Sobre un gran oportunista político

Esther F. Carrodeguas y Xavier Castiñeira dirigen la obra de teatro de investigación dramatúrgica Iribarne, orquestada en torno a la figura de Manuel Fraga Iribarne, antiguo ministro de Turismo con el dictador Franco y luego, reinventado en presidente de la Xunta de Galicia (¡cómo iba a prescindir del poder, dicho personaje!). La podemos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán.

La Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán ofrece la obra Iribarne, escrita por Esther F. Carrodeguas, finalista a los MAX 2023 en la categoría de Mejor Autoría. Con este proyecto la autora no pretende hacer un biopic sobre fascista reconvertido en demócrata (en definitiva, un oportunista del poder) Manuel Fraga Iribarne, sino hacer balance de un político que ha tenido muchísima importancia en un pasado muy reciente de nuestro país, pero que ha caído rápidamente en el olvido, como todos los malos políticos de la Historia. Está dirigida por Xabier Castiñeira.

A punto de cumplirse el centenario del nacimiento de Fraga (1922) y casi diez años después de su fallecimiento (2012), Esther F. Carrodeguas y Xavier Castiñeira decidieron que 2021 era un buen momento para embarcarse en un proyecto de investigación dramatúrgica que se centrase en la figura del camaleónico político gallego. Sobre todo, cuando ese verano se fueron de ruta en furgoneta por la costa valenciana y les dio por pensar que Fraga también podía ser considerado como uno de los grandes artífices de esa apabullante (re)identidad turística de la costa opuesta a Galicia.

De esta forma, la obra que han creado analiza a este sorprendente político, que sabía adaptarse y seguir hacia adelante a pesar de los cambios. Y realiza también una reflexión sobre la construcción del modelo de la España turística en el Mediterráneo, en el que Fraga tiene tanto que ver. Fue el barato desarrollismo turístico, que tantos problemas ha causado en nuestro pasado no tan reciente.

Fraga Iribarne siempre fue 'el más': el más franquista en el franquismo, el más demócrata en democracia y el más autonomista en el estado de las autonomías. No es sencillo acercarse a su figura. Con Iribarne sus creadores intentan comprender cómo hemos llegado hasta la actualidad, caminando de la mano de uno de esos personajes secundarios, pero increíblemente imprescindibles de la Hermosísima Historia de Esta España Nuestra.

No cabe duda de que el personaje fue un oportunista-personalista en toda regla, al quien le dio igual que España fuese una dictadura o una democracia: él solamente deseaba el poder a toda costa. Una especia de Jordi Pujol en versión nacionalista español. Y no lo decimos nosotros: Está en los libros de Historia...

La podemos ver, hasta el 12 de noviembre, en el madrileño Teatro Valle Inclán.

Sermones en tiempos de crisis

El director José Luis Gómez lidera la obra Vuelan palomas, Tras Azaña, una pasión española, basada en sermones adaptados a los tiempos inciertos. La podemos ver en el madrileño Teatro de la Comedia .

Tras Azaña, una pasión española, Celestina o Mío Cid, el reputado actor y director José Luis Gómez (quien, hace años, puso en marcha el Teatro de La Abadía) regresa a las tablas para ponerse al frente de la obra Vuelan palomas, basada en sermones adaptados a los tiempos inciertos.

El espectáculo también rinde homenaje al poder expresivo de la palabra y su capacidad de evocar mundos e imágenes. Y es que se retrotrae hasta aquellos predicadores de antaño, quienes comprendieron que al fusionar la voz con la simbología podrían llegar más profundamente al corazón de sus oyentes. Además, se destaca el papel fundamental de la música en la liturgia católica, ya sea en grandes ceremonias o en entornos más íntimos y silenciosos de monasterios y conventos.

De tal modo, se explora la fusión de la palabra, la imagen y el sonido como una manera de comunicar y conmover a los asistentes, representando su combinación como un arma de condena y liberación social.

José Luis Gómez es un actor y director nacido en Huelva en 1940 con un gran repertorio de trabajos tanto en el teatro como en el cine. Entre sus galardones sobresalen el Premio Nacional de Teatro 1988, el Premio Andalucía de Cultura 1992 y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura en 2005. Asimismo, pertenece a la Real Academia Española y es miembro de honor de la Academia de las Artes Escénicas de España.

La podemos ver, hasta el 22 de octubre, en el madrileño Teatro de la Comedia.

Una perfecta comedia

El famoso actor Pepón Nieto protagoniza, junto a otros grandes actores, como Antonio Pagudo, la comedia de William Shakespeare La comedia de los errores que, ahora, es versionada por Albert Boronat y dirigida por Andrés Lima, Premio Nacional de Teatro 2019. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

Escrita entre 1591 y 1592 y basada en Menaechmi, de Plauto, es una de las primeras obras del autor inglés y es muy apreciada por su ingenio y entretenimiento. Se trata de una historia de enredo cuya trama gira en torno a dos parejas de gemelos idénticos y separados al nacer. Uno de los gemelos y su criado, Antífolo de Siracusa y Dromio de Siracusa, desembarcan en la ciudad de Éfeso, sin saber que sus hermanos también se encuentran allí: Antífolo de Éfeso y su sirviente Dromio de Éfeso.

Al poco de llegar, son confundidos por la población, así como por su mujer y su cuñada e incluso se lían entre ellos mismos cuando coinciden un Antífolo de una ciudad con un Dromio de la otra. De tal modo se van creando malentendidos y embrollos con antiguos prestamistas, joyas en manos equivocadas u oscuros hechiceros que llevan a situaciones hilarantes.

El montaje ha sido producido por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Mixtolobo, y Pepón Nieto (Premio de la Unión de Actores al mejor actor de televisión por Periodistas y Premio Ercilla de teatro por La cena de los idiotas) está acompañado sobre las tablas por Antonio Pagudo, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido.

 

La podemos ver del 12, al 22 de octubre, en los madrileños Teatros del Canal.

 

Sobre el teatro europeo más antiguo

Arder y no quemarse es Una ficción documentada que celebra los más de cuatro siglos de historia del que está considerado el teatro en activo más antiguo de Europa, precisamente, nuestro Teatro Español.

El Teatro Español acoge el estreno absoluto la ficción documentada Arder y no quemarse, acerca de sus 440 años de historia con texto original de Jose Padilla y la compañía Grumelot. Este montaje celebra los más de cuatro siglos de historia del que está considerado el teatro en activo más antiguo de Europa.

Arder y no quemarse está protagonizado por Bentor Albelo, Pablo Chaves, Carlota Gaviño, Pepe Hannan, Javier Lara, Mikele Urroz, María Gálvez, Cristina Martínez Gutiérrez y Marc Domingo Carulla.

Desde su inauguración, en 1583, el Teatro Español ha sido testigo de excepción de la historia del teatro en España y de los sucesos sociopolíticos y culturales más relevantes del país. Artistas, gestores, arquitectos, técnicos o investigadores han hecho posible su conservación, preservación y transformación.

Una producción de Teatro Español en coproducción con Grumelot y la colaboración de GNP que celebra sus más de cuatro siglos de historia con una obra de Jose Padilla y Grumelot, la dirección de Iñigo Rodríguez-Claro y la dirección musical de Pepe Hannan.

La podemos ver, del 10, al 29 de octubre, en el madrileño Teatro Español.

 

Los amantes más famosos, de mayores

Romeo y Julieta vuelven, pero de mayores. Ahora, en la piel de Ana Belén y José Luis Gómez, quienes encabezan esta obra que relata la verdadera historia del amor prohibido entre los trágicos amantes de Verona. La podemos ver en el madrileño Teatro Español, del 15 de abril, al 4 de junio.

El director austriaco Eberhard Petschinka, ganador del II Premio Alfred de Musset de Traducción, presenta una adaptación teatral de la obra Romeo y Julieta, de Shakespeare, que relata la verdadera historia del amor prohibido entre los trágicos amantes de Verona. Un montaje protagonizado por dos gigantes de la escena: Ana Belén y José Luis Gómez.

La tragedia de Romeo y Julieta, los amantes que prefirieron morir juntos antes que vivir separados, cuenta que murieron abrazados en el mausoleo de Verona. Ahora, cuatrocientos años después, en esta adaptación de la obra de Shakespeare se cuenta la verdadera historia de este amor prohibido.

El montaje presenta a los personajes de Julieta y Romeo que despiertan tras un largo sueño, pero no se reconocen. Julieta solo ve a un caballero ochentón y Romeo a una dama muy bien conservada. Ambos se siguen sintiendo como dos adolescentes. Juliera cree que solo estuvo dormida pocos instantes y continúa esperando a su amado. Por otro lado, Romeo no es capaz de recordar nada.

Por otro lado, Julieta debe reconocer que ya no tiene dieciséis años y Romeo tiene que intentar recordar quién es y de dónde viene. Divididos por la felicidad de encontrarse y la tristeza de no haber podido tener una vida juntos, ambos tendrán que descifrar cómo llegaron hasta aquí y qué cosas aún les unen. De esta manera, lo que se creía que era el final de la tragedia de una historia de amor, solo es el comienzo de la que supone la verdadera historia de los amantes más famosos del mundo. 

Una feliz elucubración dramática puesta en pie por algunos de los mejores artistas de nuestra actual escena.

La podemos ver, del 15 de abril, al 4 de junio, en el madrileño espacio escénico Matadero Madrid-Naves del Español.

 Una crítica a la violencia impune de los totalitarismos

El director y dramaturgo chileno Marco Layera presenta una reflexión coreográfica sobre la violencia basada en las revueltas de Chile. Se titula Oasis de impunidad. La estrena el madrileño Teatro María Guerrero.

El director y dramaturgo chileno Marco Layera presenta una performance coreográfica, basada en las revueltas ciudadanas de Chile de 2019, con la que reflexiona sobre la naturaleza de la violencia: Oasis de impunidad.

Los actores y bailarines Diego Acuña, Nicolás Cancino, Lucas Carter, Mónica Casanueva, Carolina Fredes, Imanol Ibarra, Carolina de la Maza y Pedro Muñoz interpretan una serie de escenas en las que se meten en la piel de varios policías que están siendo entrenados para ser violentos consigo mismos y con los demás. Todo, con la intención de mantener la ley y el orden.

Pero con sus experiencias lo que se consigue es abordar las consecuencias del monopolio de la violencia por parte del estado, la disciplina social, la impunidad legal y las motivaciones sistémicas e individuales de la crueldad y la brutalidad. Un montaje producido por el Teatro La Re-sentida y el Münchner Kammerspiele que se forjó en un laboratorio preliminar que contó con el apoyo del International Relief Fund of the German Foreign Ministry y el Goethe Institut.

Nacido en Santiago de Chile (Chile), en 1977, Marco Layera es un licenciado en Derecho por la Universidad de Chile, especializado en Criminología, que después se formó en artes escénicas en El Teatro Escuela La Matriz de Valparaíso (Chile). En el año 2008 fundó su propia compañía, Teatro La Re-sentida, desarrollando piezas como Simulacro, Tratando de hacer una obra que cambie el mundo, La Dictadura de lo Cool, Paisajes para no colorear o El otro día me topé con Hamlet en el barrio Meiggs, que se han representado en más de 30 países. Aparte, Marco ha llevado a cabo talleres y cursos en escuelas de teatro y workshops internacionales.

La podemos ver, del 13, al 16 de abril, en el madrileño Teatro María Guerrero.

¿El primer texto dramático feminista?

 La actriz y directora dramática Beatriz Argüello dirige un montaje escrito por Juana Escabias basado en la comedia de la poeta del Siglo de Oro, Ana Caro de Mallén. Su título, Valor, agravio y mujer. ¿Dónde..? En el madrileño Teatro de la Comedia. 

La conocida actriz y dramaturga española Beatriz Argüello dirige el  espectáculo Valor, agravio y mujer, escrito por Juana Escabias sobre la gran obra de la poeta del Siglo de Oro, Ana Caro de Mallén.

Con la participación de los actores Lucía Barrado, Alejandro Jato, Natalia Llorente, Curro Ortiz y Julia Piera, se expone una historia en la que una mujer llamada Leonor, cansada del trato que recibe de su marido, decide luchar por sus derechos y demostrar su valor. Una función que está catalogada como una de las primeras comedias feministas del arte español.

Ana Caro de Mallén fue una dramaturga española del siglo XVII nacida en una familia aristocrática de la ciudad de Toledo. Fue una de las pocas mujeres que se dedicaron a la escritura teatral en la España de su época. Además de Valor, agravio y mujer, Ana Caro firmó otras piezas de teatro como El conde Partinuplés y Gallardo español. También se sabe que fue una mujer culta y leída, que dominaba varios idiomas y estaba al tanto de las diversas corrientes literarias que se fueron creando entonces.

Aunque Caro no gozó de mucha fama en vida, hoy día, es considerada una importante figura de la literatura española del siglo XVII y una de las primeras mujeres en escribir teatro en nuestro país.

En definitiva, todo un descubrimiento de este texto adelantado a su tiempo.

La podemos ver en el madrileño Teatro de la Comedia, del 13 de abril, al 15 de junio.