. La llegada de Gibaja, un casamentero interesado en obtener beneficios, desencadena la acción: sugiere que la primera que se case recibirá una gran herencia y Serafina acepta recibir a varios pretendientes solo para burlarse de ellos.

Ofendidos por el desprecio de Serafina, los caballeros traman una venganza junto con Gibaja: en su segunda visita fingen ignorarla y elogiar la belleza de Matea, lo que despierta en Serafina unos celos intensos y un deseo competitivo que antes negaba. A partir de ahí se suceden las situaciones cómicas y los enredos, que ponen de relieve la vanidad y la hipocresía humana.

Morboria Teatro es una compañía teatral creada por Eva del Palacio y Fernando Aguado, que, durante sus más de tres décadas de trayectoria, ha producido más de 35 espectáculos, entre los que se encuentran textos clásicos de autores tan conocidos como Rojas Zorrilla, Tirso de Molina, Shakespeare, Molière o Zorrilla, dramaturgias y libretos contemporáneos, teatro de calle, teatro infantil y performances, entre otros estilos escénicos.

La podemos ver, hasta el próximo día 15 del presente, en el Teatro de la Comedia.

https://www.youtube.com/watch?v=TZc8zt6q7FA

Una desestructurada versión de “Rey Lear”

La dramaturga Andrea Jiménez investiga los cruces entre ficción y realidad, teatro y performance en “Casting Lear”, una irreverente adaptación del clásico “Rey Lear”, de Shakespeare. Ya, en el Teatro de La Abadía.

La Sala José Luis Alonso del Teatro de La Abadía acoge “Casting Lear”, una original adaptación del clásico teatral “Rey Lear”, de William Shakespeare, realizada por Andrea Jiménez, un valor en alza de la creación escénica actual. De este modo, Andrea dirige, en directo, a un actor distinto cada noche, creando un espacio de encuentro con toda una generación de actores y hombres para reflexionar sobre la paternidad, el amor y el perdón.

Andrea Jiménez, “Premio Ojo Crítico de Teatro”, en 2019, por su trayectoria con Teatro En Vilo, realiza un ejercicio teatral tan valiente como lúdico organizando este simulacro de casting de reyes Lear, que en realidad es un casting de padres. Una pieza sobre el origen, sobre cómo lo que vino antes persigue a las personas, aunque se quiera ignorar. Sobre cómo construyen a las personas quienes les preceden. Sobre cómo inventar una vida que pertenezca sin olvidar el pasado. Sobre cómo imaginar otros finales posibles.

A través de esta libre adaptación del Rey Lear, que aspira a ser una puerta abierta para pensar cómo nos relacionamos con los padres, los biológicos, pero también los metafóricos, incluido el mismo William Shakespeare.

Emulando a Lear, y al igual que él con sus hijas, realizará un casting cada noche a un actor que interpretará a Lear. Cada noche, un actor distinto, será el padre de la directora, un padre que nunca ha pisado un teatro. Cada noche ella dispondrá de un nuevo posible padre, uno que sí quiera sentarse en un teatro a conversar.

La podemos ver, hasta el 15 de este mes, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=OkWcMVo10N8

Reflexión-danza sobre la muerte

El coreógrafo sudafricano Gregory Maqoma estrena “Cion: Requiem of Ravel's Bolero”, una pieza de danza moderna que medita profundamente sobre la muerte. Ya, en Teatros del Canal.

El coreógrafo sudafricano Gregory Maqoma (“Via Kanana” o “Broken Chord”) estrena, en Teatros del Canal, “Cion: Requiem of Ravel's Bolero”, una obra de danza contemporánea que realiza una profunda meditación sobre la muerte, la memoria y el duelo colectivo. 

Inspirada en las novelas “Formas de morir” y “Cion”, del escritor Zakes Mda, la pieza recoge la figura de Toloki, un plañidero profesional que transita entre la vida y la muerte para acompañar a los que sufren. Ambientada en un cementerio simbólico, la pieza no aborda la muerte como destino inevitable, sino como una consecuencia del poder, la codicia y la violencia sistémica. A través del movimiento, la música y la energía ritual, Maqoma construye una reflexión sobre la pérdida y la deshumanización que aún marcan la historia sudafricana y la del mundo entero.

El emblemático “Boléro”, del compositor Maurice Ravel, sirve como la columna vertebral sonora, pero reimaginado con voces sudafricanas y armonías de isicathamiya (un canto a capela sudafricano), en una colaboración con el compositor Nhlanhla Mahlangu. El resultado es un réquiem moderno donde el ritmo obsesivo del bolero se funde con los cantos ancestrales, generando un diálogo entre Europa y África.

Sobre el escenario, los bailarines de la compañía de Maqoma canalizan los espíritus de los muertos y convierten el lamento en un acto de sanación colectiva. Con ello, se genera una ceremonia escénica de memoria y resistencia, una llamada a transformar el dolor en conciencia y el recuerdo en acción.

La podemos ver, hasta el próximo día 7 del presente, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=biaMVI4mtPI

Conocerse lejos del lugar natal

“Tres noches en Itaca” es la nueva creación del dramaturgo Alberto Conejero y que cuenta con la la dirección de María Goiricelaya. Desde hoy, en Nave 10 Matadero.

Nave 10 Matadero nos ofrece el montaje teatral “Tres noches en Itaca” con funciones de martes a domingos. Se trata de la nueva creación del dramaturgo Alberto Conejero (“La piedra obscura”, “Ushuaia”), que cuenta con la dirección de María Goiricelaya y las actuaciones de Cecilia Freire, Marta Nieto y Amaia Lizarralde.

La obra pone en escena a una mujer, cercana a la cincuentena, que deja a su familia y su trabajo de profesora de griego en un instituto para irse a vivir a una isla griega: Ítaca. Veinte años después, sus tres hijas viajan a Grecia para organizar su entierro. Estas “Tres noches en Ítaca” les dará la oportunidad de descubrir quién fue su madre.

Las hijas de Alicia, Ariadna, Penélope y Elena, todas ellas entre los cuarenta y los cincuenta años, deben descubrir qué le sucedió a su madre, y cómo vivió todo ese tiempo tan lejos de ellas. Pero también ha llegado el momento de que descubran quiénes son ellas mismas. Aunque no quieran, la obra es un entierro en Grecia, en una isla en donde la gente aún canta, pero también es un nacimiento, el de una etapa de madurez en la vida de Ariadna, Elena y Penélope.

¡Absolutamente, interesante..!

La podemos ver, desde hoy, y hasta el 10 de marzo, en Nave 10 Matadero. 

https://www.youtube.com/watch?v=Mj7hf54G-hU