Hedda Gabler

A partir del texto de Henrik Ibsen Hedda Gabler, el conocido director escénicoÀlex Rigola crea un espectáculo que se desarrolla en una caja escénica de 9x7 metros. La obra nos habla del amor y del desamor y del drama que esta situación desata. La podemos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán.

El argumento del sobresaliente drama Hedda Gabler, del conocido dramaturgo sueco de la segunda mitad del siglo pasado Henrik Ibsen (Casa de muñecas) habla de la desubicación, deseos, amores y desamores, conflictos éticos, toxicidad y destrucción son las temáticas principales de esta obra que podrá verse en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán del 22 de noviembre al 30 de diciembre, con funciones de martes a domingos. El inédito escenario, una caja escénica de 9 x 7 metros donde los actores comparten con 80 espectadores sus angustias existenciales, ofrece la oportunidad de sentarse de una forma diferente en el teatro y gozarlo como si se estuviera dentro de la historia.

A partir de la adaptación libre de este clásico contemporáneo, escrito por Henrik Ibsen, considerado como uno de los primeros textos de la dramaturgia moderna, el director Àlex Rigola, nos ofrece una puesta en escena innovadora que deja todo el peso de la función en las manos de las actrices y actores, algunos de los mejores de su generación, ofreciendo la posibilidad de gozar de sus interpretaciones en un espacio íntimo y muy cercano.

La confidencialidad que se consigue a través de la proximidad con el espectador, que convive con los artistas en las mismas paredes de la caja de madera, unida a las propias tensiones dramáticas de la pieza, facilitan que las emociones, los sentimientos y todo lo que el autor quiere transmitir llegue directamente hasta el público y cale hondo.

Un trabajo de altísima calidad interpretativa, a cargo de Nausicaa Bonnín, Miranda Gas, Pol López, Marc Rodríguez y Joan Solé, que hace honor a la premisa del propio Ibsen, «busco representar seres humanos, emociones humanas y destinos humanos en base a las condiciones y principios sociales del presente».

La podemos ver, hasta el 30 de diciembre, en el madrileño Teatro Valle-Inclán.

 Gordofobia

La conocida directora escénica Esther F. Carrodeguas ofrece un ensayo narrativo donde expone su relación con su propio cuerpo (Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela. Martes a domingos, del 16, al 26 noviembre).

La directora escénica Esther F. Carrodeguas, conocida por las obras Supernormales o Las dos en punto, representa del 16 al 26 de noviembre, de martes a domingo, Lo único que verdaderamente quise toda la vida es ser delgada, en la Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa un ensayo narrativo donde expone su relación con su propio cuerpo y cómo está marcada por la gordofobia.

Y es que el montaje se centra en cómo la gordofobia está presente en diferentes aspectos de la sociedad y la forma en la que ha afectado a la vida cotidiana de la autora, dejando entrever que dicha discriminación se encuentra incluso en los rincones más sutiles y aparentemente insignificantes.

Además, se exhibe cómo la gordofobia puede ser una lucha interna, donde las personas que la sufren se enfrentan a sus propias inseguridades y prejuicios internalizados debido a la presión social y cultural. De tal modo, Carrodeguas muestra su experiencia personal y cómo se ha contrapuesto a la discriminación y la estigmatización de los individuos con sobrepeso u obesidad en una sociedad obsesionada con los estándares de belleza.

Nacida en Rianxo (La Coruña) en 1979, Esther F. Carrodeguas es una actriz, directora, perfomer y escritora graduada en Dirección y Dramaturgia por la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) de Galicia y licenciada en Periodismo entre Santiago de Compostela y Turín (Italia). Fue la directora de la compañía gallega Teatro Airiños, pero tras el Premio Abrente para textos teatrales 2015 decidió crear la plataforma profesional ButacaZero junto con Xavier Castiñeira, quien suele asumir la dirección de sus proyectos comunes.

La podemos ver, del 16, al 26 de este mes, en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

 The Book of Mormon, El Musical

Este es estreno mundial en español de la comedia musical más divertida y de mayor éxito de la última década, The Book of Mormon. Lo podemos ver, durante toda la temporada, en el madrileño Teatro Calderón.

El Teatro Calderón acoge, este otoño, el estreno mundial en español de la comedia musical más divertida y de mayor éxito de la última década: The Book Of Mormon. Un esplendoroso montaje que puede verse desde el 6 de octubre, con funciones de martes a domingos.

Con más de diez años con localidades agotadas en Broadway y Londres, habiendo reunido a más de nueve millones de espectadores, este espectáculo ha sido galardonado con nueve Premios Tony, cuatro Premios Olivier (incluido Mejor Musical).

De los creadores de South Park, Trey Parker y Matt Stone, y Robert López, compositor de grandes éxitos como Coco y Frozen, este montaje se presenta como una cita imprescindible para los amantes de los grandes musicales.

Por otro lado, tiene una gran banda sonora interpretada en directo por ocho músicos, a los que une un elenco formado por treinta y tes actores de un alto nivel de interpretación y danza. Todo ello convierte a The Book Of Mormon, en uno de los musicales más sorprendentes y divertidos de la historia.

De la mano de SOM Produce, este musical cuenta con adaptación y dirección de David Serrano, la dirección musical corre a cargo de Joan Miquel Pérez y las coreografías han sido creadas Iker Carrera.

Ficha artística:

• Producción - Som Produce

• Adaptación y dirección - David Serrano

• Director Musical - Joan Miquel Pérez

• Coreografías - Iker Karrera

• Diseño de iluminación - Carlos Torrijos

• Diseño de escenografía - Ricardo Sánchez-Cuerda

• Diseño de vestuario - Ana Llena (Aapee)

• Diseño de caracterización - Esther Redondo

• Diseño de sonido - Gastón Briski

• Producción técnica - Guillermo Cuenca

• Producción artística - Carmen Márquez

• Ayudante de dirección - Maite Pérez Astorga

• Dirección de casting - Carmen Márquez, Carmelo Lorenzo y Blanca Azorín

• Director técnico - Javier Ortiz

• Traducción y adaptación de las canciones - Alejandro Serrano / David Serrano

• Producción Ejecutiva - Marcos Cámara / Juanjo Rivero

• Productores - Pilar Gutiérrez, Marcos Cámara y Juanjo Rivero

 Vuelve Rigoletto al Real

El prestigioso director escénico Miguel del Arco dirige una nueva versión del clásico melodrama operístico Rigoletto, de Giuseppe Verdi. Lo podremos disfrutar en el Teatro Real, del 2 diciembre, al 2 de enero del año que viene).

El prestigioso director teatral Miguel del Arco, conocido por montajes como Jauría, En el aire o Ricardo III, se pone al frente de una nueva adaptación del clásico melodrama Rigoletto, de Giuseppe Verdi. Una ópera emotiva y melódica que se puede disfrutar del 2 de diciembre al 2 de enero en el Teatro Real.

Estrenada en 1851, en el Teatro La Fenice de Venecia (Italia), su trama está basada en la obra teatral Le Roi s'amuse de Víctor Hugo y ahora regresa bajo una coproducción del Teatro Real con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Su historia se sitúa en el siglo XVI, donde Rigoletto es un bufón jorobado que trabaja en la corte del despiadado duque de Mantua. Es conocido por su ingenio y su actitud sarcástica, pero guarda un oscuro secreto: tiene una hija llamada Gilda, a la cual mantiene oculta y protegida del mundo exterior. Por su parte, el duque de Mantua es un hombre libidinoso cuya afición es seducir a las mujeres de la corte.

Rigoletto se convierte en el blanco de los cortesanos, quienes desean vengarse de él por sus chistes mordaces. Por ello, deciden secuestrar a Gilda creyendo que es su amante y entregársela al duque. Sin embargo, el duque de Mantua y Gilda se enamoran. Rigoletto descubre la traición y planea acabar con el duque contratando a Sparafucile, un asesino a sueldo.

Esta pieza ha sido aclamada como una de las obras maestras de Giuseppe Verdi, ya que contiene algunas de las arias más famosas de la ópera, como La donna è mobile, interpretada por el duque de Mantua, o Bella figlia dell'amore, en la cual varios personajes expresan sus sentimientos de amor y deseo.

Ficha artística:

• Dirección musical - Nicola Luisotti y Christoph Koncz (18, 26, 29 dic; 2 ene)

• Dirección de escena - Miguel del Arco

• Escenografía - Sven Jonke

• Vestuario - Ana Garay

• Iluminación - Juan Gómez-Cornejo

• Coreografía - Luz Arcas

• Dirección del coro - José Luis Basso  

Reparto:

• Duque de Mantua - Javier Camarena  (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 27, 30 dic), Xabier Anduaga (3, 7, 10, 13, 18, 29 dic; 2 ene) y John Osborn (6, 12, 15, 19, 23, 26 dic)

• Rigoletto - Ludovic Tézier (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic), Étienne Dupuis (3, 7, 10, 13, 18, 29 dic) y Quinn Kelsey (6, 12, 15, 19, 26 dic; 2 ene)

• Gilda - Adela Zaharia (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic), Julie Fuchs (3, 7, 10, 13, 18, 29 dic) y Ruth Iniesta (6, 12, 15, 19, 26 dic; 2 ene)

• Sparafucile - Andrea Mastroni (2, 5, 6, 8, 11, 12, 14, 15, 17, 20, 23, 27, 30 dic; 2 ene) y Peixin Chen (3, 7, 10, 13, 18, 19, 26, 29 dic)

• Maddalena - Marina Viotti (2, 5, 6, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic; 2 ene), Ramona Zaharia (3, 7, 10, 13, 18, 26, 29 dic) y Martina Belli (12, 15, 19 dic)

• Giovanna - Cassandre Berthon (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic) y Marifé Nogales (3, 6, 7, 10, 12, 13, 15, 18, 19, 26, 29 dic; 2 ene)

• Conde Monterone - Jordan Shanahan (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 27, 30 dic) y Fernando Radó (3, 6, 7, 10, 12, 13, 15, 18, 19, 26, 29 dic; 2 ene)

• Marullo - César San Martín

• Matteo Borsa - Fabián Lara (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic) y Josep Fadó (3, 6, 7, 10, 12, 13, 15, 18, 19, 26, 29 dic; 2 ene)

• Conde Ceprano - Tomeu Bibiloni

• Condesa Ceprano - Sandra Pastrana

• Un paje - Inés Ballesteros

Programa:

• Melodramma en tres actos

• Música de Giuseppe Verdi (1813-1901)

• Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la obra de teatro Le roi s’amuse (1832) de Víctor Hugo

• Estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 11 de marzo de 1851

• Estrenada en el Teatro Real el 18 de octubre de 1853

• Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla

Tratado sobre la alegría

Alegría Station es una pieza dramática de Elena María Sánchez que reflexiona sobre la alegría . La podemos ver en el espacio escénico madrileño Naves del Español.

La compañía colombiana Teatro Azul de Armenia se une a la prestigiosa directora española, Natalia Menéndez, autora de Tebas Land o El vergonzoso en palacio, para presentar un espectáculo dramático que reflexiona sobre la alegría. Un obra que podrá verse Naves del Español en Matadero (Sala Max Aub - Nave 10) del 19 de noviembre al 10 de diciembre, con funciones de martes a domingos.

Con la dramaturgia de Elena María Sánchez e interpretada por Ximena Escobar Mejia y Leonardo Echeverri, la función plantea una experiencia teatral que busca profundizar en la capacidad del ser humano para poder vivir fuera del dolor y probar otras sensaciones, con la alegría como medio de comunicación constante. Y es que la pieza se cuestiona la importancia de esta emoción en el día a día y si es capaz de ser contagiada como si de un virus se tratase.

Por otro lado, el montaje también indaga en la actual situación del proceso de paz colombiano, siguiendo el concepto de que para obtener la reconciliación hay que dejar a un lado la aflicción y centrarse en la necesidad de reconstruir la convivencia.

Este espectáculo ha sido coproducido por el Teatro Español y el Teatro Azul. Teatro Azul es una formación surgida en 1998 en Armenia, capital del departamento del Quindío (Colombia), que, bajo la dirección de Leonardo Echeverri Botina, ha desarrollado más de 15 obras propias. También ha participado en importantes festivales, encuentros y mercados culturales de más de doce países como España, Cuba, Argentina, Alemania, Brasil o Italia.

La podemos ver en el espacio madrileño Naves del Español, del 19 de noviembre, al 10 de diciembre.

A vueltas con Lorca

El conocido y reputado actor Alberto San Juan dirige y protagoniza el conocido drama Lorca en Nueva Yori, on música en vivo con los versos del poeta granadino Federico García Lorca. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Bellas Artes.

El famoso actor Alberto San Juan crea el monólogo dramático Lorca en Nueva York. Se trata de un montaje con música en directo basado en las composiciones del libro Poeta en Nueva York de Federico García Lorca, escrito durante su periplo en América.

Este libreto desentraña toda la magia y el lirismo de una obra que explora el vínculo entre el ser humano y la naturaleza, la espiritualidad y la maquinaria urbana moderna. Sus versos fueron escritos en 1929 cuando Lorca dejó atrás España para asentarse durante una temporada en Nueva York, Estados Unidos.

En la ciudad de los rascacielos vivió durante ocho meses, para después visitar la isla de Cuba. Tras ello, decidió escribir una conferencia en la Residencia de Señoritas de Madrid que ofreciera un contexto a sus poemas y explicara mejor su génesis. Así, intercala versos  y prosa ofreciendo una visión realista de la sociedad y el mundo que le rodea. Sin embargo, el poeta granadino nunca pudo ver este trabajo publicado, ya que antes moriría asesinado en 1936.

Alberto San Juan es un intérprete madrileño, hijo del dibujante e ilustrador Máximo San Juan y de la locutora de radio, Pilar Guijarro Ortiz de Zárate. Durante su trayectoria profesional ha participado en largometrajes como Los lobos de Washington o Entre las piernas. En 2002 fue nominado al premio Goya al Mejor actor de reparto por El otro lado de la cama.

Por su parte, sobre las tablas es el creador de Alejandro y Ana, galardonada con el Premio Max 2003 al Mejor espectáculo de teatro y a la Mejor empresa de producción. También es autor de otras obras como Qué te importa que te ame y El fin de los sueños, esta última distinguida con el Premio Max de Teatro Alternativo.

La podemos ver, en el madrileño Teatro Bellas Artes, hasta el 16 de diciembre.

La vuelta de la Carrá

El madrileño teatro Capitol Gran Vía acoge, con funciones de martes a domingos, el estreno mundial del musical adaptado por Federico Bellone a partir de la película Explota Explota dirigida por Nacho Álvarez en 2020. ¿Su título? Bailo, bailo. Es un homenaje a la carrera de la cantante italiana Raffaella Carrá, que cuenta con la presencia de importantes artistas como Lydia Fairén, Natalia Millán, Naím Thomas o Pepa Lucas, entre otros.

Bailo, bailo es una celebración viva del mito de la artista italiana que se ha convertido en un proyecto internacional paneuropeo en el que participan productoras italianas, españolas y holandesas como Tornasol Sl, Sunset Ent Sl, Mas Srl y Dreamcatcher Bv.

El argumento narra la historia de María, una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad a principios de los años setenta que vive en una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Una oportunidad para descubrir cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.

Con seis protagonistas que se buscan a sí mismos, la historia cuenta cómo es su camino, de su crecimiento humano, profesional y de su éxito en tres localizaciones diferentes de donde proceden tres de los personajes principales: Maria de Italia, Pedro y Rosabella

Lo podemos ver, toda la temporada, en el madrileño Teatro Capitol.