Vida y obra de Valle-Inclán

El reconocido actor Pedro Casablanc ofrece un monólogo basado en la obra de Ramón Gómez de la Serna sobre la vida del célebre dramaturgo. Su título: Don Ramón María del Valle-Inclán. En breve, la podremos ver en el madrileño Teatro Español. 

El actor Pedro Casablanc protagoniza, en el madrileño Teatro Español, un monólogo basado en la obra de Ramón Gómez de la Serna que brinda una biografía íntima de la vida y los secretos personales de Ramón María del Valle-Inclán.

Acompañado tan solo por la música en directo del pianista Mario Molina Gómez, Casablanc se sumerge en la verdadera constancia de qué vivió y de cómo fue el gran literato español. Una manera de conocer más en profundidad sus herramientas de análisis, sus instrumentos de disección, su canon estético... Lo cual en el fondo también radiografía al otro Ramón, conformando un doble retrato de dos de los escritores más prolíficos de las letras españolas del siglo XX.

Pedro Manuel Ortiz Domínguez, alias Pedro Casablanc, es un intérprete español nacido en Casablanca (Marruecos), en 1963, que se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla. Se inició en el teatro en las compañías del Teatro de la Jácara y el Centro Andaluz de Teatro (CAT) y, en 1991, se mudó a Madrid, donde se integró en el equipo del Teatro de La Abadía.

Más tarde, se dio a conocer al aparecer en series televisivas como Policías, en el corazón de la calle, dando vida al personaje de Ruso, Motivos personales, como Pablo Acosta, El pantano, Hospital Central o Isabel. También ha participado en películas como Che: Guerrilla de Steven Soderbergh, Los años bárbaros de Fernando Colomo, Nieva en Benidorm de Isabel Coixet o Dolor y gloria de Pedro Almodóvar.

En definitiva, es uno de los actores más reputados del teatro, cine y TV españoles.

La podemos ver, del 2, al 9 de marzo, en el madrileño Teatro Español.

Políticamente incorrecto

La dramaturga Lucía Carballal escribe y dirige Los pálidos, una pieza que ahonda en la televisión y la corrección política. La podemos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán, uno de los dos teatros públicos nacionales, junto al mítico Teatro María Guerrero.

La dramaturga Lucía Carballal se estrena también como directora con un montaje dramático que explora el mundo de la televisión y examina los dilemas de la corrección política y el miedo a la cancelación social: Los pálidos.

La función cuenta con la participación de los actores Israel Elejalde, Miki Esparbé, Natalia Huarte, Manuela Paso y Alba Planas, quienes posicionan al público en el despacho de un grupo de guionistas de televisión. Son los responsables de una serie que va sobre un equipo de voleibol femenino, que pretendía ser un ejemplo de sororidad femenina, pero que ha sido defenestrada por sexista.

Pero, ahora, los guionistas se enfrentan al que podría ser su último trabajo y para evitar su caída en desgracia se exprimen mentalmente para crear un giro argumental que remonte la situación y consiga el éxito que pretendían. No obstante, para ello deben mezclar cuestiones que van desde las tendencias ideológicas mayoritarias del momento y el efectismo ficticio hasta la corrección política, sin olvidar su propia honestidad personal.

De tal modo, la pieza ahonda en las relaciones de poder, la feroz industria televisiva y las pulsiones sociales que invaden todos los resquicios del ocio. A lo que se une ese miedo a ser señalado que está permeando poco a poco entre la población.

Nacida en Madrid, en 1984, Lucía Carballal es una dramaturga y guionista formada en Dramaturgia en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD) y el Institut del Teatre de Barcelona, para después cursar el Máster en Guion de Cine y Televisión de la Universidad Carlos III de la capital española.

Es la autora de más de una decena de textos teatrales, entre los que destacan Las bárbaras, La resistencia (candidato a los Premios Max 2020 en la categoría de mejor autoría teatral), A España no la va a conocer ni la madre que la parió (ganador del Premio EURODRAM) o Mejor historia que la nuestra (merecedor de un accésit del Premio Marqués de Bradomín 2012).

Ha trabajado para la televisión como guionista en la serie Vis a vis y su secuela Vis a vis: el oasis, y ha impartido cursos de escritura teatral y audiovisual en centros como la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM), La Casa Encendida y la Sala Beckett. En definitiva, toda una dramaturga de pro…

 

La podemos ver, hasta el 26 de marzo, en el madrileño Teatro Valle Inclán.

 

De boba, nada

El reconocido dramaturgo Rodrigo Arribas se pone al frente de la adaptación de la comedia de enredo La dama boba, de Lope de Vega. Dicha dama de boba no tiene un pelo. La podemos ver en el madrileño espacio para el teatro clásico Corral Cervantes. 

La comedia de enredo La dama boba, escrita por Lope de Vega y que forma parte de uno de los clásicos del Siglo de Oro, es la nueva propuesta del espacio para el teatro del Siglo de Oro Corral Cervantes, cerca de Matadero Madrid. Se trata de un montaje con dramaturgia y dirección de Rodrigo Arribas y que se centra en la transformación de la boba Finea en dama discreta gracias al poder educativo del amor.

En esta adaptación se presenta, a partir del juego escénico, un espectáculo con varios niveles de lectura, desde el juego de amores hasta la lucha contra lo establecido, ofreciendo una mirada lúcida y nada obsoleta de lo que amamos y razonamos.

La dama boba terminó de escribirse en el año 1613 y forma parte del género de las comedias de enredo que plantea el recurrente y revisitado juego cómico entre el amor y la razón, propio tanto del Siglo de Oro como de su autor Lope de Vega.

Su historia lleva al espectador hasta la España del siglo XVI, donde dos hermanas, Finea y Nise, son víctimas del machismo imperante en la época. Para combatirlo, Nise decide escribir con el fin de poder expresar su odio, pero Finea prefiere hacerse la tonta. Todo cambia cuando un amor en común les hace enfrentarse entre ellas.

Esta dama no tiene un pelo de tonta…De boba n´a de n’a…

La podemos ver, hasta el 30 de junio, en el madrileño espacio Corral Cervantes.

 

¿Quién dijo zarzuela..?

 

El conocido dramaturgo y fundador de la popular compañía Els Joglars Albert Boadella estrena, en Madrid, una obra poética sobre el pasado y la zarzuela. ¿ Su título? : Malos tiempos para la lírica. La podremos en breve ver en los madrileños Teatros del Canal.

Después de La Diva, los actores-cantantes María Rey-Joly y Antonio Comas de nuevo se ponen a las órdenes de Albert Boadella (fundador del mítico grupo Els Joglars) para estrenar una obra de teatro lírico que a través de la zarzuela explora el trabajo escénico y el éxito artístico.

Su historia presenta a una famosa solista española que ha triunfado en los Estados Unidos y ha sido galardonada con cinco premios Grammy, gracias a adaptar grandes temas de la zarzuela a los ritmos más modernos. Sin embargo, la prolífica carrera que ha vivido en los últimos años y la cantidad de conciertos realizados han hecho que haya ido perdiendo la voz.

Su entrenador vocal le aconseja tomarse un descanso, volver a reconectar con sus inicios profesionales. Así, decide visitar a su viejo maestro de zarzuela, quien ahora está recluido en una residencia. El encuentro entre ambos provoca debates artísticos, pero también les ofrece la posibilidad de empezar una nueva relación personal. Mediante sus recuerdos y experiencias, se evocan las decisiones que tomaron años atrás y que les llevaron por caminos diferentes: a él hacia una existencia tranquila en el olvido y a ella hacia la desquiciada vida del estrellato musical.

Albert Boadella es un dramaturgo e intérprete español fundador y director hasta 2012 del prestigioso grupo Els Joglars. Sus obras acostumbran a contener una fuerte carga satírica y crítica contra la sociedad, el poder político y la Iglesia. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Teledeum, El rapto de Talía, Memorias de un bufón y Adiós Cataluña. Crónicas de amor y de guerra.

 

La podemos ver, del 15 de febrero, al 5 de marzo, en los madrileños Teatros del Canal. 

El teatro también puede ser peligroso

El director croata Bobo Jelčić estrena en España una obra sobre los peligros y el teatro, titulada Sorry (lo siento). La podremos ver en los madrileños Teatros del Canal. 

El director croata Bobo Jelčić estrena, en España, una obra que investiga los peligros de la vida diaria y su vínculo con el teatro: Sorry (Lo siento). Dos únicas funciones que se representan en croata con sobretítulos en español.

Con un libreto escrito por la dramaturga Mirna Rustemović, el montaje ofrece una nueva perspectiva acerca de los peligros de hoy día, especialmente aquellos resultantes del mundo pos-pandémico. Jelčić se centra en las cuestiones emocionales y sociales, reflexionando sobre las nuevas reglas que rigen al individuo. Sus personajes parten de luchas cotidianas que se contraponen con el poder de la imaginación y la inocencia del arte.

De tal modo, hace un ejercicio meta-teatral para explorar la vida en el teatro y el teatro en la vida, utilizando un enfoque muy específico durante el trabajo con los actores. Además, para dar forma a la pieza, Bobo se ha basado en las películas Two Woman Who Ran de Sang-Soo Hong y Sorry We Missed You de Ken Loach.

Así, inspirándose en los marcos de estilo de las primeras telenovelas estadounidenses, una madre soltera vive en un pueblo conservador donde todos saben todo sobre todos y donde todos llevan una vida adecuada. Ella trata de mantener una apariencia normal cargándose de dignidad y buenos modales, pero, en realidad, esconde un doloroso secreto que ha determinado su existencia. Ahora, teme que su hija cometa el mismo error y maniobra para alejarla de los peligros sociales, aunque lo que está haciendo es empujarla sin quererlo hacia el mismo destino.

Bobo Jelčić es un dramaturgo y director nacido en 1964, en Mostar (Bosnia-Herzegovina), y graduado en dirección escénica por la Academia de Artes Dramáticas de Zagreb (Croacia). Es uno de los directores croatas más destacados de las últimas décadas y ha ganado numerosos premios por sus proyectos teatrales, incluidos los premios en el Festival de Verano de Dubrovnik, el Wiener Festwochen y el Festival Internacional de Teatro de Sarajevo. También trabaja como profesor de interpretación en la Academia de Artes Dramáticas de Zagreb.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, los próximos días 24 y 25 del mes.

Contra la guerra y la violencia militares

El reconocido dramaturgo y director Alfredo Sanzol La valentía, La ternura) crea en Fundamentalmente, fantasías para la resistencia, un alegato contra la violencia y la guerra, a través del humor. En breve, la podremos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán.

El reconocido dramaturgo y director Alfredo Sanzol (Premio Nacional de Literatura Dramática 2016 por La Respiración y XII Premio Valle-Inclán de Teatro 2017 por La ternura) nos trae, a través de su última obra (Fundamentalmente, fantasías para la resistencia) un alegato contra la violencia y la guerra a través del humor.

La obra tiene como protagonista a Patricia, una autora y directora de teatro que vive y trabaja en Kiev (Ucrania), cuando se encuentra con la invasión rusa del país. Ante los bombardeos y las escaramuzas militares, Patricia convierte su sala de ensayos en un refugio para los actores y sus familias. Pero, mientras esperan que la guerra termine, Patricia decide seguir produciendo arte, por lo que comienza a diseñar un nuevo montaje: Pim, Pam, Putin.

Con ello no solo desea seguir dotando al teatro de su carácter social, sino que también quiere mantener unidos a sus seres queridos y alejar a su hija Olena de las consecuencias de la contienda. Sin embargo, a partir del momento en el que muere el personaje de Putin, todo se transforma en un gran caos. De tal modo, Sanzol crea un homenaje a la imaginación como herramienta para salvar vidas dentro del contexto actual geopolítico, que, además, ha contado con la colaboración de Anabell Sotelo del ProEnglish Theatre de Kiev. Con su ayuda se ha confeccionado una tragicomedia capaz de expresar el dolor frente al mal y la destrucción, así como la reivindicación de la inocencia como una manera para resistir los envites más amargos de la vida.

La podemos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán, del 24 de febrero, al 16 de abril.

 

Pura filosofía clásica

Atalaya Teatro presenta la obra de Peter Weiss Marat-Sade con la dirección, adaptación y dramaturgia de Ricardo Iniesta. La podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

Atalaya Teatro – compañía teatral española especializada en versiones de textos clásicos- presenta en su 40º aniversario, dentro de la iniciativa  Teatro Dentro del Teatro, la tragicomedia en dos actos: Persecución y muerte de Jean Paul Marat, representada por el grupo teatral del hospital de Chareton bajo la dirección del señor de Sade. Una referencia indiscutible en el teatro contemporáneo que puede verse del 22 al 26 de febrero en la Sala Guirau del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

Muestra un choque entre diferentes posiciones ideológicas que se dieron durante la revolución francesa, encarnadas en cinco personajes reales: el revolucionario Jean Paul Marat, líder de los jacobinos; el Marqués de Sade, partidario de la transformación del individuo más que de lo colectivo; Jacobo Roux, revolucionario precursor de la Comuna de París; Carlota Corday, aristócrata girondina y Coulmier, director del hospital y representante del orden napoleónico.

La obra se desarrolla en tres tiempos: 1793, año que fue asesinado Marat, a los cinco años del triunfo de la Revolución Francesa, que es la época en que sitúan la acción los internos del hospital; 1808, el momento en el que acontece la representación en el hospital y, por último, la época actual en que los actores reales la llevan a cabo.

Aunque no es real que llegaran a encontrarse Marat y Sade, pero sí lo es la estancia del Marqués en el hospital de Charenton, donde se dedicó a dirigir obras de teatro que alcanzaron notoriedad entre los parisinos. La trama se basa en las tres visitas de Carlota Corday hizo a la casa de Marat, en la última de las cuales logra su propósito: asesinarlo.

La representación es interrumpida por los ataques de los locos o por el director del hospital que recuerda al director la censura sobre el texto. Los actores encarnan un doble rol: son enfermos en un hospital psiquiátrico y a la vez son los actores que interpretan su papel en la función que Sade dirige en la sala de baños del manicomio.

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, hasta el próximo día 26 del presente.

Una ópera barroca greco-latina

El Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU) ha recuperado la obra lírica Aquiles en Esciros, estrenada para la Corte en el Real Coliseo del Buen Retiro de Madrid, en 1744, siendo la primera vez que ve la luz pública desde entonces. La podemos ver, con la participación de la Orquesta Barroca de Sevilla, en el madrileño Teatro Real de Madrid.

Dirigida por el prestigioso director Ivor Bolton, la ópera barroca Aquiles en Esciros narra cómo Tetis, la madre de Aquiles, esconde a su hijo vistiéndolo de mujer en la isla de Esciros, temerosa de que el poderoso ejército griego se lo lleve a la guerra contra Troya. Pero los griegos no cejan en su búsqueda ya que una profecía dicta que sin este invencible guerrero heleno no habrá victoria en Troya.

Bajo el nombre de Pirra consigue introducirse en la corte del rey Licomedes y hacerse un hueco entre las siervas de la princesa Deidamía, hija del monarca. Pero Aquiles termina enamorándose de ella, complicando con ello su enmascaramiento. Por si fuera poco, la situación se enreda aún más cuando los griegos acuerdan enviar a un diestro embajador a la corte de Licomedes para encontrar a Aquiles: Ulises.

La podemos ver, hasta el 25 de este mes, en el madrileño Teatro Real.

Ficha artística

§ Director musical - Ivor Bolton

§ Director de escena - Mariame Clement

§ Escenógrafa y figurinista - Julia Hansen

§ Coreógrafo - Mathieu Guilhaumon

§ Iluminador - Ulrik Gad

§ Créditos imágenes - © Javier del Real Teatro Real

Orquesta Barroca de Sevilla

Coro Titular del Teatro Real 

 

Reparto

 

§ Licomede - Andrea Mastroni / José Coca (21 febrero)

§ Ulisse - Tim Mead 

§ Deidamia - Francesca Aspromonte 

§ Teagene - Sabina Puértolas

§ Achille / Pirra - Franco Fagioli

§ Arcade - Kryzstian Adam

§ Nearco - Juan Sancho

 

Programa

 

Ópera dramática en tres actos

§ Música de Francesco Corselli (1705-1778)

§ Libreto de Pietro Metastasio

 

Lorca en la mirada de Carlos Saura

India Martínez protagoniza el montaje Lorca de Saura, del recientemente fallecido director de cine Carlos Saura, que narra la vida de García Lorca. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel.

Lorca de Saura es un montaje del recientemente fallecido director de cine y Goya de Honor Carlos Saura, que narra la vida de Federico García Lorca. Es un espectáculo narrado a través de los ojos de una mujer de nuestro tiempo, la cantante India Martínez, recreando los momentos clave de su vida, desde su infancia en la vega de Granada hasta su fusilamiento durante la guerra civil.

El cineasta Carlos Saura, recientemente fallecido y galardonado con el Goya de Honor 2023, es el responsable de este montaje que protagoniza la cantante andaluza India Martínez que recibió el Premio Goya a la Mejor Canción Original en 2015, acompañada en escena por Saturna Barrio y Alberto Amarilla. Antonio Bejarano pondrá el acompañamiento musical.

La obra juega con fragmentos de las obras escritas por Lorca combinados con otros escritos creados por el autor, recreando ese estilo y ese lenguaje poético. El espectáculo incorpora el cine, la música, la fotografía, el baile y la pintura, convirtiéndolo en un montaje artístico impecable y variado.

Y, finalmente, el texto es un compendio de disciplinas artísticas, perfectamente mezcladas, con la habitual destreza que caracteriza al Saura, generando así un entretenimiento que toca directamente los sentimientos del público.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, desde hoy, al 15 de marzo.

 

Una comedia de enredo de Lope de Vega

El director de escena Rodrigo Arribas se pone al frente de esta adaptación de la comedia de enredo de Lope de Vega La dama boba. La podemos ver en el madrileño Corral Cervantes.

La nueva temporada del espacio para el teatro clásico Corral Cervantes ofrece la representación de una adaptación de la comedia de enredo La dama boba escrita por Lope de Vega y que forma parte de uno de los clásicos del Siglo de Oro. Un montaje con dramaturgia y dirección de Rodrigo Arribas y que se centra en la transformación de la boba Finea en dama discreta, gracias al poder educativo del amor.

En esta adaptación se presenta, a partir del juego escénico, un espectáculo con varios niveles de lectura, desde el juego de amores hasta la lucha contra lo establecido, ofreciendo una mirada lúcida y nada obsoleta de lo que amamos y razonamos.

La dama boba terminó de escribirse en el año 1613 y forma parte del género de las comedias de enredo que plantea el recurrente y revisitado juego cómico entre el amor y la razón, propio tanto del Siglo de Oro como de su autor Lope de Vega.

Su historia lleva al espectador hasta la España del siglo XVI, donde dos hermanas, Finea y Nise, son víctimas del machismo imperante en la época. Para combatirlo, Nise decide escribir con el fin de poder expresar su odio, pero Finea prefiere hacerse la tonta. Todo cambia cuando un amor en común les hace enfrentarse entre ellas. Y es que el amor siempre lo puede todo…

La podemos ver en el madrileño Corral Cervantes, del 14 de este mes, al 30 de junio.

 

Conocido experimento científico

La internacionalmente conocida compañía Comédie-Française estrena, en España, su versión de este relato de terror. Su título, La mosca. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

La compañía Comédie-Française estrena en España su versión de la mítica historia La mosca, de George Langelaan. Una obra que se desarrolla en francés con sobretítulos en español.

Tras presentar, en 2020, en estos mismos teatros madrileños, su adaptación de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne, los franceses Valérie Lesort y Christian Hecq regresan con un espectáculo que incorpora no solo el teatro, sino también el movimiento corporal, efectos especiales y una estética de la época de los inicios de la informática.

Su argumento, donde los genes de un científico se mezclan con los de una mosca, está considerado como uno de los mejores dentro del terror del siglo XX, encontrándose integrado en la antología Relatos del Antimundo. Además, fue llevado al cine por Kurt Neuman en 1958 y David Cronenberg en 1986, mezclando sus vertientes de ciencia ficción y miedo atávico.

Su historia posiciona al público en los años 70 y tiene como protagonista a Robert, un solterón gordo, calvo y malhumorado que vive con su madre en una especie de garaje-habitación donde intenta construir una máquina de teletransporte. Preocupada por la vida tan solitaria de Robert, su madre, Odette, invita a casa a Marie-Pierre, una mujer cohibida y solterona, para ver si ambos hacen buenas migas.

Pero Robert sigue realizando sus experimentos con animales para perfeccionar su máquina, hasta el punto de que convence a Marie-Pierre para que se convierta en el primer humano que jamás haya sido teletransportado…

La podemos disfrutar en los madrileños Teatros del Canal, hasta el próximo día 12 del mes.

 

 

Interpretación del instrumento la leona

Este es el estreno, en Madrid, de la interpretación libre que Olga Pericet, Premio Nacional de Danza 2018, realiza junto a un equipo de músicos. Su título: La Leona. La podemos ver en el madrileño Teatro Conde Duque.

La Leona es una interpretación libre de la bailaora Olga Pericet, inspirada en un instrumento único, La leona, la célebre guitarra de Antonio De Torres y en su proceso de construcción, singular, lleno de matices, misterios y poesía, Pericet se sumerge en los orígenes del cuerpo flamenco, en el preflamenco, en su mitología y misterio ancestral.

La esencia y el origen de Olga Pericet, Premio Nacional de Danza 2018, queda al descubierto en este espectáculo de baile, donde pone a prueba su bravura, desnudándose física y espiritualmente en una experiencia única e íntima con los espectadores.

La bailaora cordobesa estrena en Madrid su última obra basada en la leyenda de la guitarra creada por Antonio Torres en el siglo XIX. Nos propone un diálogo entre el animal y el instrumento en la simbología de La Leona, la célebre guitarra de Antonio De Torres que podría considerarse el primer prototipo de guitarra española y flamenca.

Junto a un equipo de cinco músicos, Pericet realiza una interpretación libre, en la que según sus palabras quiere sumergirse en los orígenes del cuerpo flamenco, del pre-flamenco, en su mitología y misterio ancestral, que es como un animal que ruge poderoso frente a esas cuerdas de las primeras guitarras de sonido destemplado.

 

La podemos ver en el madrileño Teatro Conde Duque, del 9, al 11 de este mes.

 

La avaricia rompe el saco

El dramaturgo Ricardo Iniesta y la compañía Atalaya Teatro presentan una adaptación de la muy conocida obra El avaro, de Molière. La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

La Sala Guirau del Teatro Fernán Gómez, de Madrid, acoge la representación de una adaptación de El avaro, de Molière que llega de la mano del dramaturgo Ricardo Iniesta y la compañía Atalaya Teatro.

Este año, se conmemoran los 350 años del fallecimiento de Molière, considerado como uno de los grandes dramaturgos de la literatura universal. Ahora Atalaya Teatro aborda, por vez primera, este texto cuando la compañía cumple 40 años de trayectoria profesional.

Para la ocasión, el director Ricardo Iniesta ha realizado una adaptación manteniendo la esencia de la obra pero suprimiendo aquellas partes que peor han envejecido o que resultan más costumbristas. Además, ha incorporado algunos elementos del guión que Tonino Cervi y Alberto Sordi elaboraron para una recreación cinematográfica de la obra de Molière.

El montaje se representa en clave de musical, lo que unido a que el personaje protagonista lo interprete una actriz suponen dos aportaciones claves en la adaptación de Atalaya, así como la huida de la ambientación clásica.

La temática resulta de actualidad y por ello también se han cambiado algunos de los nombres de los personajes como un guiño al día de hoy.

Una obra absolutamente imprescindible para una sociedad que no ha cambiado un ápice desde la época en que fue escrita…¡No os la perdáis! Además, Atalaya es de las mejores compañías nacionales especializadas en montajes de textos cásicos…

 

 

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, del 9, al 19 de febrero.