jueves, 9 de enero de 2025

Loquísima comedia mundana

Ultima planta es una loca comedia mundana y algo celestial en la que se defiende que en el cielo, todo el mundo tiene cabida. La protagoniza el archi-conocido actor cómico Fernando Bodega. Ya, en el Teatro Lara.



Basada en la obra de micro teatro ¡No sin mis Tacones! del mismo autor, José Warletta. Ultima planta tiene el mismo elenco de la exitosa obra teatral Santas y perversas, también programada por el Teatro Lara.

Argumento: En la Antesala del Cielo, Herminia, una mujer que ha dedicado su vida a Dios, aguarda impaciente el momento de encontrarse cara a cara con el Creador. Muy pronto descubrirá que no es la única que espera, Margot una travesti prostituta y descarada llegará para hacerle compañía ante su incrédula mirada. Pero ella no será la única: poco a poco, el ascensor se irá abriendo para dejar entrar en esta Ultima Planta a otras almas peculiares: Carmen una flamenca desubicada y muerta en extrañas circunstancias y a Paquito un joven al que su ascensión al cielo le ha pillada todavía “colocado”.



Por su parte, Gabriel, un ángel maniático y torpe que oculta un deseo inconfesable será el encargado de guiarlos hasta el siguiente nivel, aunque por momentos no será nada fácil. Juntos tendrán que hacer frente a sus anhelos, deseos y cuentas pendientes para poder acceder cada uno a su cielo particular donde la eternidad será su recompensa...



Todo el mundo cabe en esta loca planta...Sobre todo, los divertidos personajes, como el del conocido actor Fernando Bodega, ya un habitual de las obras de este céntrico y clásico teatro.

La podemos ver los domingos de enero y febrero, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/watch?v=4R0rd7kfvOU





Llega el Ballet Estatal de Viena

Bajo la dirección de Martin Schläpfer, el Wiener Staatsballett (El Ballet Estatal de Viena) presenta dos excelsas coreografías conjuntas: Concertante 4. En mayo, en el Teatro Real.



El Teatro Real acogerá, en mayo (el mes de las flores), un programa doble de danza a cargo del virtuoso Ballet Estatal de Viena (Wiener Staatsballett) que dirige, desde la temporada 2020/21, el coreógrafo suizo Martin Schläpfer, ganador de múltiples premios, creador de más de ochenta ballets para las compañías de danza con las que ha trabajado y que goza de gran popularidad entre el público aficionado al ballet.

Dos grandes coreografías interpretadas por el Ballet Estatal de Viena: Concertante, una danza en la que ocho bailarines conectan y desconectan entre sí como piezas de un rompecabezas; y 4, una coreografía a ritmo de una sinfonía mahleriana que representa un gran homenaje al cuerpo de ballet de la Ópera de Viena.



En la primera coreografía, Concertante, estrenada en el Nederlands Dans Theater 2 de La Haya, el 13 de enero de 1994, el coreógrafo holandés Hans van Manen, uno de los coreógrafos más importantes de nuestro tiempo, crea una perfecta interacción y una completa armonía entre la danza y la música de la Petite Symphonie Concertante compuesta por Frank Martin. En ella, cuatro parejas atraviesan los distintos momentos del amor, la seducción y la devoción, la atracción y el retraimiento, la intimidad y la extrañeza.



La segunda coreografía del programa doble, 4, es creación del director de la compañía de ballet, Martin Schläpfer, y fue estrenada en Viena el 4 de diciembre de 2020. Su nombre le viene dado porque coreografía la música de la Sinfonía número 4 en sol mayor de Gustav Mahler. Un centenar de bailarines se despegan del fondo y se deslizan acompañados por la música de los últimos compases de la Cuarta de Mahler creando imágenes fantásticas con el movimiento de sus brazos y sus cuerpos.

Lo podremos ver, del 23, al 25 de mayo, ambos inclusive, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=2R_-ywCBOsA


Programa:


  • Orquesta Titular del Teatro Real

Concertante

  • Música - Frank Martin (1890-1974)

  • Estrenada en el Nederlands Dans Theater 2 de La Haya el 13 de enero de 1994

  • Coreografía - Hans van Manen

  • Escenografía y vestuario - Keso Dekker

  • Iluminación - Joop Caboort

  • Maestro repetidor - Nancy Euverink

4

  • Música - Gustav Mahler (1860-1911)

  • Estrenada en Viena el 4 de diciembre de 2020

  • Coreografía - Martin Schläpfer

  • Escenografía - Florian Etti

  • Vestuario - Catherine Voeffray

  • Iluminación - Thomas Diek

  • Solista - Marina Monzó


Una obra total

El Teatro Bellas Artes ofrece Rabia, una adaptación de la aclamada novela homónima del argentino Sergio Bizzio, de la mano del laureado director y actor Claudio Tolcachir en colaboración con Lautaro Perotti, María García de Oteyza y Mónica Acevedo.




Rabia, en el Teatro Bellas Artes, es una historia que se interpreta en forma de monólogo y tiene como protagonista a José María (Claudio Tolchair: El ardor, Una especie de familia, Que todo se detenga), un obrero que, un buen día, conoce a Rosa, una empleada doméstica en la mansión de los Blinder. Ambos se enamoran y, cuando José María es acusado de un crimen, este decide esconderse en la buhardilla del caserón de los Blinder.

Allí, permanece tratando de pasar inadvertido para los Blinder y sus visitas ocasionales. Pero no será tarea fácil ya que tiene que ingeniárselas para alimentarse, bañarse, desplazarse por la casa o mantener su romance con Rosa. De este modo, y dentro de un ambiente claustrofóbico, se exploran los límites de la moralidad y se cuestionan los conceptos de justicia y redención. Además, a medida que el protagonista avanza en su búsqueda interior, se adentra en un mundo oscuro y violento que lo obliga a enfrentarse a sus propios demonios.



Una obra maestra, escrita y, ahora, adaptada por maestros e interpretada por un idem de la escena.

Anteriormente, la vi en el Teatro Abadía y puedo decir que es una obra total y absolutamente sincera.

La podemos ver, los días 20,21,27 y 28 de enero, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/shorts/nQFU0fR9ddY



miércoles, 8 de enero de 2025

Una comedia interactiva de “jardines”

La comedia interactiva Jardines se compone de cinco personajes, a través de una batería de preguntas, interrogan al público sobre el amor, el tiempo, el miedo, su presente y los recuerdos. Tras las preguntas se suceden breves entrevistas realizadas a cinco voluntarios del público asistente a la función. A partir de sus respuestas, los cinco personajes protagonistas imaginan y recrean posibles escenas teatrales basadas en dicha entrevistas. Entrevistas que, al igual que las preguntas, giran en torno a cómo afrontamos nuestro presente, y más concretamente cómo afrontamos el amor, el miedo o el paso del tiempo.



A partir de ahí, los personajes de Jardines se adentran en un jardín desconocido, inesperado, buscando respuestas para sus dudas, sus miedos y sus anhelos.

Jardines es parte de las ganas de saber más, de preguntar, de preguntarnos, de «meternos en jardines» y explorarlos, conquistarlos, habitarlos, o simplemente… pasearlos.



“… ¿Eliges al lado de quién te sientas en el autobús?¿Cuánto hace que no te comes una paella sin que alguien le haga una foto antes? ¿Alguna vez has tenido un ataque de ansiedad? ¿Has amado en silencio durante un tiempo prolongado? ¿Está tu generación condenada al hedonismo? ¿Buscas o has buscado síntomas y enfermedades en internet? ¿Cuántos minutos de tu tiempo regalas a lo largo del día a personas que no te importan lo más mínimo? ¿Crees que una obra de teatro tiene que cambiarte la perspectiva del tiempo o que está bien con que simplemente no sea un coñazo? ¿Qué pasa exactamente si la cagas?…”

La podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/shorts/6OxpVi4K-XQ






 

La nueva versión coreografiada de Marian Pineda

El Ballet Flamenco de Andalucía presenta Pineda, una versión de la obra de Federico García Lorca Mariana Pineda, que recuerda al conocido personaje histórico y que, en este caso, ahonda en los fundamentos de libertad e igualdad frente al autoritarismo. Un montaje liderado por la coreógrafa Patricia Guerrero que, pronto, podrá verse en el Centro Danza Matadero.



Escrita entre 1923 y 1925, y estrenada en 1927, la obra de teatro de Gª Lorca Mariana Pineda es retomada aquí por la directora Patricia Guerrero (natural de Granada como Mariana Pineda) ofrece su propia adaptación de una pieza que homenajea a esta granadina del siglo XIX que se convirtió en un emblema liberal contra la restauración absolutista en España por parte del rey Fernando VII.

Y es que el argumento se centra en cómo Mariana Pineda, de 26 años, es detenida por la policía por defender la causa liberal y democrática tras encontrar en su casa una bandera con las palabras Libertad, Igualdad y Ley. Enseña que fue cosida por mujeres del barrio del Albaicín. En medio de las protestas de la población, Mariana fue juzgada y condenada a morir por garrote vil. Por ello, se convirtió en una mártir y un símbolo popular de la lucha contra la falta de libertades.



El Ballet Flamenco de Andalucía es el máximo representante institucional del arte jondo en la Comunidad y ha ejercido de embajador del flamenco desde su creación en 1994. En este tiempo ha girado por multitud de países como Estados Unidos, Argentina, Cuba, Francia, Italia, Hungría, Suiza o México y ha sido la plataforma de instrucción de innumerables talentos como Israel Galván, Rafael Campallo, Belén Maya, Mercedes Ruiz, María José Franco o Rafaela Carrasco.



La directora del Ballet Flamenco de Andalucía desde 2023 es Patricia Guerrero, una bailaora que se inició en el flamenco a la edad de tres años de la mano de su madre, la también bailaora María del Carmen Guerrero. Nacida en Granada en 1990, en 2010 entró en la Compañía de Rubén Olmo, para después convertirse en la primera bailarina del Ballet Flamenco de Andalucía. En 2021 protagonizó La Bella Otero, como artista invitada del Ballet Nacional de España, y recibió el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación. Además, trabajó con el cineasta Carlos Saura en el espectáculo Flamenco hoy y la película Flamenco, Flamenco

Lo podremos ver, del 6, al 16 de febrero, en el Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=GRoqeG1Dy7Q






Acerca de nuestra Guerra Civil

El Premio Nacional de Teatro 2019, Andrés Lima, en el Teatro Valle-Inclán, 1936, una obra que revisa la Guerra Civil y sus consecuencias, utilizando el arte escénico como una herramienta para comprender y transmitir la complejidad del conflicto. Un espectáculo que tiene una duración de 4 horas y 30 minutos y un reparto donde destacan las actuaciones estelares de Blanca Portillo, Alba Flores y Guillermo Toledo, entre otros grandes intérpretes.



Con la participación de Antonio Durán “Morris”, Alba Flores, Natalia Hernández, María Morales, Paco Ochoa, Blanca Portillo, Guillermo Toledo, Juan Vinuesa y la Asociación Juvenil Coro de Jóvenes de Madrid, 1936 nace de la necesidad de recuperar la memoria histórica y de ofrecer una visión más completa y objetiva de este suceso. Y es que conocer el pasado, permitirá construir un futuro más justo y equitativo.

La Guerra Civil española estalló en 1936, siendo un profundo y sangriento conflicto que dejó una huella imborrable en la sociedad española. El golpe de Estado militar contra el gobierno republicano desencadenó una guerra fratricida que duraría tres años y marcaría el rumbo de España durante décadas.



Más allá de la simple confrontación entre vencedores y vencidos, la Guerra Civil fue un drama humano de proporciones colosales: bombardeos indiscriminados, ejecuciones extrajudiciales, exilio, la ruptura del tejido social... Todos estos acontecimientos fueron la triste realidad de aquellos años. Ahora el teatro, como medio de expresión y reflexión, se convierte en una vía para acercarnos a esa dolorosa etapa de nuestra historia y entender las emociones y vivencias de quienes las sufrieron.



Y yo me pregunto, después de haber visto estas cuatro horas y media de obra: ¿Es tan necesaria...? Por favor, que nadie me mate, metafóricamente hablando, claro está, después de tantos muertos por ambos bandos...Hemos visto decenas de películas sobre este tema. Se estudia ampliamente en los colegios. Es cierto que en teatro, apenas si se ha tocado. Eso es cierto. Pero es que yo la encuentro demasiado discursiva y poco dramática. Es como una lección de Historia. Eso sí, muy bien contada discursivamente, como en una clase. Pero eso no es teatro. Es un discurso y, además, bastante ideológico.

No obstante, ni que decir tiene, que el casting es impecable, de alta calidad. Pero con eso no se salva un texto que pretende ideologizar...Tanto peca la “derechona” por manipular la información histórica la respecto, como la izquierda, a la hora de intentar ser objetiva. Pero es que la objetividad no existe. Un acercamiento a ella si es posible y esta obra lo intenta...



Mira, te voy a decir...Para mí, lo mejor de la obra es la escena en la que el criminal Franco (porque era un gran pedazo de psicópata criminal, como todos los de su estilo, que se vengó de su padre utilizando a una parte de la sociedad) se ha de enfrentar a su padre. Ese es el quid de la cuestión...

No sé, no me convenció: me pareció larguísima y un pelín espesa y con muchos detalles, que no están mal para no olvidar, pero en cuatro horas y media....¡Jopé...!

Hay que resumir, resumir y dar en el clavo, en todas las artes. Porque, como en la moda, menos es más...

La podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=1VZ98ApcRSY




Ficha artística:


Ubicación: Teatro Valle-Inclán - Sala Grande

  • Texto Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga

  • Dramaturgia Albert Boronat y Andrés Lima

  • Dirección Andrés Lima

  • Reparto Antonio Durán “Morris”, Alba Flores, Natalia Hernández, María Morales, Paco Ochoa, Blanca Portillo, Guillermo Toledo, Juan Vinuesa y la Asociación Juvenil Coro de Jóvenes de Madrid

  • Escenografía y vesturario Beatriz San Juan

  • Iluminación Pedro Yagüe

  • Composición musical Jaume Manresa

  • Espacio sonoro Kike Mingo

  • Videocreación Miguel Ángel Raió

  • Caractererización Cécile Kretschmar

  • Ayudante de dirección Laura Ortega

  • Productor Joseba Gil

  • Producción Centro Dramático Nacional, Check in Producciones y El Terrat

  • Tráiler y fotografía - Bárbara Sánchez Palomero




Sobre lo complejo de las relaciones humanas

El director de escena José María Esbec dirige Viento fuerte, una adaptación de esta obra poética del premio Nobel de Literatura 2023 Jon Fosse. Ya la podemos disfrutar en el Teatro Español.



El director escénico José María Esbec (El jardín del Edén o Pulmones) dirige Viento fuerte, una adaptación de Cristina Gómez Baggethun sobre la obra poética del premio Nobel de Literatura 2023, el dramaturgo noruego Jon Fosse. Una obra que ya podemos ver en el Teatro Español.

Se trata de una pieza escrita en forma de poema dramático y en la que se abordan temas profundos y existenciales como el tiempo, el amor, los celos y la muerte prematura. La trama sigue a un personaje llamado el Hombre, que al regresar a su hogar tras un viaje descubre que la Mujer, con quien tiene una relación, se ha mudado a una nueva casa. Allí se encuentra con un Joven que también tiene una relación con la Mujer y parece vivir con ella, generando un ambiente de tensión, confusión y traición.



El montaje no presenta los eventos de modo directo, sino que emplea un estilo abstracto y atmosférico, donde el tiempo y el espacio parecen diluirse, desarrollando una sensación de ambigüedad y confusión. El diálogo es contenido, las acciones son sutiles y los silencios cobran gran importancia, con lo que se crea un ambiente que es casi como un "mal sueño".



Con ello se indaga en las emociones de sus personajes de una manera intimista, explorando las tensiones que surgen de la incertidumbre, los celos y el miedo a la separación. Y todo bajo un prisma poético y filosófico que busca analizar la fragilidad y la complejidad de las relaciones humanas.

La podemos ver, en el Teatro Español, hasta el 2 de febrero.

https://www.youtube.com/watch?v=T5K3-thVK_s&t=3s