Sobre la historia de la rebelde ciudad íbera...

El reputado dramaturgo José Luis Alonso de Santos (“Bajarse al moro”, “La estanquera de Vallecas”)  adapta y dirige “Numancia”, la tragedia de Cervantes sobre la libertad, tanto de pensamiento, como de acción. Es teatro en verso. Ya, en los Teatros del Canal.

El dramaturgo y director teatral José Luis Alonso de Santos (“Trampa para pájaros”, “En manos del enemigo”, “La estanquera de Vallecas”, “Bajarse al moro” o “En el oscuro corazón del bosque) adapta y dirige el drama de Cervantes sobre la libertad “Numancia” ,en Teatros del Canal, tomando como tema central el hecho histórico de esta ciudad ibérica que resistió, hasta el final, el asedio de la cruel dominación del Imperio Romano, en el siglo II a.d.C, en el marco de las guerras celtíberas..

Su principal argumento reflexiona acerca de la libertad y cómo, aún, en las peores situaciones, se halla en las manos del ser humano, si se tiene la voluntad. En este caso surge como ejemplo en la voz del pueblo y en la mujer que propone un suicidio colectivo para frustrar la victoria romana. Y es que sin enemigo que vencer ni plaza que tomar, Roma obtendrá un triunfo exiguo sin gloria ni honor...  

Su historia se retrotrae hasta la antigua Numancia, una ciudad que, desde hace años, se resiste a ser conquistada por las legiones romanas. El general Escipión decide sitiarla para rendirla a base de hambre y sed. Mientras los soldados cavan un profundo foso alrededor de la localidad, varios emisarios numantinos piden a Escipión firmar la paz, pero éste, pura soberbia, se opone.

Sitiados, los augures locales predicen la caída de Numancia, pero sus líderes no pierden la esperanza y proponen a Escipión un combate para decidir la suerte de la guerra: el mejor numantino contra el mejor romano. Sabiendo que pronto tendrán que rendirse por la falta de víveres, Escipión vuelve a rechazar las peticiones arévacas.

Viéndose vencidos, el pueblo de Numancia, finalmente, aprueba matarse los unos a los otros y dar fuego su propia ciudad para no sufrir la derrota ante Escipión y evitar que ningún numantino se convierta en trofeo de guerra para Roma.

Y, la escena final, es la del niño numantino, que, al estilo del niño de “Los Miserables”, cuenta un resumen de la historia y “pasa” la voz al pueblo para que ésta no se olvide. El es el “ganador” de la batalle, reconoce el propio Escipión...

Desde mi humilde punto de vista, la obra se hace un poco larga. Y es que ya no estamos acostumbrados al teatro en verso...Pero lo cierto es que habiéndola acortado un poco, hubiera tenido más ritmo para los locos tiempos que corren...Así, conseguiría más fácilmente atraer a los jóvenes espectadores, tan reticentes a todo lo que huela a “Gran Cultura”...Con todo, estamos ante una gran producción teatral, al estilo de las de "siempre".

¡Imprescindible! para los amantes de lo teatrero clásico...

La podemos ver, hasta el primero de febrero, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=jh0A8X_B8f0

Ficha artística

Ubicación: Teatros del Canal - Sala Verde

• Autor - Miguel de Cervantes

• Dirección y versión - José Luis Alonso de Santos

• Dirección adjunta - Pepa Pedroche

• Diseño de escenografía - Ricardo Sánchez Cuerda

• Diseño de iluminación - Juan Gómez- Cornejo (AAI) y Ion Aníbal (AAI)

• Diseño vestuario - Elda Noriega (AAPEE)

• Música original y espacio sonoro - José R. Jiménez

• Ayudante de dirección - Lucía Bravo

• Auxiliar de dirección - Esther Berzal

• Ayudante de vestuario - Paula Fecker

• Ingeniero de sonido y audiovisual - Carlo González

• Realización de escenografía - Mambo decorados, Sfumato

• Vestuario - Peris Costumes

• Fotografías - MarcosGpunto

• Diseño gráfico - Eva Ramón

• Vídeo y teaser - Chicken Assemble Producciones

• Regidor - Pablo Garrido

• Técnico iluminación - Carlos Barahona

• Maquinista - Daniel Higuera

• Sastra - Isabel Turga

• Prensa y comunicación - María Díaz

• Prácticas producción - Irai Bosque, Alba Contreras y Lucía Tragacete

• Jefa de producción - Tanya Riesgo

• Dirección de producción - Carmen García y Graciela Huesca

• Producción ejecutiva y distribución - GG Producción Escénica

• Apoyo - Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro- Clásicos en Alcalá

• Colaboración - Ayuntamiento de Madrid- Centro Cultural Eduardo Úrculo

• Producción - Comunidad de Madrid para Teatros del Canal

Reparto:

• Teógenes - Arturo Querejeta

• Escipión - Javier Lara

• Covino, voz en off - Jacobo Dicenta

• La Fama, madre con hijos - Pepa Pedroche

• España, numantina - Karmele Aranburu

• Marquino - Manuel Navarro

• Delegado del pueblo, hambre - Carlos Lorenzo

• Mario - Jesús Calvo

• Yugurta - David Soto Giganto

• Lira - Ania Hernández

• Morandro, soldado romano - Andrés Picazo

• Leandro, soldado romano - José Fernández

• La Guerra, numantina - Carmen del Valle

• Virino, numantina - Esther del Cura     

• Muerto, río Duero, numantino - Carlos Manrique       

• Servio, numantino - Pepe Sevilla

• Consejero, soldado escolta - Alberto Conde

• Soldado romano, numantino - Guillermo Calero

• Numantina - Esther Berzal

Sobre la zarzuela bufa

“Los Bufos Madrileños” es una obra de teatro clásico acerca de la figura de Francisco Arderius y la zarzuela bufa “Los órganos de Móstoles” con dirección y dramaturgia de Rafa Castejón. Ya, en el Teatro de la Comedia.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico representa “Los Bufos Madrileños”, en el Teatro de la Comedia, un espectáculo que recuerda a la figura de el músico Francisco Arderius y la zarzuela cómica “Los órganos de Móstoles”.

La obra cuenta con dirección y dramaturgia a cargo de Rafa Castejón y con la interpretación de los actores Clara Altarriba, Chema del Barco, Antonio Comas, Paco Déniz, Eva Diago, Beatriz Miralles, Alejandro Pau, Cecilia Solaguren y el propio Rafa Castejón.

Francisco Arderius Bardán (Evora, Portugal, 1835 - Madrid, 1886) fue un músico, empresario e intérprete famoso por ser el introductor en nuestro país de la fórmula de la ópera bufa de Offenbach. Este estilo de teatro musical breve, divertido y con dosis picantes fue todo un éxito popular en los convulsos años que antecedieron y sucedieron a la revolución de 1868, la Gloriosa.

Fue el fundador de la compañía los Bufos Madrileños, que más tarde se llamaría Bufos Arderius, y que realizó grandes montajes hasta 1873, cuando se decidió su disolución después de “El tributo de las cien doncellas”, con música de Francisco Asenjo Barbieri (“Los diamantes de la corona”, “Mis dos mujeres”).

La podemos ver, hasta el próximo 25 de enero, en el Teatro de la Comedia.

https://www.youtube.com/watch?v=sRwrOExxAiM

Lo que nos vendrá después...

La compañía La Zaranda presenta “Todos los ángeles lanzaron el vuelo”, una obra de teatro que habla de mirar la periferia, también desde la periferia, para ver el cielo. Pronto, en Nave 10 Matadero.

El espacio cultural Nave 10 Matadero pronto nos ofrecerá la nueva creación de la compañía La Zaranda (“Agobio”,”Carablanca”), con la dirección de Paco de La Zaranda. Una pieza que habla de mirar la periferia, también desde la periferia, para ver el cielo...

Como pícaros de la tradición teatral, esta compañía, digamos, alternativa, está más viva que nunca en esta pieza que habla de mirar la periferia, también desde la periferia, para ver el cielo, que es un universo luminoso sobre lo que nos vendrá después, según ellos.

La obra está escrita por Eusebio Calonge y dirigida por Paco de La Zaranda.

En sus comienzos buscaban la creación de piezas abiertas con el objetivo de comunicarse con el público. Los procesos de creación se basaban en la investigación y experimentación. Para ello, pasaban largos períodos encerrados en La Nave, "un viejo almacén de grano que estaba a las afueras de la ciudad, donde solo llegaba el martilleo del tonelero, el canto de los gallos y el tren que cruzaba el horario de los ensayos."

Los procesos creativos de La Zaranda no suelen tener un período de tiempo establecido ni fechas de estreno. Para ellos el montaje de un espectáculo es algo que hay que dejar crecer lentamente para no entorpecer la creación. Durante el desarrollo de la obra, van descartando lo más superfluo hasta quedarse con lo esencial. El texto también es algo mutable ya que nace, se compone y se recompone a lo largo de la creación artística. El punto de partida en estos procesos creativos es su signo de identidad. El imaginario colectivo de la cultura andaluza está reflejado en sus obras a través del flamenco, la Semana Santa o el carnaval y el vino... A pesar de esto, sus obras suelen estar desnudas de tópicos y folclorismos.

La podremos ver, del 8, al 25 de enero, en Nave 10 Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=04-9lDIN6bU

La violencia contra ellas

Mariano Llorente adapta y dirige “Noche”, una versión de la novela homónima sobre las violencias estructurales del siglo XIX. Pronto, en el Teatro Español.

Mariano Llorente (“Nuestros Muertos”, “Una humilde propuesta” o “El Triángulo Azul”) adapta y dirige “Noche”, una versión de la novela homónima de Alejandro Sawa. Una pieza que desnuda las violencias estructurales del siglo XIX, especialmente hacia las mujeres. Una obra que, pronto, podrá verse en el Teatro Español.

El montaje narra la historia de don Francisco, un padre autoritario y profundamente religioso que intenta mantener el orden moral de su familia a través de la represión y la fe. En una España marcada por la miseria, el hambre y la hipocresía social, su obsesión por las apariencias y la virtud termina destruyendo aquello que más quería proteger: su propia familia.

La producción retrata con crudeza los efectos dañinos del fanatismo religioso, el machismo estructural y la violencia de las normas sociales impuestas. Las mujeres, además, aparecen como víctimas silenciadas, reducidas a sirvientas sexuales y domésticas, con únicas salidas en la prostitución, el adulterio o el chantaje.

Escrita en 1888, se trata de una obra literaria clave para entender el naturalismo español de finales del siglo XIX, criticando al catolicismo y a sus representantes y la ética decadente de una población que utiliza las apariencias y la religión para encubrir abusos y desigualdades.

El viernes 23 de enero se ha organizado una función accesible con audio-descripción, bucle magnético, sobre-títulos para sordos y sonido amplificado. Para garantizar una correcta visibilidad, los espectadores que deseen hacer uso del sobre-titulado deben evitar las primeras filas. Se recomienda adquirir entradas a partir de la fila 5.

La podremos ve, del 8 de enero, al 1 de febrero, en el Teatro Español.

 

La nueva magia

El aclamado ilusionista español Jorge Blass presenta “Ilusionarte”, su nuevo espectáculo el cual supone un viaje a la más pura esencia del ilusionismo. Ya, en el Gran Teatro Pavón.  

El aclamado ilusionista español Jorge Blass vuelve a sorprender al público con su nuevo espectáculo, “Ilusionarte”, que supone un viaje a la más pura esencia del ilusionismo. Un show que ya podemos ver en el Gran Teatro Pavón.

Jorge Blass presenta ilusiones imposibles nunca antes vistas con las que el público jugará, fantaseará y participará en las experiencias mágicas de una manera totalmente interactiva. El famoso ilusionista regresa al escenario con la intención de dejar al público sorprendido con su repertorio más personal que incluye ilusiones originales en el que supone el espectáculo más íntimo y cercano de Jorge.

Nacido en Madrid en 1989, Blass es un mago cuyo nombre real es Jorge Sánchez Blas. Con tan solo doce años empezó a estudiar en la Gran Escuela de Magia Ana Tamariz, dirigida por la hija de Juan Tamariz. En el año 2000 comenzó su andadura por las televisiones apareciendo en programas como Megatrix, Zona Disney, Lo + Plus o Un domingo cualquiera.

Más tarde dirigió y presentó durante tres temporadas Nada x Aquí de Cuatro, entre 2005 y 2008, un espacio que en 2007 fue galardonado con el Premio Zapping al mejor programa de entretenimiento. Fue asesor mágico del musical La Bella y la Bestia, representado en el Teatro Calderón de Madrid entre 2007 y 2008, y también fue colaborador de Por arte de magia de Antena 3, conducido por Anna Simon, en 2013.

Durante su trayectoria ha conseguido el Premio SARMOTI al talento más prometedor en Las Vegas (Estados Unidos), el Primer Premio Internacional de Magia en Portugal y la Varita de Oro de Montecarlo (Mónaco) 1996. También ha publicado dos libros: Magia para no dejar de soñar y La fuerza de la ilusión. Por otra parte, es miembro fundador y patrono de la Fundación Abracadabra de Magos Solidarios, una organización sin ánimo de lucro que brinda funciones a niños hospitalizados, ancianos en residencias y discapacitados psíquicos y físicos.

El espectáculo que nos ocupa es de lo mejor que en magia he visto en los últimos años. Comienza con pequeños números en los teléfonos móviles de los espectadores y termina con los números grandes. Además, su don de enorme comunicador y don de gentes le dan un plus inigualable...

Lo podemos ver, hasta el próximo día 11 del presente, en el Gran Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=m7fyJOgVBug

Lolita versus García Lorca

La actriz y cantante Lolita Flores (premio Goya a la Mejor Actriz de Reparto 2002 por “Rencor”) representa, en el Teatro Bellas Artes, el monólogo “Poncia”, escrito y dirigido por Luis Luque (“Todas las noches de un día”, “Marat Sade” o “Las criadas”) que ofrece una profunda reflexión del personaje de Poncia de “La casa de Bernarda Alba”, de Federico García Lorca.

La obra “Poncia”, del dramaturgo Luis Luque, se compone de las intervenciones de Poncia en la función original, transformándolas en soliloquios y diálogos con fantasmas y sombras. Además, su enfoque se posiciona después de la muerte de Adela, lo que proporciona un nuevo punto de vista dentro de la historia. Es una de las hijas de la obra “La casa de Bernarda Alba”, de García Lorca.

Poncia se convierte en una mujer que desata su lengua en un lugar y un tiempo donde las palabras están prohibidas. Ella confronta a las otras habitantes de la casa, revelando su simpatía hacia la hija más joven y lamentando no haber hecho más de lo que hizo. Y es que como la criada que era, posee un enigma interesante: el ser testigo de los eventos que ocurren entre sus amos, conocer la verdad que se oculta en sus muros y gozar de esa filosofía de las clases populares.

Con ello, la protagonista va hablando sobre temas como el suicidio, la libertad, la culpa, la educación o el sexo con la fuerza de una persona que ha sido maltratada y silenciada. Y todo para transmitir la necesidad de amar y abrazar la libertad y compartirla con los demás.

Con, una escenografía sencilla, es un pedazo de texto, con el que Lolitase desenvuelve bien, aunque en los momentos en los que ha de mostrar su rabia, debería ser más contundente. Es entonces cuando demuestra que no es una actriz de raza. Un artista, sí, pero no una actriz de las de toda la vida.

No obstante, el resultado es bueno y merece la pena verla.

https://www.youtube.com/watch?v=NGXeQGZmkJo

Ficha artística:

• Texto: Luis Luque (A partir de "La Casa de Bernarda Alba" de Federico García Lorca)

• Dirección: Luis Luque

• Reparto: Lolita Flores

• Diseño de espacio escénico: Mónica Boromello

• Diseño de iluminación: Paco Ariza

• Composión de música original: Luis Miguel Cobo

• Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Huertas

• Ayudante de dirección: Álvaro Lizarrondo

• Fotografía: Javier Naval

• Productor: Jesús Cimarro

• Una producción de Pentación Espectáculos y Teatro Español

Cómo el Hombre se cuida inter-generacionalmente

El colectivo Eléctrico presenta “Komunumo, un vuelo entre generaciones”, una fábula poética sobre el cuidado entre generaciones . Pronto, en el Teatro de La Abadía.

El Colectivo Eléctrico pronto, presentará, en el Teatro de La Abadía, “Komunumo. Un vuelo entre generaciones”, una fábula escénica sobre el cuidado entre generaciones y la armonía comunitaria con humor, títeres y poesía visual.

Se trata de la continuación de su anterior obra, "Full House", y su historia se desarrolla en una comunidad tan improbable como entrañable: un viejo simio, dos caballos trabajadores que nunca se toman vacaciones y un joven mapache músico que vive con una energía desbordante. Juntos han creado una forma de vida solidaria y cordial. Pero todo se ve sacudido con la inesperada llegada de un huevo de ave tropical. ¿Podrán adaptarse al cambio sin perder el equilibrio logrado?

Dirigido por Ana Redi-Milatovic y Jordi Solé, el montaje es una apuesta por un teatro accesible y visual, que mezcla máscaras de animales, música en vivo, teatro físico y, como novedad en el repertorio del grupo, títeres. El resultado es una pieza de gran formato que mantiene la cercanía y la calidez que caracterizan el estilo de Eléctrico 28, una formación que convierte lo cotidiano en extraordinario con el fin de reflexionar, desde la ligereza y el juego, sobre cómo los pequeños gestos pueden sostener modelos de vida más amables y estables.

Por otro lado, esta producción ha contado con la colaboración del Institut Català de les Empreses Culturals (Generalitat de Catalunya), Stadt Graz Kultur, A9 Land Steiermark Kultur y BMKÖS.

Eléctrico 28 es un conjunto de artistas catalanes y austriacos que generan montajes combinando diversas artes escénicas como el clown, el teatro físico, el arte urbano y la danza. Todo con el objetivo de transformar el espacio público y ofrecer diferentes maneras de ver y vivir la vida. Otros de sus proyectos son “Entre tazas,” “Sosamma” o “Momentos estelares de la Humanidad”, por destacar los más remarcables...

La podremos ver, del 20, al 28 de diciembre, en el Teatro de La Abadía.