Los elementos centrales en la creación de la danza

“NumEros” es el nuevo espectáculo de la Compañía Nacional de Danza (CND), que incluye las conocidas coreografías “Serenade”, “Echoes from a Restless Soul” y “Playlist (track 1, 2)”. Pronto, en el Teatro de la Zarzuela.

El título de este programa, “NumEros”, es un portmanteau, una combinación de dos términos, numen y eros, en cierto sentido opuestos, pero que conforman dos elementos centrales en la creación en danza. Eros como impulso vital encarnado, impulso creativo, fuerza deseante que se manifiesta en y a través del cuerpo, y Numen como presencia intangible, inspiración poética o espiritualidad inmanente que trasciende la voluntad del artista. Cuando se encuentran, nace el espectáculo“NumEros”, que evoca el Número, como principio de orden, patrón subyacente, lógica que da forma al movimiento. En este sentido, propone una articulación entre estas tres dimensiones fundamentales del pensamiento y la experiencia creadora en la danza.

Siguiendo este concepto, este programa reúne el trabajo de tres coreógrafos, Georges Balanchine, William Forsythe y Jacopo Godani que han desarrollado un pensamiento coreográfico formal y numérico, pero en el que la coreografía se construye como un campo de tensiones entre lo racional y lo corporal, entre lo medible y lo inefable. En estos trabajos los intérpretes trabajan a partir de sistemas numéricos–proporciones, repeticiones, permutaciones, secuencias– no solo como meros esquemas compositivos, sino como territorios vividos desde el cuerpo. El cuerpo, en este contexto, no se limita a ejecutar formas: las encarna, las perturba, las transforma. Así, la danza deviene un proceso en el que la precisión numérica se encuentra con el exceso del deseo, y la abstracción formal con la potencia afectiva del gesto.

Este programa se inscribe en una línea de pensamiento coreográfico donde el cuerpo no es mero ejecutor de formas, sino agente activo de un pensamiento en movimiento. En este sentido, NumEros dialoga con la tradición coreográfica a través de los creadores George Balanchine, William Forsythe y Jacopo Godani, cada uno de los cuales ha abordado, desde distintas estéticas, la relación entre estructura matemática y energía corporal. El conocido coreógrafo norteamericano Ballanchine concebía la danza como “arquitectura en movimiento”, y su uso de la música como partitura espacial anticipa ya una concepción matemática del gesto.

Forsythe radicaliza esta visión al desplegar una investigación sobre las posibilidades arquitectónicas del cuerpo, descomponiendo el movimiento clásico en vectores, puntos de tensión y trayectorias geométricas. Godani, por su parte, lleva estas premisas al extremo físico y visual, construyendo composiciones donde la precisión matemática convive con una intensidad visceral, cuasi animal...

¡Interesante propuesta de danza..!

Lo podremos ver, del 11, al 21 de diciembre, en el Teatro de la Zarzuela.

Los jóvenes en los años duros del sida

El director escénico José Luis Sixto dirige “RENT”, una adaptación de Adrián Perea sobre el famoso musical de Jonathan Larson que, ahora, cumple su 30º aniversario. Su argumento cuenta la historia de un grupo de jóvenes en la época “heavy” del sida: rock & roll, drogas y sexo libre para una producción moderna e impecable. Y...con mensaje. Pronto, en el Teatro Fernán Gómez.

El director escénico José Luis Sixto (“Los chicos del coro, el musical”) dirige una adaptación de Adrián Perea (“Los chicos de Baker-Miller”, “Buenas Chuches, y buena suerte” o “Ahora que nos dejan hablar”) sobre el famoso musical de Jonathan Larson, que, este año, celebra su 30º aniversario. Prontito lo podremos disfrutar en el Teatro Fernán Gómez.

A punto de cumplirse tres décadas de su estreno, este emblemático musical ganador del Premio Tony y del Pulitzer regresa a los escenarios con una nueva producción que busca tender un puente entre la Nueva York de la década de 1990 y la sociedad moderna.

Su autor, Jonathan Larson, falleció el 25 de enero de 1996, la noche previa al estreno, convirtiendo su obra en un legado generacional. La autenticidad de su visión marcó tanto en el público que “RENT” se mantuvo, durante doce años, en cartel, en Broadway, convirtiéndose, de este modo, en uno de los musicales más longevos de la Historia.

La obra, inspirada en la conocida ópera “La Bohème”, de Puccini, retrata un año en la vida de un grupo de jóvenes artistas que se enfrentan a la precariedad, la búsqueda de identidad, la amistad y el amor, mientras el VIH planea como una sombra omnipresente. Personajes como Mark, Roger, Mimi, Angel, Collins, Maureen o Joanne representan una comunidad marcada por la rebeldía y la urgencia vital, con un mensaje que sigue siendo universal: mide tu vida en amor.

En esta nueva versión se re-imagina la pieza desde la actualidad, respetando su esencia pero explorando nuevas lecturas. Más que un homenaje, esta puesta en escena quiere dialogar con el público contemporáneo y recordar que los temas que conmocionaron en los años 90 (la gentrificación, las redes comunitarias de resistencia queer, la crisis sanitaria y la necesidad de un arte transformador) siguen resonando hoy.

¡Absolutamente imprescindible..!

Lo podremos ver, del 23 de diciembre, al 25 de enero, en el Teatro Fernán Gómez. 

https://www.youtube.com/watch?v=xnzX90C0V9g&list=RDxnzX90C0V9g&start_radio=1

¡Vuelve la adorable Annie!

Los miembros de la Academia Glee Club protagonizan una versión de este popular musical, “Annie Jr”. Una niña huérfana, Annie, en la época de la Gran Depresión estadounidense, nunca pierde la esperanza de encontrar a sus padres biológicos, a pesar de las cortapisas de la directora de su orfanato. Ya, en el Teatro Bellas Artes.  

Glee Club Academy nos “regala” “Annie Jr”, una versión del conocidísimo conmovedor musical de Broadway con funciones de sábado a martes, en el Teatro Bellas Artes. Se trata de una adaptación del musical de Thomas Meehan que está protagonizado por los niños y jóvenes alumnos de la institución.

Ambientada en la ciudad de Nueva York durante la Gran Depresión, la obra narra las aventuras de una niña huérfana, Annie Jr., que a pesar de vivir bajo el mando de la temida Miss Hannigan en un orfanato lleno de privaciones nunca pierde la fe en encontrar a sus verdaderos padres. Su vida da un giro inesperado cuando es elegida para pasar unas semanas en la mansión del poderoso empresario Oliver Warbucks, quien pronto queda cautivado por su espíritu alegre y decidido.

Con la ayuda de Grace Farrell, la secretaria de Warbucks, y del propio presidente Franklin D. Roosevelt, Annie emprende una búsqueda llena de esperanza y ternura. Sin embargo, Miss Hannigan, su hermano Rooster y su cómplice Lily planean un engaño para quedarse con la recompensa que ofrece el millonario, desencadenando una serie de enredos llenos de humor y emoción.

Con temas icónicos como Tomorrow, It’s a Hard Knock Life y Maybe, la pieza recupera la esencia del clásico de Broadway en una versión pensada para todas las edades que celebra la fuerza del optimismo, la importancia de la familia y la fe en un futuro mejor.

La Glee Club Academy es una prestigiosa escuela de teatro musical en inglés con sede en Madrid, dedicada a formar a niños, jóvenes y adultos en las tres disciplinas fundamentales de este arte: canto, danza e interpretación. Su método, basado en el currículum británico de artes escénicas, promueve no solo la excelencia artística, sino también el desarrollo personal de los alumnos, fomentando la creatividad, la confianza y el trabajo en equipo.

Lo podemos ver, hasta el próximo 4 de enero, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=rr06QpZsf0g

¡La vuelta de “Los Miserables”!

El musical que ha conquistado al mundo, “Los Miserables” (basado en la novela homónima del escritor francés del siglo XIX Victor Hugo), vuelve a nuestros escenarios, coincidiendo con la celebración del 40º aniversario de su estreno en Londres. Ya lo tenemos en el Teatro Apolo.

“Los Miserables”, uno de los musicales más importantes de todos los tiempos, vuelve al Teatro Apolo, coincidiendo con la celebración del 40º aniversario de su estreno en Londres. De esta manera, vuelve a representarse en el mismo escenario en el que conquistó España por primera vez en el año 1992.

ATG Entertainment presenta la aclamada producción de Cameron Mackintosh, Los Miserables, el gran fenómeno musical de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg. Un espectáculo que ha logrado cautivar a los espectadores de todo el mundo gracias a su gran puesta en escena y que ha sido aclamado como uno de los mejores de la historia.

Ganador de más de 180 premios internacionales, con ocho premios TONY, incluido mejor musical, cuatro OLIVIER y cinco DRAMA DESK, Los Miserables cuenta con el mayor tiempo de permanencia en cartelera en el mundo, habiendo superado las 15 000 funciones solo en Londres y ha sido visto por más de 130 millones de personas en 53 países y representado en 22 idiomas. La producción londinense del musical celebrará su 40º aniversario en octubre de 2025 y continúa batiendo récords de audiencia en el Sondheim Theatre. 

El cuento clásico de Victor Hugo relata a través de grandes canciones una historia de sueños rotos y amor no correspondido, pasión, sacrificio y redención, un testimonio intemporal de la supervivencia del espíritu humano. Su personaje principal, Jean Valjean, es un exconvicto que busca la redención tras salir de prisión. Perseguido incansablemente por el inspector Javert, Valjean reconstruye su vida mientras cuida de Cosette, la hija de Fantine, una mujer explotada por la pobreza.

La historia se desarrolla en la Francia posrevolucionaria y aborda temas como la justicia, el sacrificio y la esperanza, con la partitura de Boublil y Schönberg que incluye canciones tan icónicas como I Dreamed a Dream, On My Own, Do You Hear The People Sing? y One Day More, entre otras.

¡Absolutamente imprescindible para los amantes, como un servidor, de los musicales..!

Lo podemos disfrutar, durante lo que queda de temporada y la siguiente, en el Teatro Apolo.

https://www.youtube.com/watch?v=BCxaud9ppfQ

¡Cómo los niños pueden cambiar el mundo!

La compañía Los Bárbaros y los Nuevos Dramáticos presentan “ZUM. Crecerá un jardín”, una obra que plantea un futuro distinto desde la imaginación. Ya, en el Teatro Valle-Inclán.

La compañía Los Bárbaros y los Nuevos Dramáticos representan “ZUM. Crecerá un jardín”, en el Teatro Valle-Inclán. Se trata de un ejercicio lúdico y crítico que observa el mundo actual y propone alternativas desde la frescura y la imaginación de los niños.

Entre las reivindicaciones que recoge la función hay humor y crítica social: como fijar el precio máximo de un kebab en 2,50 €, organizar campamentos para profesores o inventar héroes como Súper Pepe Nillo. Pero también deseos esenciales: recuperar las plazas, pasar más tiempo con los amigos y que haya flores.

Para los creadores, escuchar a la infancia es una postura política. Inspirados en la escritora Úrsula K. Le Guin, que comparaba las historias con un cesto donde recoger semillas y preguntas, el proyecto se convierte en un espacio compartido de imaginación, crítica y esperanza. Con ello se ha generado un espectáculo que combina juego, razonamiento crítico e ilusión con el fin de invitar al público a repensar el futuro desde lo más sencillo y lo más necesario.

Los Bárbaros es una formación creada por Javier Hernando, Rocío Bello y Miguel Rojo donde se abordan cuestiones en torno a lo cotidiano, lo inesperado y lo poético, desarrollando eventos para el diálogo y diluyendo las fronteras entre la realidad y la ficción. Las temáticas en las que más inciden son el poder, la imaginación y la identidad.

Aparte, a lo largo de su trayectoria han producido tres tipos de piezas: de corte teatral, montajes-talleres participativos y piezas únicas diseñadas para espacios determinados y que se representan una sola vez. Entre sus espectáculos destacan Mutantes, Atlántida, El desayuno o Tras los pasos de Augusto Madeira Mendes, que también han interpretado fuera de nuestras fronteras en países como Francia, Portugal, Inglaterra, Colombia o Cuba.

La podemos ver, hasta el próximo día 19 del presente, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=nv4tsazHlO8

Sobre la creación artística

La directora escénica Berta Prieto dirige “Del fandom, al troleo”, una sátira que indaga en el ego y la creación artística. Ya, en el Teatro de La Abadía.

La directora escénica Berta Prieto (“Derecho a pataleta” o “Autodefensa”) dirige “Del fandom, al troleo”, una sátira sobre el ego, la creación artística y los excesos de la cultura contemporánea, especialmente en la llamada Generación Z. Ya la podemos ver en el Teatro de La Abadía.

Con humor, música y una puesta en escena que combina diversos lenguajes teatrales, la obra se presenta como una auto-ficción coral protagonizada por cinco actrices (Belén Barenys, Roser Dresaire, Judit Martín, Irene Moray y Laura Roig) que encarnan las tensiones del pensamiento contemporáneo.

La historia pone el foco en dos personajes ficticios, pero inquietantemente reconocibles: Ximena White, una directora feminista de éxito obsesionada con llevar sus mensajes al mainstream sin perder credibilidad, y Paula Miró, una ciberactivista que decide renunciar al sobreanálisis como forma de vida para liberarse emocionalmente. Su camino hacia la "tontería" como estrategia de supervivencia la convierte, paradójicamente, en un icono cultural.

White realiza un biopic sobre Miró para Netflix, “My life is my message”, una película comercial, pero capaz de trasladar el mensaje a la población general. Sin embargo, esto solo es el pretexto narrativo para una reflexión más amplia sobre el culto al yo, el mercado del compromiso y la fatiga sentimental de una generación atrapada entre la hiper-productividad intelectual y la necesidad de dejar de pensar.

En definitiva, esta obra no ofrece respuestas, pero sí espejos deformantes en los que verse reflejado con cierto vértigo y mucha risa incómoda.

¡Muy interesante para conocernos, un poco más, a nosotros mismos..!

La podemos ver, hasta el próximo día 14 del presente, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/shorts/WRMtOd_L2mc

La esperanza en tiempos de crisis

La dramaturga y directora Sara Mérida adapta y dirige “Duermen bajo las aguas”, una adaptación de la novela homónima de Carmen Kurtz sobre la esperanza en tiempo difíciles. Ya, en el Teatro Español. 

La dramaturga y directora Sara Mérida adapta y dirige “Duermen bajo las aguas”, una obra basada en la novela homónima de Carmen Kurtz, que gira en torno a la búsqueda de esperanza en tiempos de dolor y transformación. Ya la podemos disfrutar en el Teatro Español.

A través de la interpretación de las actrices Rebeca Hernando y Ainara Orgaz, la función narra la historia de Pilar, una joven de la Barcelona de principios del siglo XX, cuya existencia es irrevocablemente alterada por la irrupción de la guerra. En este convulso escenario, Pilar se ve forzada a madurar a un ritmo acelerado, enfrentándose a la dolorosa realidad de un amor ausente y la constante presencia de la pérdida.

La pieza profundiza en cómo este contexto bélico y el consiguiente desarraigo despiertan en ella una formidable fuerza interior y una consistencia mental que la impulsan a desafiar y romper con los roles tradicionales impuestos a las mujeres de su época. Además, a lo largo de la producción, en medio de la incertidumbre y el sufrimiento, la amistad emerge como un pilar fundamental ofreciéndole refugio y soporte.

Con todo ello, el montaje explora la resiliencia humana y la capacidad de encontrar esperanza incluso en los momentos más oscuros. Y es que, bajo la superficie del dolor y las experiencias traumáticas, los recuerdos y los anhelos de Pilar aún perviven y florecen, simbolizando la persistencia anímica y la capacidad de su espíritu para seguir adelante a pesar de las adversidades.

La podemos ver, hasta el próximo día 14 del presente, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=T1uaaWvVZFY