Opera

“Bomarzo”. Teatro Real. Del 25 de abril, al 7 de mayo

“ Bomarzo” es una ópera de Alberto Ginastera con libreto de Manuel Mujica Lainez, basada en la novela del mismo título, lo que supone un acontecimiento en Madrid, por tratarse de una obra fundamental en el mundo operístico latinoamericano. El director de escena Pierre Audi concibe un espacio mental y claustrofóbico, que pone de relieve la soledad del protagonista, Pier Francesco Orsini, inmerso en el mundo traumático del final de su existencia. El director de orquesta alemán David Afkham, actual director de la ONE, estará al frente del Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real y de un reparto internacional encabezado por John Daszak, quien dará vida al duque italiano.

Punto de partida

Había una vez una noble familia italiana que hizo construir cerca de su palacio un jardín sin par. Pero no es este el jardín soñado de los cuentos de hadas. Bomarzo es un lugar donde acechan figuras monstruosas esculpidas sobre rocas volcánicas. Un escenario de pesadilla en que Manuel Mujica Lainez sitúa su novela cumbre, que él mismo adaptaría para transformarla en libreto de ópera. El protagonista, el duque Pier Francesco Orsini, es un personaje de cuerpo y mente deformados en busca de la inmortalidad que, creyendo beber una pócima mágica, toma en cambio un veneno que le quita la vida. Mientras agoniza, Orsini rememora episodios decisivos y a menudo traumáticos de su existencia, en un aterrador juego de espejos donde los espectros de piedra no son sino un reflejo de su interior más tenebroso. Cuando se encargó a Alberto Ginastera escribir una obra para la Opera Society de Washington, el compositor tuvo claro que se valdría de esta historia, y la dotó de un lenguaje musical complejo que inunda la escena de desasosiego.

Lo esencial

Ópera en dos actos

Música de Alberto Ginastera (1916-1983)

Libreto de Manuel Mujica Lainez, basado en su novela Bomarzo
 
Estrenada en el Lisner Auditorium de Washington D.C. el 16 de mayo de 1967

Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproduccion con De Nationale Opera de Ámsterdam

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

Ficha Artística

·         Dirección musical:David Afkham

·         Dirección de escena:Pierre Audi

·         Escenografía e iluminación:Urs Schönebaum

·         Figurines:Wojciech Dziedzic

·         Dramaturgia:Klaus Bertisch

·         Vídeo:Jon Rafman

·         Coreografía:Amir Hosseinpour, Jonathan Lunn

·         Dirección del coro:Andrés Máspero

· - ·

·         Pier Francesco Orsini:John Daszak

·         Gian Corrado Orsini:James Creswell

·         Diana Orsini:Hilary Summers

·         Girolamo:Germán Olvera

·         Maerbale:Damián del Castillo

·         Julia Farnese:Nicola Beller Carbone

·         Nicolás Orsini:Albert Casals

·         Silvio de Nardi:Thomas Oliemans

·         Pantasilea:Milijana Nikolic

·         Mensajero:Francis Tójar 

Teatro-Clásico

“Aquiles, el hombre”. Teatro Bellas Artes. Hasta el 23 de abril.

https://www.youtube.com/watch?v=TAU2h22QYEU

Este es uno de los mejores montajes que se pudieron ver en el pasado “Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida”, dentro del ciclo  “Festival de Mérida en Madrid”.

Basado en “La Iliada”, de Homero, la obra  cuenta con la dramaturgia de Roberto Rivera bajo la dirección de José Pascual; escenografía de Curt Allen Wilmer; música original de Luis Delgado y un vestuario contemporáneo con toques clásicos diseñado por Pier Paolo Alvaro  completa esa ambientación actual y atemporal que busca el espectáculo para situarnos en la guerra de Troya o en cualquier guerra.

 El conocido actor Toni Cantó se mete en la piel de Aquiles, el mítico personaje de “La Ilíada” que se presenta, aquí, no tanto como un héroe y un semi-dios sino como un hombre que se debate entre la angustia de cumplir su destino y su deber, como es el de continuar con la guerra y morir, o dejarse llevar por sus sentimientos. “Aquiles es un visionario, un antisistema, un creador, que por primera vez se plantea no solo que las cosas pueden ser de otra manera, sino que pueden ser mucho mejor”, lo define Cantó.

Argumento

Son ya nueve años los que el ejército aqueo lleva asaltando sin éxito las murallas de Troya. Nueve años desde que una alianza de los pueblos griegos se pusiera en marcha para vengar la afrenta del rapto de Helena, esposa de Menelao, a la que el troyano Paris custodia tras los muros de Ilión. Pero Troya se muestra inexpugnable y el desaliento y la discordia hacen su aparición en el campamento aqueo. Todos los ojos se vuelven hacia Aquiles, el más poderoso de los guerreros griegos, el héroe semi-divino del que se espera una intervención decisiva que haga cambiar el curso de la batalla. Pero Aquiles, hastiado de la guerra, se pregunta si merece la pena cumplir su destino.

Así comienza Aquiles, el hombre versión dramatizada de los hechos fundamentales narrados en la Ilíada, el más antiguo de los poemas épicos de la literatura occidental. Los Dioses son aquí presencias lejanas y la sangre y la batalla un telón de fondo sobre el que asistiremos al despliegue de la conciencia del héroe. Veremos como el caudillo griego Agamenón humilla a Aquiles al arrebatarle a Briseida, su esclava favorita, y cómo Aquiles renuncia a la lucha, dejando a sus compañeros a los pies de una derrota segura ante las fuerzas troyanas. Cuando su íntimo Patroclo sea asesinado por Héctor, el caudillo troyano, Aquiles volverá a tomar las armas para enfrentarse en duelo a Héctor. Del dolor por la muerte de su amigo surge un Aquiles vengativo y cruel, que sólo busca la muerte de Héctor y la profanación de su cadáver. Pero cuando Príamo, el padre de Héctor, se presenta ante él y le pide que le entregue el cadáver de su hijo para darle sepultura, Aquiles encuentra el rastro de compasión que necesita. Surge entonces un Aquiles humano, capaz de entender a su enemigo y aceptarse a sí mismo.

Este es el trayecto que propone Aquiles: de la rueda de violencia y venganza que sólo genera más violencia, a la aparición de la compasión que funda un espacio de entendimiento.

Cabaret

“¡Ohlala!”. Teatro de la Luz Philips. Toda la temporada.

https://www.youtube.com/watch?v=TMElt7uDq44

 “Rompe tus límites, abre tus fronteras. ¡No hay reglas! Todo depende de ti y de tus fantasías”. Este es el eslogan del cabaret que nos ocupa. Después de su arrollador paso por Las Vegas, Zúrich y el Folies Bergère de París, llega a Madrid “¡Ohlalá!” – Sexy – Crazy – Artístic, un cabaret-circo con los mejores acróbatas, los campeones del mundo de patinaje y bailarines españoles. 

Eva seduce a Adán haciéndole probar la fruta del árbol del conocimiento. Él es vencido por la tentación y el atractivo de lo prohibido. Para ambos significa la expulsión del paraíso. Hojas de higuera cubren desde ese momento su género como un signo de vergüenza, de su pecado. La seducción ha triunfado.

Mucho drama, altas dosis de romance, acrobacias impresionantes con un sonido cautivador y moderno, una pizca de provocación… “¡Ohlalá!” es todo esto y mucho más! Sumérgete en un mundo mágico marcado por coreografías sorprendentes. Esta buena producción se ha dejado inspirar por la obra de ballet de Tchaikovsky “El lago de los cisnes” y la película “Cisne negro”. ¡Y lo cierto es que fascina a los espectadores porque es un show en el que se ponena prueba la tentación y la sensualidad.

Espectáculo recomendado para mayores de 16 años.

Danza

“Elías. Ensayo sobre el olvido”. Teatro de la Puerta Estrecha. Toda la temporada”.

https://www.youtube.com/watch?v=q0JsNfCZOf0

La compañía malagueña SilencioDanza con Nieves Rosales la frente, vuelve a aunar el lenguaje teatral y dancístico con la intención a través de la técnica, la experimentación y la interpretación.

"Un viejo magnetófono, una butaca.
La sombra de un hombre que acude fiel, a su cita con la memoria.
¿y si lo que de verdad importa es el instante?
Un momento puede bastar para llenar una vida.
... Escuche..."
"Elías..." pretende alejarse de todo artificio en pro de una línea limpia, más cercana a lo teatral bien entendido desde la danza para lanzar un mensaje claro y directo conectando con el espectador desde la emoción y la técnica porque entendemos que cualquier cuerpo en acción es una escritura.
... Elías, es el miedo a olvidar lo que necesitamos recordar La música, la literatura, el cuerpo se reúnen en Elías. Ensayo sobre el olvido.

Por todo elenco, un único personaje acompañado del piano, el cello y la guitarra, que ponen en pie el discurso de la memoria trabajado en un solo acto.
Pablo Bujalance, Rafael Porras, César Jimenez, José Rojo junto a Nieves Rosales, acaban de darle forma y vida a este montaje que podría transportarnos a un universo casi de esencia beckettiana.

Teatro-Comedia

“Zenit”. Teatro María Guerrero. Hasta el 9 de abril.

https://www.youtube.com/watch?v=0g0nDsleZ9Y

La célebre compañía catalana Els Joglars presenta “Zenit”, una comedia con escenas musicales que satiriza la adulteración ética y moral que han sufrido los medios de comunicación. 

Ramon Fontserè dirige esta obra que reflexiona de manera mordaz sobre el devenir del llamado “Cuarto Poder”. La podredumbre en la que se ha sumido este sector se ve reflejada en las oficinas del periódico Zenit, uno de los más importantes del país.

En ese escenario se representa el trabajo diario, las influencias y presiones que soportan los periodistas y las amistades de los directivos con la clase política y económica. Todo ello con la intención de manipular, recortar o trastocar la realidad a gusto del consumidor.

El cuatro de abril está previsto un encuentro con el público al finalizar la función en la sala Margarita Xirgu. Asimismo, los días seis y siete de abril se han organizado sesiones accesibles para personas con discapacidad auditiva y visual.

No cabe duda de que Eljs Joglars, tanto en su primera etapa, con Albert Boadella al frente, como ahora, en su segunda, con Ramón Fontserè, ha roto los esquemas de la producción y montaje teatrales de la escena española de los últimos cuarenta años. Con un estilo irreverente –tanto en el fondo, como en la forma-, unos temas de plena actualidad, una crítica mordaz a todo lo que ellos consideran injusticia, la compañía sigue más viva que nunca. Por eso, siempre llenan los teatros y son objeto del deseo de los medios de comunicación. No es de extrañar…

Teatro-Drama

“Séneca”. Teatro Valle-Inclán. Hasta el 14 de mayo.

https://www.youtube.com/watch?v=r5DIm2WepH4

El director Emilio Hernández recupera treinta años después de su estreno la obra “Séneca”, de Antonio Gala. Una función producida por el Centro Dramático Nacional que está interpretada por Daniel Diges y Carmen Linares.

Gala traza a través de las experiencias vitales y la historia del político y filósofo hispanorromano una reflexión acerca de la delgada línea que separa el poder y la moral. Una contraposición entre la virtud y la moralidad en una época asaltada por la corrupción y la degeneración ética.

El 20 de abril, está previsto un encuentro con el público a las 19:30 h en la sala El Mirlo Blanco. Asimismo, los días cuatro y cinco de mayo se han organizado funciones accesibles para personas con discapacidad auditiva y visual.

Hacía tiempo que no veíamos, en nuestras tablas, ninguna obra de este conocido dramaturgo y poeta tan nuestro. Ahora, afortunadamente, vuelve con este texto tan moralmente inspirado y, por ende, tan necesario en la loca sociedad actual…

Opera

“Rodelinda”. Teatro Real. Del 24 de marzo, al 5 de abril.

https://www.youtube.com/watch?v=P0oWxjGS8dA

La ópera “Rodelinda”, de Händel, llega, por vez primera, al Teatro Real en una nueva producción de uno de los mejores directores de escena del momento: Claus Guth, con dirección musical de Ivor Bolton, uno de los máximos especialistas en la interpretación de este repertorio. De todos los tipos de amor que dibujan los libretos operísticos –el romántico, el prohibido, el familiar, el amor al poder, el amor a la patria o incluso el amor propio–, el que más escasea es precisamente el más ritualizado: el amor conyugal.

Georg Friedrich Händel vio en la fidelidad de la reina de Lombardía hacia su esposo una historia en que inspirarse para componer la que llegaría a ser una de sus óperas más apreciadas desde su estreno en Londres en 1725, y que ahora llega a España.

Punto de partida

De todos los tipos de amor que dibujan los libretos operísticos -el romántico, el prohibido, el familiar, el amor al poder, el amor a la patria o incluso el amor propio- el que más escasea es precisamente el más ritualizado: el amor conyugal. Antes de que Ludwig van Beethoven apostara por la rareza que supone ensalzar la lealtad matrimonial en su Fidelio, Georg Friedrich Händel ya vio en la fidelidad de la reina de Lombardía por su esposo una historia en que inspirarse para componer la que llegaría a ser una de sus óperas más apreciadas desde su esterno en Londres en 1725, y que ahora llega al Teatro Real. Para ello se sirve del personaje de Rodelinda, que mantiene su compromiso con Bertarido a pesar de creerlo muerto, y se resiste a casarse con el usurpador del trono, Grimoaldo, deseoso de cimentar su control sobre Milán gracias a esa boda. Händel escribe una música cautivadora y medida al milímetro para insuflar veracidad a cada matiz emocional, convirtiendo a Rodelinda en una historia llena de coherencia y solidez dramática -no en vano está basada en una obra de Pierre Corneille, Pertharite, roi des Lombards- donde se reinvidican como indestructibles los cimientos del matrimonio.

Música de Georg Friedrich Händel (1685-1759)

Libreto de Nicola Francesco Haym, adaptación del libreto Rodelinda, regina de 'longobardi, basado a su vez en la obra Pertharite, roi des Lombards de Pierre Corneille
 
Estrenada en el King's Theatre de Londres, el 13 de febrero de 1725

Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción de la Ópera de Fránkfurt, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opéra de Lyon

Orquesta Titular del Teatro Real