Bailando la expiación

Juan Carlos Lérida dirige e interpreta junto a doce artistas Doce, un espectáculo de danza y música sobre el sacrificio de la expiación. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

El bailarín y coreógrafo Juan Carlos Lérida dirige e interpreta, junto con otros doce artistas, el espectáculo de danza y música Doce, que profundiza en el sacrificio como una ceremonia de expiación.

La función se ha construido a raíz de la práctica del Flamenco Empírico, una metodología creada por el propio Juan Carlos Lérida, a través de la repetición y deconstrucción de las bases técnicas y expresivas del flamenco con una mirada crítica sobre su confección social, política y cultural. De este modo, la pieza se centra en un encuentro entre los diferentes oficios del arte, llevando a escena músicos, cantaores, bailarines, videomakers y técnicos.

Por otro lado, este proyecto surgió, en 2018, como un proceso de investigación que forma parte del trabajo La liturgia de las horas, un montaje a partir de la simbología del número doce y de la conceptualización del recorrido de Jesucristo desde la Santa Cena hasta la Resurrección.

Juan Carlos Lérida es un bailarín, coreógrafo y director de flamenco que en 2007 fue galardonado con el premio extraordinario del Institut del Teatre de Barcelona. Desde 2002 es profesor de flamenco, danza contemporánea y composición en el Institut del Teatre y durante su carrera escénica ha codirigido espectáculos de creadores como Joaquín Cortés o Belén Maya. Desde 2009, es el comisario del ciclo Flamenco Empírico del Mercat de les Flors, de Barcelona, y, actualmente, también es comisario del festival flamenco en el Tanzhaus de Düsseldorf (Alemania).

La podemos ver, hasta el 18 de diciembre, en los madrileños Teatros del Canal.

Siempre, a vueltas con Segismundo

El director Declan Donnellan y el diseñador Nick Ormerod presentan su versión de la obra de Calderón de la Barca La vida es sueño, la más conocida del Siglo de Oro español. La podemos ver en el madrileño Teatro de la Comedia. 

El director Declan Donnellan y el diseñador Nick Ormerod presentan en escena su versión de La vida es sueño, la obra de Calderón de la Barca considerada la más famosa del Siglo de Oro español.

La vida es sueño es una de las más celebradas propuestas de Calderón que acerca al público al problema de la predestinación de la vida humana y a nuestra capacidad para encontrar espacios de libertad en nuestra peripecia vital. Una obra que supone uno de los mayores logros de la literatura escénica del Siglo de Oro por su capacidad de aunar belleza poética, conflicto dramático y profundidad filosófica.

La historia pone en escena a un príncipe encadenado en una montaña. Una joven disfrazada de hombre en busca de venganza. Una obra donde los temas centrales son la revolución, el amor, y el asesinato… pero en La vida es sueño ¿es lo real verdaderamente real? ¿O es todo un sueño?

En esta apaptación Donnellan y Ormerod dan prioridad al actor, al texto y al espacio. Un muro verde de puertas da la bienvenida a los asistentes y cuando las luces se apagan, se establece una relación entre el actor y el público. La labor de los actores españoles revela una obra que es a la vez urgente, potente y contemporánea.

La podemos ver, del 15 de diciembre, al 26 de febrero, en el madrileño Teatro de la Comedia.

 

 

Una comedia clásica burlesca

Eva del Palacio dirige Del teatro y otros males que acechan en los corrales, una comedia burlesca en verso ligero y música escrita por Fernando Aguado. La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

La compañía teatral Morboria Teatro celebra sus 35º aniversario de con la comedia burlesca Del teatro y otros males que acechan en los corrales, representada en verso ligero y con música en directo, que trata sobre la labor actoral y que bebe de las farsas del Siglo de Oro.

Escrito por el dramaturgo Fernando Aguado y dirigido por Eva del Palacio, el montaje se estructura en una historia de enredos que tiene lugar en el Madrid del siglo XVII para narrar cómo, desde entonces, nada ha cambiado a la hora de generar espectáculos teatrales: los viajes, la producción de funciones, la siempre complicada financiación, el mecenazgo, el espíritu artístico y alternativo de las compañías independientes…

Su argumento relata cómo un grupo de actores habla y se pone al día cuando el director, Saturnino Carraca, llega consternado y les transmite la fatal noticia: hay que disolver la formación, la falta de público y actuaciones y el alto porcentaje a pagar al dueño del corral de comedias hace inasumible su continuidad.

Sin embargo, de pronto aparece un lacayo que anuncia la visita de un aristócrata, quien les propone interpretar una comedia durante la celebración de los esponsales de su única hija. Los actores y músicos celebran con alegría la noticia, pero más tarde descubren que se trata de un encargo envenenado, ya que el noble les impone que el papel protagonista sea llevado a cabo por su guapísima y joven amante, que, como no podía ser de otro modo, no tiene ninguna experiencia teatral. Y eso no es todo porque además es una mujer ignorante, necia, engreída, estúpida y osada, lo que da pie a multitud de escenas cómicas, malentendidos y juegos metateatrales.

Morboria Teatro es un grupo creado por Eva del Palacio y Fernando Aguado que durante sus más de tres décadas de trayectoria ha producido más de 35 espectáculos, entre los que se encuentran textos clásicos de autores como Rojas Zorrilla, Tirso de Molina, Shakespeare, Molière o Zorrilla, dramaturgias y libretos contemporáneos, teatro de calle y teatro infantil, entre otros estilos.

La podemos ver, del 15 de diciembre, al 1 de enero, en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

Dickens vuelve por Navidad

La fábula de Charles Dickens Cuento de Navidad se adapta teatralmente en una comedia protagonizada por Fernando Cayo con la dirección escénica de Mingo Ruano, en el madrileño Teatro Pavón. 

El conocido actor Fernando Cayo protagoniza una adaptación de Luis Mamerto Rodríguez con dirección de Mingo Ruano de la clásica fábula de Charles Dickens Cuento de Navidad.

Fernando Cayo se mete en la piel de Ebenezer Scrooge, un hombre tacaño y malhumorado que desprecia la Navidad y todo lo que tiene que ver con ella. Y es que a Ebenezer no le importa nadie salvo él mismo. Su única meta es prosperar en los negocios y ganar dinero. Durante estas destacadas fechas, su sobrino, conociendo su soledad, le propone cenar con él y su familia durante la Nochebuena, pero Scrooge rechaza la invitación.

Sin embargo, su vida cambia completamente esa misma noche debido a la visita de tres fantasmas que le muestran su pasado, su presente y el futuro que le espera a él y los suyos. Estos le dan una oportunidad para salvarse de seguir su mismo destino…

Con momentos musicales, divertidísimas escenas cómicas y la magia teatral, la obra hace reír a carcajadas a los espectadores, al tiempo que les instruye sobre la bondad y la felicidad que supone compartir con los demás

La podemos ver en el castizo Teatro Pavón, hasta el 18 de este mes.

El futuro tiene su misterio

La compañía Colectivo Fango cierra su trilogía indagando en el misterio del futuro con la obra La espera. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

Tras F.O.M.O. y Tribu, la compañía Colectivo Fango cierra su trilogía con el espectáculo performativo La espera, que se representa en los madrileños los Teatros del Canal. ¿Su título? La espera.

En F.O.M.O. el grupo investigaba sobre el presente y la exclusión y en Tribu analizaba la pertenencia social, pero ahora el conjunto se aboca a explorar la relación individual con el futuro y la incertidumbre que su incógnita genera.

Así, el proyecto ha sido realizado con el apoyo del programa de ayudas a la creación y la movilidad del Ayuntamiento de Madrid, el Teatro de La Abadía y el espacio de investigación exlímite, en coproducción con los Teatros del Canal.

La función está dirigida por Camilo Vásquez, ha sido escrita por Sergio Martínez Vila y viene interpretada por Ángela Boix, Fabia Castro, Trigo Gómez, Rafuska Marks y Manuel Minaya. Su historia narra cómo cinco personas esperan la llegada de un mesías, una catástrofe natural, un cambio social... Un reinicio, en definitiva.

Mientras tanto, participan de un juego de competición en el que solo puede quedar uno. Pero cuando sucede el acontecimiento que aguardaban, este les produce tal impacto psicológico que son incapaces de afrontar las posibilidades que les ha causado en sus vidas.

De tal modo, durante sus crisis personales van transformándose en una pastora punk que busca transmitir esperanza a su público, una modelo que en pleno concurso de Miss Universo se rebela contra el inevitable proceso de envejecimiento de su cuerpo y su miedo a morir, una mujer que confiesa una serie de crímenes, un político de la nueva era y un hombre que espera convertirse en un dios mediante su pulsión espiritual y la fundación de una plataforma digital donde la gente intenta entrar en contacto con lo divino.

El montaje profundiza en cuestiones como la muerte, la celebración de la vida, el fracaso y la fe mediante la imaginación de los posibles futuros y la personalidad de la sociedad actual. Al tiempo que reflexiona sobre el devenir del destino, la búsqueda de la identidad constante y la forma en la que cada uno se adapta a los acontecimientos.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, del 7, al 11 de diciembre.

  

Versión moderna y feminista de una ópera de Bellini

La nueva ópera del Real, La sonnambula , es una versión moderna y feminista de Bárbara Lluch de la ópera semiseria de Vincenzo Bellini. La podemos ver en el madrileño Teatro Real.

La directora escénica Bárbara Lluch (El rey que rabió o El sueño de una noche de verano) dirige una versión innovadora y feminista de la ópera semi-seria de Vincenzo Bellini. Es montaje que se puede disfrutar en la Sala Principal del Teatro Real.

Acompañada en el plano musical por la regiduría del veterano director de orquesta italiano Maurizio Benini y el director coral Andrés Máspero, Lluch moderniza esta pieza de Felice Romani, basada en el ballet-pantomima de La Somnambule, ou l'arrivée d'un nouveau seigneur de Eugène Scribe. Fue estrenada en el Teatro Carcano de Milán (Italia), en 1831, y es una de las tres óperas más conocidas de Bellini, junto con Norma e I Puritani. Además, está considerada como una de las obras cumbre del bel canto romántico italiano.

Su historia posiciona al público en un pueblo de Suiza, en una época indeterminada, donde Amina está a punto de casarse con Elvino, un joven y rico hacendado del que Lisa está enamorada. Un día, llega a la ciudad el conde Rodolfo, quien pone sus ojos sobre Amina y trata de conquistarla, lo que genera los celos del novio. Por la noche, Amina se presenta sonámbula en la habitación del conde y es descubierta por Lisa, quien da cuenta del escándalo a Elvino y al resto de los vecinos del lugar.

Ahora, Amina trata de demostrar su inocencia, pero nadie cree en su palabra.

De este modo, el montaje profundiza en la desconfianza y el ostracismo por la incierta sombra de la sospecha, al tiempo que reflexiona acerca de cómo la incultura, los rumores infundados y la sugestión de las masas pueden ser un peligro mortal.

Ficha artística:

§ Dirección musical - Maurizio Benini

§ Dirección de escena - Bárbara Lluch

§ Escenografía - Christof Hetzer

§ Figurines - Clara Peluffo

§ Iluminación - Urs Schönebaum

§ Coreografía - Iratxe Ansa

§ Dirección del coro - Andrés Máspero

§ Coro y Orquesta - Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Reparto:

§ Lisa - Rocío Pérez (15, 18, 23, 26, 29 de diciembre; 2, 4 de enero) y Serena Sáenz (16, 19, 27, 30 de diciembre; 3, 6 de enero)

§ Alessio - Isaac Galán

§ Amina - Nadine Sierra (15, 18, 23, 26, 29 de diciembre; 2, 4 de enero) y Jessica Pratt (16, 19, 27, 30 de diciembre; 3, 6 de enero)

§ Teresa - Monica Bacelli (15, 18, 23, 26, 29 de diciembre; 2, 4 de enero) y Gemma Coma-Alabert (16, 19, 27, 30 de diciembre; 3, 6 de enero)

§ Notario - Gerardo López

§ Elvino - Xabier Anduaga (15, 18, 26, 29 de diciembre; 2, 4 de enero), Lawrence Brownlee (16, 27 de diciembre; 6 de enero) y Francesco Demuro (19, 23, 30 de diciembre; 3 de enero)

§ El conde Rodolfo - Roberto Tagliavini (15, 18, 23, 26, 29 de diciembre; 2, 4 de enero) y Fernando Radó (16, 19, 27, 30 de diciembre; 3, 6 de enero).

 

Programa:

 

Música de Vincenzo Bellini (1801-1835).

§ Libreto de Felice Romani, basado en el ballet-pantomima de La Somnambule, ou l'arrivée d'un nouveau seigneur de Eugène Scribe.

§ Estrenada en el Teatro Carcano de Milán el 6 de marzo de 1831.

§ Estrenada en el Teatro Real el 10 de diciembre de 1850.

§ Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el New National Theatre Tokio, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro Massimo di Palermo.

La podemos ver, en el madrileño coliseo de la ópera, Teatro Real, los días 15, 16, 18, 19, 23, 26, 27, 29 y 30 de diciembre y 2, 3, 4 y 6 de enero.

 

Madres e hijas, nunca juntas en misa

Ana Graciani escribe y dirige el drama A que voy yo y lo encuentro con música sobre la compleja relación entre madres e hijas. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco.

El Teatro Quique San Francisco ofrece la representación de un drama con música y canciones escrito y dirigido por Ana Graciani, que reflexiona acerca de la siempre compleja relación entre madres e hijas. Su título, A que voy yo y lo encuentro.

La obra cuenta con la participación de las actrices Chiqui Fernández y Rosa Merás, a quienes acompaña la cantante Ester Fernández y el músico Juan Miguel Valero. Todos ellos narran cómo Amparo fue la cuidadora de Ángela, una anciana que está ahora en una residencia. Alba es su hija y acaba de llegar a la ciudad para recoger sus últimas cosas, ya que el piso está a la venta. Alba lleva años sin hablarse con Ángela y no tiene intención de ir a visitarla a la residencia.

Por otro lado, en la vivienda familiar se encuentra con Amparo, que ha ido a revisar los viejos discos de Ángela para hacerle una lista de canciones que le ayude a mantener viva su memoria. Pero es que Alba se dedica a la música indie y ha actuado en prestigiosos circuitos y festivales internacionales. Ella desprecia las canciones que le gustan a su madre, ya que piensa que es un tipo de música dirigida a personas incultas, aunque se trata de éxitos comerciales que conllevaron millones de reproducciones en todo el mundo. Así, a través de diversas melodías se brindan piezas cortas que descubren las frustraciones, emociones, peleas y amores que unen a las madres y sus hijas.

Para el montaje se realizó un cuestionario para madres e hijas que circuló por las redes sociales y al que contestaron más de 300 niñas y mujeres de todas las edades. Posteriormente se celebró un laboratorio teatral en el que participaron más de 50 mujeres y que permitió ahondar en las aristas más escuchadas y conocer distintas historias de madres e hijas con el fin de crear esta función.

La podemos ver, del 7 de diciembre, al 7 de enero, en el madrileño Teatro Quique San Francisco.