Una comedia ligera sobre la pareja

El mítico madrileño Teatro Bellas Artes ofrece la comedia La ilusión conyugal, comedia interpretada por tres conocidos actores: el guaperas (que no tanto) Alejo Sauras, Alex Barahona y Ángela Cremonte. Dirigida por Antonio Hortelano (el rebelde Quimi en la serie Compañeros), esta pieza teatral habla de las mentiras, el amor, las infidelidades.

Las relaciones de pareja, el amor, la amistad y la mentira son temas recurrentes utilizados por muchos autores para sus obras, pero pocos consiguen ofrecer un texto con un diálogo tan directo y ágil, tan lleno de sorpresas y revelaciones, como el que Eric Assous ha logrado con La ilusión conyugal. Una obra como la vida misma, con un sentido del humor único que cuenta verdades absolutas sobre la condición humana.

Una graciosa obra donde las apariencias engañan y no es oro todo lo que reluce, donde el espectador no sabe bien distinguir la verdad de la mentira. Una comedia trágica repleta de una ambigüedad que fortalece la profundidad de cada uno de los personajes, seres de carne y hueso, con sus virtudes y defectos, enfrentándose a su propia y cruda realidad.

¿Es realmente necesario saber todo sobre nuestra pareja? ¿Hasta dónde debemos conocer sus secretos más íntimos? ¿Es la verdad un requisito importante y necesario para la felicidad? ¿Dónde empieza y termina una mentira? El amor, la pasión, ¿son realmente más fuertes que la razón? ¿Qué pasa cuando un ser humano se siente sobrepasado por la situación? ¿Y cuándo decide enfrentarse a sus miedos y a los de los demás?

Con estas premisas, me enfrenté a la obra lleno de expectativas, que, poco a poco, se fueron desinflando, pues, ni el texto es tan brillante como se anuncia, ni la dirección de actores es notable y ni la interpretación de éstos es sobresaliente. Estos recitan, no interpretan y esto es lo peor que puede hacer un actor en el escenario, frente ca un público que espera creerse los personajes. ¿Pero por qué recitan estos actores, cuando todos ellos son solventes..? No se nos ocurre otra cosa que decir que porque están mal dirigidos...Una pena para una comedia, que no es la repera, pero que podía estar mejor...

La podemos ver, hasta el 7 de enero, en el Teatro Bellas Artes.

¡OMG, vuelve la Carrá!

El teatro Capitol Gran Vía ofrece el musical Bailo Bailo, con canciones de la popular showwoman italiana Raffaella Carrà. La producción corre a cargo de Federico Bellone, a partir de la película Explota Explota, dirigida por Nacho Álvarez, en 2020. Lo podemos ver en el excelso Teatro Capitol.

Bailo Bailo es todo un homenaje a la carrera de la cantante y presentadora de TV italiana Raffaella Carrá, que cuenta con la presencia de artistas tan importantes como Lydia Fairén, Natalia Millán, Naím Thomas o Pepa Lucas, entre otros. Es una celebración viva del mito de la artista italiana que se ha convertido en un proyecto internacional paneuropeo en el que participan productoras italianas, españolas y holandesas, como Tornasol Sl, Sunset Ent Sl, Mas Srl y Dreamcatcher Bv.

El argumento narra la historia de María, una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad, a principios de los años setenta, que vive en una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Es una oportunidad para descubrir cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad, a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà, quien, pese a ser requerida en Hollywood por su temprano talento, prefirió quedarse en “casa” y, desde ella, consiguió un éxito mundial, especialmente, europeo.

Con seis protagonistas que se buscan a sí mismos, la historia cuenta cómo es su camino, de su crecimiento humano, profesional y de su éxito en tres localizaciones diferentes de donde proceden tres de los personajes principales: María de Italia, Pedro y Rosabella.

He de reconocer que entré al musical sin grandes esperanzas de ver algo de calidad. Pero, sorpresa, salí encantados. En primer lugar, porque se trata de una gran producción, de un gran proyecto. En segundo, porque particularmente, me encanta el baile y las buenas coreografías. Y en tercer y último lugar, porque la historia me parece encantadora y porque los artistas lo son como la copa de un pino. Y no soy precisamente fan de la Carrá, aunque reconozco su gran mérito...¡Queda dicho..!

Lo podemos ver, durante toda la temporada, en el Teatro Capitol.

Los primeros Ron Lalá

La formación Ron Lalá presenta el espectáculo Ron Lalá 4x4, en el realiza un resumen-compendio de sus cuatro primeras obras. Lo podemos ver en el Teatro Fernán Gómez Centro-Cultural de la Villa.

La prestigiosa formación Ron Lalá presenta el espectáculo Ron Lalá 4x4,en el que resume sus cuatro primeras obras: Mi misterio del interior, Mundo y final, Time al tiempo y Siglo de Oro, siglo de ahora.

Se trata de un recorrido por las mejores escenas de los montajes que la consolidaron como una de las compañías más premiadas y aclamadas por la crítica y el público. Además, el día 21 de diciembre cuenta con un encuentro con los espectadores al término de la representación y los días 19 de diciembre y 11 de enero se han organizado funciones matinales y de campaña escolar.

Ron Lalá es un grupo que se ha destacado por su originalidad y creatividad en la escena teatral. Fue fundado en Madrid en 1996 por Álvaro Tato y Cristian Garma con la intención de fusionar la poesía, la música, el teatro y la sátira social. Su nombre proviene de un juego de palabras con la expresión "rondalla", que es un conjunto musical típico de España.

Así, sus producciones suelen abordar temas sociales, políticos y culturales de la actualidad española y global de manera irónica y crítica y buscando un enfoque ingenioso y reflexivo. Algo a lo que se une música en vivo, que va desde el rock y el pop hasta ritmos folclóricos españoles. Entre sus piezas más conocidas se hallan En un lugar del Quijote, ¡Shhh! La reina del silencio o Cervantina.

Lo podemos ver en el Teatro Fernán Gómez, del 14 de este mes, hasta el 14 de enero próximo.

Escenas de ¿Matrimonio?

Los conocidos y laureados actores Ricardo Darín y Andrea Pietra dan vida a los personajes de la comedia Escenas de la vida conyugal, que vuelve nuestros escenarios por enésima vez, una comedia sobre el matrimonio bajo la dirección de la directora escénica y popular actriz argentina Norma Aleandro. La podemos ver en el castizo Teatro Infanta Isabel.

Los actores Ricardo Darín y Andrea Pietra dan vida a una comedia sobre el matrimonio. Una comedia escrita por el ya desaparecido director de cine Ingmar Bergman (Fresas salvajes, Fanny y Alexander) que cambió para siempre la concepción de la palabra matrimonio y que cuenta con la dirección de la conocida  dramaturga, directora escénica y popular actriz argentina Norma Aleandro.

Dentro de un marco intemporal, Juan y Mariana narran a los espectadores sus relaciones personales durante su matrimonio y después una vez divorciados. Una secuencia de escenas en la que muchos asistentes se verán reflejados por la cercanía de los hechos. Además, su ironía y la acidez de sus diálogos aportan un toque humorístico a los siempre difíciles problemas del corazón.

El director sueco concibió Escenas de la vida conyugal como una miniserie para la televisión sueca con Liv Ullman y Earlan Josephson como protagonistas. Su versión, de unas cinco horas de duración, fue presentada en seis capítulos en 1973, cosechando una audiencia espectacular.

Gracias a ello, importantes productores pidieron a Bergman reducir la miniserie a una película que, una vez estrenada, obtuvo varios premios como el Globo de Oro y un premio BAFTA. Tiempo después, el propio Bergman adaptó el guion cinematográfico al formato teatral.

Por su parte, Norma Aleandro, primera dama de la escena argentina y directora de esta versión, se encargó de protagonizar la obra en el año 1992 junto a Alfredo Alcó marcando uno de los hitos teatrales de la cartelera porteña.

La podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, hasta el día 17 de este mes.

Cómo liberarse de las emociones familiares

El prestigioso director escénico Mario Gas dirige un drama sobre la confrontación y liberación emocional con un reparto liderado por la mítica actriz Nuria Espert . ¿Su título?: La isla del aire. (La Celestina, Quién teme a Virginia Wolf). La podemos ver en el madrileño (Teatro Español.

El prestigioso director Mario Gas dirige un drama escrito por Alejandro Palomas que profundiza en el descubrimiento, la confrontación y la liberación emocional dentro de la familia: La isla del aire. Una obra que cuenta con un reparto liderado por la actriz Nuria Espert y que que se puede ver del 8 de diciembre al 14 de enero en el Teatro Español con funciones de martes a domingos.

Su historia está ambientada en Menorca y narra cómo una familia compuesta por cinco mujeres se aventura en un viaje en barca a la isla del aire. La figura central y líder de la familia es Mencía, una anciana que aún no ha podido pasar página de la desaparición de Helena, su nieta mayor.

Durante esta excursión a la isla del aire, Mencía asume un papel activo y guía a sus hijas y nietas a enfrentarse a la verdad y los secretos que han estado ocultando. La trama se centra en cómo esta experiencia en la isla se convierte en un catalizador para revelar y medir los conflictos y las emociones reprimidas que han afectado a la familia.

Así, a medida que avanza la trama, los personajes se ven obligados a desafiar a sus propios fantasmas interiores y a liberar las tensiones acumuladas, conduciéndolas a un proceso de sanación y reconciliación. Además, el elenco del montaje está capitaneado por la veterana actriz Nuria Espert (Premio Princesa de Asturias de las Artes 2016), quien se ve acompañada por Vicky Peña, Teresa Vallicrosa, Candela Serrat y Claudia Benito.

Mario Gas es un dramaturgo, director e intérprete nacido en Montevideo (Uruguay) pero criado en España. Es conocido por ser el doblador de actores como Ben Kingsley, Bill Nighy, Geoffrey Rush y John Malkovich y ha desarrollado una extensa carrera teatral que le llevó a ser el director del Teatro Español de Madrid desde 2004 a 2012.

También ha sido galardonado con diversas distinciones como el Premio Nacional de Teatro de Cataluña 1996, el Premio Ciudad de Barcelona 1998 o los Premios Max al Mejor director de escena 1998 por Sweeney Todd y 2013 por Follies.

Lo podemos disfrutar, del 8 de diciembre, al 14 de enero, en el madrileño Teatro Español.

Vuelve el mejor gospel a Madrid

Las mejores formaciones internacionales del género gospel vuelven a cantar en Madrid. Así, el conocido Teatro Fernán Gómez- Centro Cultural de la Villa acoge una nueva edición de este festival con las mejores formaciones de esta música afroamericana.

Con más de 25 años de actuaciones y un cuarto de siglo trayendo el mejor gospel americano a España, regresa un año más el Festival los Grandes del Góspel Madrid para celebrar su 29ª edición, en el madrileño Teatro Fernán Gómez-Centro Cultural de la Villa. Una cita obligada en el mes de la Navidad que presentará a varias de las mejores formaciones internacionales del género continuando con su legado de excelencia y su misión de conmover al público.

El programa de 2023 presenta grandes voces del gospel americano contando además con dos producciones propias a cargo de The New Orleans Gospel Stars y Chicago Mass Choir. También podrá verse un homenaje a una ciudad y un tributo a una leyenda musical con hondas raíces en el góspel, B.B. King y Harlem Gospel Choir con un tributo a Whitney Houston. No faltarán los clasicos del Festival pensados para toda la familia, con el Gospel4kids y el cierre del festival a cargo de Madrid Oh Happy Day.

El espectáculo The Streets Of New Orleans, nueva producción del festival a cargo de The New Orleans Gospel Stars, hace un recorrido por la historia musical de la ciudad. El concierto recrea los viejos himnos del profundo sur americano, con una selección de grandes éxitos con raíces en Nueva Orleans y da visibilidad, por primera vez en un programa de gospel, al Jazz Funeral, un icono de la ciudad que tiene su origen en los espirituales que las congregaciones cantaban en las iglesias. Por otro lado, Chicago Mass Choir presenta la producción B.B. King Spiritual que revive la música puramente góspel que grabó la leyenda del blues en 1959 en el disco B.B. King Sings Spirituals. 

Creciendo año tras año, actualmente son más de veinte las ciudades que albergan la programación de conciertos del festival. Lejos de su connotación religiosa tradicional, este festival pretende ser una experiencia multigeneracional en la que todos los miembros de la familia disfrutarán y compartirán momentos emocionantes.

Pasadas ediciones han superado los 8000 asistentes (con una media del 90% de ocupación en cada show) y han contado con la presencia de grupos legendarios como The Dixie Hummingbirds, Blind Boys of Alabama, la Georgia o Chicago Mass Choir, Mississippi Mass Choir o The Golden Gate Quartet.

Lo podemos ver, en el madrileño Teatro Fernán Gómez, hasta el 10 de diciembre.

El sida como protagonista

El actor y director escénico Israel Elejalde dirige esta versión del texto Tan solo, el fin del mundo, del dramaturgo francés Jean-Luc Lagarce. Las las interpretaciones de los impecables actores María Pujalte y Raúl Prieto, entre otros, hacen de esta obra una de las indispensables del Madrid escénico del momento. La podemos disfrutar en el madrileño espacio escénico Naves del Español.

El actor y director Israel Elejalde (Traición o 4.48 Psicosis) toma el texto Tan solo, el fin del mundo, del dramaturgo francés Jean-Luc Lagarce para explorar las dinámicas familiares, la distancia emocional y la búsqueda de conexiones significativas en el contexto del VIH. Un drama que se puede ver del 29 de noviembre al 7 de enero, de martes a domingos, en la Sala Fernando Arrabal (Nave 11) de Naves del Español en Matadero.

La función está representada por los actores Irene Arcos, Yune Nogueiras, Raúl Prieto, María Pujalte, Eneko Sagardoy y Gilbert Jackson, fue escrita por Jean-Luc Lagarce en 1990 y se sitúa en Berlín (Alemania). El autor dio luz a esta pieza poco después de recibir la noticia de que había contraído el VIH, una enfermedad que en ese periodo tenía altos índices de mortalidad y estigmatizaba a sus portadores. Sin embargo, a pesar de que Lagarce comparte algunos elementos de su vida en la obra, no se considera una autoficción completa.

El protagonista es Louis, un hombre de 34 años (la misma edad que Lagarce tenía en ese momento) y al que le han diagnosticado un año de vida debido al VIH. Louis, quien ha estado distanciado de su familia durante muchos años, decide regresar a la casa de sus padres para comunicarles su muerte. Y es este hecho el que le da la oportunidad para indagar en el impacto de su ausencia en la familia y el dolor que ha causado.

Así, el montaje profundiza en las relaciones familiares, la reconciliación, el perdón y el anhelo de reconexión con los seres queridos. Louis busca cerrar un ciclo de su vida, obtener el perdón por su alejamiento y experimentar el calor de aquellos a quienes había abandonado antes de fallecer. No obstante, termina por no comunicarles la noticia de su muerte al quedar su intención en un segundo plano y permitir que su familia exprese sus sentimientos reprimidos.

La podemos ver, desde hoy y hasta el 7 de enero, en el madrileño teatro Naves del Español.