Tina forever

Tras triunfar en Broadway y el West End londinense, el musical Tina, el musical de Tina Turner rinde homenaje a la carrera de la cantante rock y pop Tina Turner apasiona a los aficionados a esta mega-estrella de las últimas décadas del siglo pasado.

Tina, el musical de Tina Turner está escrito por Katori Hall, ganadora de un premio Olivier, y dirigido por Phyllida Lloyd, siendo la propia Tina la coproductora de la obra. El montaje recorre la biografía de la conocida como Reina del Rock a través de algunas de sus canciones más famosas como What´s love got to do with it, Proud Mary, Private dancer, River Deep - Mountain High o Simply The Best. Así, vislumbra cómo Tina pudo superar todos los prejuicios de sexo, raza o edad y convertirse en una de las mayores estrellas de la música de la historia. Su éxito ha sido tal que en la 74ª edición de los Premios Tony que se celebrará este año cuenta con doce nominaciones, incluida la de Mejor Musical.

Nacida en Brownsville (Estados Unidos) en 1939, Anna Mae Bullock, cuyo alter ego es Tina Turner, es una compositora, bailarina, actriz y coreógrafa de nacionalidad suiza y origen estadounidense. Comenzó su carrera a mediados de los años cincuenta como vocalista junto con su esposo Ike Turner en Kings of Rhythm. Con éxitos notables pronto le llegó la fama y en 1984 editó su primer disco en solitario, Private Dancer. Tras ello desarrolló una extensa trayectoria de medio siglo hasta su retirada en 2009 con 70 años.

Se caracterizó por sus explosivas actuaciones en directo, sus extravagantes atuendos y su poderosa voz. Se estima que vendió más de 200 millones de álbumes en todo el mundo y también apareció en algunas películas como El último gran héroe y Mad Max: más allá de la cúpula del trueno. Su vida fue trasladada al cine en 1993 con el filme What's Love Got to Do with It (Tina en España), siendo personificada por Angela Bassett.

Kery Sankoh es la actriz y cantante que protagoniza el musical. Es una artista completa y que da el do de pecho en esta súper-producción. Se mueve como Tina Turner. Canta como Tina Turner y habla como Tina Turner (pero en versión española). Lo bueno de ella es que sin parecerse en nada físicamente a la estrella, nos hace creer que es ella por el buen trabajo que hace.

Respecto de los números que el musical presenta, están producidos con todo lujo de detalles y nos da la impresión de que o bien estamos en uno de sus conciertos de Las Vegas o en la compañía de discos Capital Records o en cualquiera de los otros escenarios por donde circula la acción del show.

En definitiva, un mega-espectáculo con un increíble sonido y unos cantantes-bailarines que imitan a la perfección las diferentes épocas de la carrera de la artista.

Para fans de Tina y el resto del público: Porque un buen show es global y éste lo es…

Lo podemos ver, durante toda esta temporada, en el madrileño Teatro Coliseum.

 

Homenaje al bailarín Antonio Gades

La compañía de flamenco Antonio Gades presenta el espectáculo Suite Gades, que aúna lo mejor del flamenco y del estilo dancístico de Antonio Gades, uno de los bailarines y coreógrafos más admirados del siglo XX.

El espectáculo Suite Gades, de la compañía de flamenco Antonio Gades ofrece al público míticas coreografías diseñadas por el propio Gades para el tablao, llenas de vanguardia y dotadas de un estilo dancístico único e irrepetible. El espectáculo se titula Suite Gades. Es un show con un flamenco ortodoxo, pero estilizado en las vanguardias de su época da lugar a una experiencia inolvidable que llevará al espectador a la esencia del mundo Gades.

De la mano de los solistas de la Compañía Antonio Gades, y de su directora artística, Stella Arauzo, esta suite flamenca cuenta con una serie de números que cubren la estética del baile flamenco de manera única, solos, dúos, bailes de grupo, todos los flancos según la perspectiva de Gades. El espectáculo supone una oportunidad para ver la forma de bailar flamenco que actualmente ya no se estila y que en su día fue calificado como vanguardista y se ha convertido en un clásico.

El bailarín, coreógrafo e intelectual de la danza Antonio Gades (1936-2004), es toda una referencia en el panorama del baile y del teatro europeo del siglo XX. Su nombre real era Antonio Esteve Ródenas y se especializó en el folclore español a través de sus diversas ramas de baile.

En 1964, representó a España en la Feria Mundial de Nueva York (Estados Unidos) y en 1978 fundó el Ballet Nacional de España, del que fue director. Con Carlos Saura rodó las películas Bodas de sangre, El amor brujo y Flamenco, así como Carmen junto con Cristina Hoyos y Laura del Sol. 

Lo podemos ver, de martes, a domingos, en el madrileño Teatro Magno

Vuelve Ainhoa Arteta

Tras unos meses complicados que la han mantenido forzosamente alejada del público, la soprano Ainhoa Arteta regresará finalmente a los escenarios el domingo 27 de febrero a las 20 h. Para este reencuentro con los espectadores, la cantante ha elegido el Teatro de la Zarzuela, que considera su casa, y ha querido compartir el que seguramente será uno de los momentos más emocionantes de su vida con otro grande de la lírica, con un amigo del alma: el tenor mexicano Ramón Vargas.
El recital, en el que ambos intérpretes estarán acompañados por el pianista Javier Carmena, girará en torno a la música española, mexicana, sudamericana e italiana.

Lo podemos disfrutar este próximo día 27, en el madrileño Teatro de la Zarzuela

Cien años de la Hª española

El Teatro Real acoge estreno absoluto de la versión operística de la novela homónima de Vicente Molina Foix El abrecartas. La función está estructurada en un prólogo y seis actos cuya música ha sido creada por Luis de Pablo y viene dirigida por Fabián Panisello y Xavier Albertí. Además, cuenta con la participación de la Orquesta Sinfónica de Madrid, los Pequeños Cantores de la JORCAM y el Coro Intermezzo.

El libro de Molina Foix El abrecartas (del que, ahora, el Teatro Real ha montado una versión operística) fue galardonado con el Premio Nacional de Literatura, dentro de la categoría de Narrativa, y el Premio Salambó, en 2007. Está compuesto por distintas cartas de personajes relacionados con la literatura, el arte y el mundo intelectual español desde 1927 hasta la década de 1980. Comienza con la correspondencia que Rafael Romero Sanahuja le envió a su amigo de la infancia Federico García Lorca.

Conocido como Rafica, la historia de este poeta y soldado republicano es el leitmotiv para concadenar otra serie de misivas en las que aparecen diversos protagonistas como Vicente Aleixandre, María Teresa León, Rafael Alberti o Eugenio D'Ors.

Con ello se repasan los últimos cien años de la historia española y las biografías privadas de autores, artistas, víctimas y supervivientes de la Guerra Civil. Y todo, por medio de relatos que conjugan pasiones, desamores, engaños, traiciones y mentiras.

La podemos ver en el coliseo madrileño de la ópera, el Teatro Real, hasta el próximo día 26 de este mes.

Una obra sobre el 23-F

El director catalán Àlex Rigola dirige la obra de teatro documental 23F: Anatomía de un instante, sobre el libro Anatomía de un instante, del reconocido escritor Javier Cercas (Soldados de Salamina).

La obra de teatro documental 23F: Anatomía de un instante se fundamenta en un momento concreto del intento de golpe de Estado perpetrado el 23 de febrero de 1981, en el Congreso de los Diputados, cuando el presidente Adolfo Suárez permaneció sentado en su silla mientras los sublevados disparaban en el hemiciclo. Solo él, el secretario general del PCE, Santiago Carillo, y el vicepresidente y general Manuel Gutiérrez Mellado permanecieron inmóviles, ya que el resto de parlamentarios buscaron refugio bajo sus escaños. Ese gesto centra la crónica de un acontecimiento que marcó la historia reciente de España y la consolidación de su democracia.

El texto ha sido escrito por los propios Rigola y Cercas, adentrándose ahora en las tablas escénicas en las motivaciones que derivaron en la tentativa golpista y los hechos que acaecieron en los ámbitos político, militar, económico y empresarial en España, pero también en el extranjero. La novela recibió el Premio Nacional de Narrativa de España ​y el Premio Internacional Terenci Moix en 2010, y el Premio Mondello de Italia en 2011.

Àlex Rigola es un actor y director nacido en Barcelona, en 1969, que se ha convertido en uno de los dramaturgos más innovadores del siglo XXI. Entre 2003 y 2011 fue director del Teatro Lliure, entre 2010 y 2016 condujo la sección de teatro de la Biennale di Venezia y durante los años 2017 y 2018 también fue codirector de los Teatros del Canal. Entre sus producciones destacan Largo viaje hacia la noche, Woyzeck, El policía de las ratas o El público.

Por su parte, Javier Cercas es un escritor extremeño nacido en 1962 muy conocido por su novela Soldados de Salamina. Sus libros han sido traducidos en más de 20 países​ y a más de 30 idiomas.

La podemos ver desde hoy y hasta el 20 de marzo, en el madrileño Teatro La Abadía.

El poder de la palabra

El prestigioso director Alfredo Sanzol (Premio Nacional de Literatura Dramática 2017 por La Respiración, también director de La ternura y otras tantas obras de éxito) dirige la obra de misterio fantástico Golem, escrita por Juan Mayorga (La tortuga de Darwin, El diablo Cojuelo o Voltaire) que reflexiona sobre el poder de las palabras y su capacidad de construcción personal y social.

El espectáculo El Golem está protagonizado por los actores Elena González, Elías González y Vicky Luengo. Los tres narran cómo el sistema sanitario ha colapsado. Ismael, un hombre con una rara enfermedad, se ve obligado a abandonar el hospital donde es tratado.

Sin embargo, una enfermera llamada Salinas traslada a su mujer Felicia una posibilidad: hará los papeleos necesarios para que Ismael se quede en el hospital si ella es capaz de memorizar en orden unas cuantas palabras. Felicia acepta de inmediato, pues no parece una tarea complicada, a pesar de la rareza del acuerdo. Así, poco a poco, según va sumando palabras a ese texto, Felicia se va encontrando distinta, primero por la extrañeza de sus sueños y luego en su propia forma de ser, hasta el punto de darse cuenta de que se está transformando en otra persona.

A través de la pieza, sus creadores buscan profundizar en conceptos como la facultad de las palabras para cambiar a los demás y la importancia que tienen en la definición de lo que cada uno es, pues somos aquello que decimos, leemos y aprendemos.

La podemos ver del 25 de febrero, al 17 de abril, en el madrileño Teatro María Guerrero.

La actualidad inspirada en el Siglo de Oro

El actor y director teatral Pedro Mari Sánchez ofrece La palabra de oro sangre, poder y dios en el Gran Siglo, un monólogo donde narra temas de rabiosa actualidad inspirándose en los textos del Siglo de Oro español.

El monólogo La palabra de oro sangre, poder y dios en el Gran Siglo es una producción de la Comunidad de Madrid para el Festival Iberoamericano del Siglo de Oro. Clásicos en Alcalá y por medio de poemas, prosas y escenas teatrales hace un alegato hacia la defensa de la mujer, el abuso del hombre sobre ella, las agresiones sexuales y el autoritarismo desde el poder absoluto. Problemáticas que ya se trataban entonces y que hoy en día siguen estando vigentes. 

Con ello, Sánchez articula un poderoso discurso completamente vivo y contemporáneo mediante el cual también explora conceptos de la cultura judeocristiana, el mito angélico y la necesidad del yo trascendente frente a la muerte.

Nacido en Ciudad Real, en 1954, Pedro Mari Sánchez es un artista considerado como uno de los mejores intérpretes en verso de la España moderna. Debutó siendo solo un niño en la película La gran familia de Fernando Palacios. Otras de sus participaciones en el cine son Otra vuelta de tuerca de Eloy de la Iglesia o No habrá paz para los malvados de Enrique Urbizu y que obtuvo seis premios Goya.

También es director teatral y ha regido montajes como Concierto para clave y poesía con Juan Echanove, El cántaro roto o La tercera palabra. Asimismo, ha aparecido en series como Si yo fuera rico o Cuéntame cómo pasó y destaca su trabajo como doblador, siendo el encargado de poner voz al protagonista de La naranja mecánica, entre otros personajes.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, hasta el próximo día 20 de este mes.

Sobre el síndrome de Asperger

El director teatral Julio Provencio dirige la tragicomedia 337 km., que se adentra en el mundo de las personas con Asperger. Una interesante obra tragicómica…

El regidor Julio Provencio (Placenta o Cuando caiga la nieve) dirige el texto 337 km., de Manuel Benito, que se adentra en el Síndrome de Asperger y las dificultades en la comunicación que genera este trastorno.

La función está producida por la compañía La Belloch Teatro y tiene como protagonista a Toñín, un niño de nueve años que vive con su madre Gloria y que hace tres años fue diagnosticado con Asperger. El padre de Gloria está muy enfermo, le queda poco tiempo de vida, por lo que esta debe ausentarse unos días para poder despedirse de él. Antes de su viaje, deja a Toñín con su padre: su exmarido Javier.

El problema es que Toñín no ha tenido relación con Javier desde hace años y no comprende del todo quién es esa persona que durante estos días se va a hacer cargo de él. Para ayudarle aparecen los padres de Javier, quienes sí se han ocupado en varias ocasiones de Toñin, pero incluso a ellos la situación les supera. Mientras tanto, para refugiarse de la ansiedad que todo este cambio le ha producido, Toñín se centra en su pasión: la carrera espacial. Al tiempo que Javier comienza la suya propia: una carrera de diez días en la que tratará de recuperar el afecto de su hijo.

El montaje profundiza en el mundo interior de las personas con Asperger, la mayoría inteligentes, felices y cariñosas, pero con problemas de interacción social que deben ser tratados y normalizados para que puedan incorporarse plenamente al resto de la población.  

La podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco, del16, al 27 febrero.

 

Homenaje de la danza al teatro

La compañía La Veronal representa del 16 al 20 de febrero en el Centro Cultural Conde Duque un espectáculo de danza moderna que rinde homenaje al mundo del teatro.

Dirigido por Marcos Morau, el montaje se inspira en la película del mismo título de 1977 de John Cassavetes. A partir de ahí, sus intérpretes generan una coreografía basada en el lenguaje gestual y la danza kova, un movimiento reiterativo fraguado por la propia formación que se encuentra en constante evolución. Todos bailan al ritmo de una banda sonora concebida por el compositor Juan Cristóbal Saavedra que parte de contrastes melódicos que alternan entre la música clásica y el jazz.

Con ello van recreando sus obsesiones ante la idea de desarrollar una obra, vislumbrando las sombras y las luces que se esconden detrás del telón de un teatro. Una amalgama de miedos, inseguridades, éxitos y risas que termina llevando a cabo un tributo a todos aquellos profesionales que hacen posible la magia escénica. Pero no solo recuerda a actores y músicos, sino también y muy especialmente a los técnicos.

La Veronal es un conjunto fundado en 2005 por Marcos Morau (Premio Nacional de Danza 2013) y compuesto por artistas procedentes del baile contemporáneo, el cine, el teatro, la literatura y la fotografía que apuesta por un idioma artístico entre la abstracción y la narración con la intención de formar espacios culturalmente diversos. Entre sus mayores piezas destacan Sonoma, Siena, Pasionaria o Voronia.

La podemos ver, hasta el 20 de febrero, en el madrileño Centro Conde Duque.

Los efectos de las crisis económicas

El reputado director Mario Gas estrena una comedia negra que indaga en la crisis económica: Los secuestradores del Lago Chiemsee. La obra indaga en la desesperación y en la crisis económica.

Los secuestradores del Lago Chiemsee es una comedia negra interpretada por Alberto Iglesias, Gloria Muñoz, Helio Pedregal, Manuel Galiana, Ricardo Moya y Vicky Peña, quienes posicionan al público en la España de 2010. Un tiempo marcado por la gran recesión de 2008 y donde muchas personas perdieron sus ahorros por culpa de la burbuja inmobiliaria y las bancarrotas de cajas y empresas.

Así, una noticia de aquellos días rezaba Prisión para cuatro jubilados alemanes por secuestrar a su asesor fiscal. A través de esta historia real, se va hilando una narración que cuenta cómo unas simples personas han visto disipados sus ahorros e inversiones. Lo denuncian, pero la justicia les da la espalda y su asesor fiscal se desentiende.

Como no están dispuestos a quedarse de brazos cruzados, planean un secuestro para recuperar lo que es suyo. Son unos aficionados, pero saben que la tortura y el miedo son capaces de devolverles su dinero. Trazan un plan y preparan un zulo, ya está casi todo… solo falta el invitado…

Nacido en Montevideo (Uruguay), en 1947, aunque criado en España, Mario Gas es un dramaturgo, director e intérprete muy conocido por doblar a actores como Ben Kingsley, Bill Nighy, Geoffrey Rush y John Malkovich. También ha desarrollado una extensa carrera teatral, siendo el director del Teatro Español de Madrid, desde 2004, a 2012.

Conjuntamente, ha sido galardonado con el Premio Nacional de Teatro de Cataluña 1996, el Premio Ciudad de Barcelona 1998 o los Premios Max al Mejor director de escena 1998 por Sweeney Todd y 2013 por Follies.

Lo podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, del 17 de febrero, al 6 de marzo.

Los problemas de la vivienda

Con motivo de su décimo aniversario, el colectivo Cross Border ofrece la obra Casa. Se trata de una pieza de teatro documental verbatim que indaga en la vivienda y las historias que se ocultan en los problemas derivados de ella.

La obra Casa está dirigida por Lucía Miranda, responsable de otras funciones como Chicas y chicos, Fiesta, Fiesta, Fiesta o Nora, 1959, y viene interpretada por los actores Pilar Bergés, Ángel Perabá, Efraín Rodríguez, César Sánchez y Macarena Sanz. Este elenco se mete en la piel de diversos personajes reales a los que tan solo se les ha cambiado el nombre, ya que los hechos que se cuentan son totalmente verídicos.

Y es que, para dar forma al espectáculo, se realizó una investigación que derivó en 40 entrevistas a personas de toda índole, cuyas respuestas tocaban temas como los desahucios, la gentrificación, la especulación inmobiliaria, las casas tuteladas, la crisis del 2008, el covid-19, los refugiados, la inmigración o las leyes urbanísticas.

Así, se incide en la importancia de la vivienda como constructo social y la representación que se tiene y se realiza de este elemento indispensable desde los ámbitos políticos, económicos, familiares o empresariales. Y todo por medio de los acontecimientos acaecidos a un arquitecto que construyó más de 500 edificios pero que a su hija solo la deja en herencia unos cimientos, un chico que vive en una residencia de menores, una refugiada venezolana que consiguió el asilo gracias a una canción de Nirvana, un hombre con diversidad funcional que lucha por su independencia o una activista de la PAH. Además, al finalizar el montaje se abre un coloquio entre el equipo artístico y el público.

Cross Border es una agrupación de arte-educadores nacida en Nueva York (Estados Unidos), pero radicada en España desde el año 2012 que se creó primeramente como un proyecto personal de Lucía Miranda y hoy en día trabaja en el ámbito de las artes escénicas, la educación y la transformación social. Actualmente se configura en una compañía de teatro, una escuela de teatro aplicado y una cocina. En 2014 fue seleccionada por la Coordinadora de ONG España como Agente de Cambio Social a través de las artes y es residente en Matadero Madrid.

La podemos ver del 17 de febrero, al 6 de marzo, en el Teatro Abadía.

 

El cantante soul Ricky Ferry estrena en España

El Show de Ricky & Leo es un espectáculo de canciones soul y pop de las décadas de los años ochenta y noventa que recala en Madrid. Temas de Diana Ross, Liza Minnelli, Pet Shop Boys, Ana Belén, Nacha Guevara. Unas décadas que vuelven a estar más de moda que nunca. Y…una artista invitada de lujo, la cantaora María Valdivieso.

El Show de Ricky & Leo es un espectáculo con canciones soul y pop muy conocidas de las décadas de los años ochenta y noventa, americanas y españolas. Temas hiper-conocidos de artistas del calado de Diana Ross, Liza Minnelli, Pet Shop Boys, Lionel Ritchie, Nacha Guevara o Ana Belén, entre otros. Y, como artista invitada de lujo, la conocida cantaora sevillana María Valdivieso, que cantará varios temas de sus dos discos y dos temas a dúo con Ricky Ferry, la estrella del show.

Aparte de las canciones en inglés y en español, el espectáculo tendrá un hilo conductor a través de la historia personal del cantante Ricky Ferry, un artista americano-español que ha triunfado en los principales locales de jazz de Nueva York y que también ha actuado en Las Vegas con notable éxito. Ahora, llega a España con su nuevo espectáculo en un homenaje a esas décadas musicales de finales del siglo pasado que tanto han marcado a varias generaciones.

Por su parte, Leonor Cabrera es una pianista cubana de larga trayectoria profesional, que ha viajado por medio mundo con bandas de reconocido prestigio. Ha realizado varios tours por Estados Unidos y ha sido reconocida con importantes premios a su labor musical.

Lo podemos ver hoy, 10 de febrero, a las 20 horas, y el próximo 25 de febrero, a las 24 horas, en la madrileña sala de conciertos El Elefante Blanco. También habrá actuaciones consecutivas en los próximos meses.

 

En defensa de la libertad de expresión

La prestigiosa compañía catalana Els Joglars representa el espectáculo “¡Que salga Aristófanes!”, un espectáculo que indaga en los orígenes de la comedia y la defensa de la libertad de expresión.

¡”Que salga Aristófanes”! es un espectáculo Escrito y dirigido por Ramon Fontserè y Alberto Castrillo-Ferrer, con la colaboración de Dolors Tuneu. La obra es una fusión de literatura, humor, danza y música que desea recuperar la figura de Aristófanes, el fundador de la sátira y la comedia, géneros que la formación ha hecho suyos durante toda su historia.

En el mundo actual, donde todo aquel que discrepa es linchado en las redes sociales y lo políticamente correcto y la religión de los sentimientos están por encima de la razón lógica, la agrupación busca exponer cómo autores de la talla de Charles Chaplin, Molière o el propio Aristófanes encarnaron la risa del disidente.

El Joglars es un grupo nacido en Barcelona, en 1962, de la mano de Albert Boadella, Carlota Soldevila y Anton Font. Durante todos estos años ha llevado a cabo más de una treintena de montajes y se ha caracterizado por su espíritu crítico frente a la actualidad política. Además, en 2003 estrenó su primera película Buen viaje excelencia, una caricaturesca visión de los últimos días del dictador Franco.

Este año la compañía cumple su 60º aniversario.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, del 9 de febrero, al 6 de marzo.

Una de las mejores obras de Lope de Vega

El director teatral Eduardo Vasco (Espejo de víctima, La ruta de Don Quijote o El caballero de Olmedo) vuelve al teatro del Siglo de Oro con una adaptación de Yolanda Pallín sobre el drama de honor Peribáñez y el Comendador de Ocaña, de Lope de Vega.

El drama histórico del Siglo de Oro Peribáñez y el Comendador de Ocaña es una de las grandes piezas de este género junto con Fuenteovejuna del propio Lope, La dama del olivar de Tirso de Molina o El alcalde de Zalamea de Calderón de la Barca. En ella el protagonista, Peribáñez, como en El lazarillo de Tormes, supera la condición cómica de su personaje para entrar de lleno en la pura tragedia.

Su historia narra cómo Peribáñez se casa con Casilda y en la celebración de su boda un toro cornea al comendador. Casilda se encarga de cuidarlo y éste se enamora de ella. Peribáñez se percata de la situación cuando el comendador va habitualmente a visitar a Casilda e intenta ser cortés con él para ganarse su confianza.

Por otro lado, el comendador invita a Peribáñez a unirse al ejército cristiano contra los moros y éste decide aceptar ir a Toledo junto con una gran hueste de soldados. Pero sospechando que intentará conquistar a Casilda en su ausencia, vuelve y se esconde en su casa. Así descubre cómo el comendador pretende seducir a su esposa y ésta se niega. Peribáñez se enfrenta al noble y le hiere, provocando un problema de difícil resolución.

De esta manera, el Fénix de los Ingenios (qué así se conoce a Lope de Vega) propone una visión de cómo un pobre villano, un labrador, puede plantar cara a los poderosos, no cediendo ante los abusos y luchando por su dignidad personal hasta las últimas consecuencias. Algo impensable para la época...Un montaje absolutamente delicioso con unos actores perfectos para sus respectivos papeles. Y, en cualquier caso, un clásico imprescindible.

La podemos ver, en el madrileño Teatro Fernán Gómez, hasta el próximo día 27.

Les Luthiers forever

El archiconocido grupo de humor argentino Les Luthiers regresa a Madrid para representar un espectáculo que reúne algunas de sus mejores obras. Una oportunidad para presenciar las últimas cuatro funciones que los argentinos realizarán de este divertido espectáculo en la ciudad. El título, Les Luthiers: Viejos Hazmerreires.

Montajes tan memorables de Les Luthiers, como Los Premios Mastropiero, Todo por que rías, Por Humor al Arte o Lutherapia regresan renovados para el disfrute del público, a través de su último show, Les Luthiers: Viejos Hazmerreires. Pero a estas escenas les acompaña la desternillante Radio Tertulia de la que surgirán versiones de Las majas del bergantín (zarzuela náutica), Quién mató a Tom McCoffee (música en serie), Loas al cuarto de baño (obra sanitaria) o Pepper Clemens sent the messenger, nevertheless the reverend left the herd (ten-step), entre muchas otras.

Creado en 1967, en Buenos Aires, Les Luthiers es un grupo de músicos-actores-humoristas argentinos apodados así por ser una de las características de sus actuaciones el uso de insólitos instrumentos fabricados por ellos mismos. Una formación integrada por Carlos López Puccio, Jorge Maronna, Marcos Mundstock, Horacio Turano, Martín O'Connor y Tomás Mayer Wolf.

Además de su fino sentido del humor, el grupo utiliza la música como un elemento fundamental de sus actuaciones incorporando instrumentos creados a partir de materiales de la vida cotidiana. A lo largo de su carrera han recibido numerosos premios, entre ellos el premio Grammy Latino especial a la Excelencia Musical y la Orden de Isabel la Católica por su trayectoria.

En 2017, celebraron su 50 aniversario y recibieron la máxima distinción que otorga el Congreso de la República Argentina: la ‘Mención de Honor Diputado Juan Bautista Alberdi’ y la ‘Mención de Honor Domingo Faustino Sarmiento’. También han sido galadornados con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2017.

Les podemos ver en el madrileño recinto de IFEMA, del 3, al 5 de febrero.

 

Tragedia sobre la vida de San Ginés

Lluís Homar dirige una adaptación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico sobre la obra de Lope de Vega Lo fingido verdadero. Un texto enmarcado dentro de las llamadas Comedias de Santos.

Lo fingido verdadero fue escrita en 1608 y está basada en la vida de San Ginés, un actor pagano que, tras convertirse al cristianismo, fue perseguido y elevado a la categoría de mártir. Su historia traslada al público hasta la segunda mitad del siglo II d. C., donde se propone una doble narración. Por una parte, se cuenta la vertiginosa sucesión de emperadores romanos con las muertes y asesinatos de Aurelio Caro, Carino, Numeriano y Apro, siendo finalmente Diocleciano quien ostente el poder en Roma.

Mientras tanto, se presenta a Ginés, un simple intérprete y director de una agrupación de cómicos que va a actuar ante el nuevo emperador. Ginés está enamorado de Marcela, la primera actriz, pero esta mantiene una relación secreta con el actor Octavio.

Justo antes de salir al escenario, Ginés descubre a los amantes y en el transcurso de la representación, expone sus celos con una improvisación teatral. Ante esta situación, Octavio y Marcela aprovechan para huir.

Al día siguiente, Diocleciano encarga a Ginés una sátira que se burle de los cristianos, pero durante el espectáculo, el artista recibe la visita de un ángel y se convierte al cristianismo, renegando de los dioses itálicos y del propio Imperio, por lo que el emperador lo manda matar.

La podemos ver en el madrileño Teatro de la Comedia, hasta el 27 de marzo.