Los conflictos de ahora, a través de Homero

La actriz, directora y productora brasileña Christiane Jatahy propone O agora que demora, una combinación entre el teatro y el cine donde se visualizan los conflictos del presente a través de los versos de Homero.

El montaje de O agora que demora se estructura en la proyección The Lingering Now, el segundo título de un díptico llamado Our Odyssey, que se combina con la música y la interpretación en directo. La película que se expone ha sido rodada en Jenin (Palestina), los campos de refugiados de Libia y Grecia, Johannesburgo (Sudáfrica), una comunidad indígena del Amazonas y Río de Janeiro (Brasil)

La cinta entrevista a refugiados que explican su realidad a través de las palabras homéricas de La odisea. Así, Jatahy reconstruye los espíritus de Ulises, Penélope, Telémaco y muchos otros personajes para reflejar cómo los miedos y los anhelos del ser humano son los mismos en la antigua Grecia y en las actuales zonas de crisis. Un viaje guiado por una ficción de 3.000 años que explora cómo las guerras y los problemas no tienen ni pasado ni futuro, solo presente.

Nacida en Río de Janeiro (Brasil), en 1968, Christiane Jatahy es una intérprete, directora de teatro y cineasta cuyas producciones suelen alcanzar los límites entre la realidad y la ficción. Algunos de sus filmes más prestigiosos son Estudio, Todas las historias son ficción y Corte.

La podemos disfrutar hasta el próximo día 24, en el Teatro Valle-Inclán, de Madrid.

 

Pensamientos familiares

Rita es una tragicomedia que reflexiona sobre la familia, el peso de la muerte y la legitimidad para decidir por los demás.

 

La tragicomedia Rita es obra de la dramaturga barcelonesa, Marta Buchaca, y la función está protagonizada por los actores Carlos Hipólito (Premio Max al Mejor actor protagonista 2010 por Glengarry Glen Ross) y Mapi Sagaseta, vista en series como Hospital Central o Villarriba y Villabajo.

Su historia tiene como protagonistas a Toni y Julia, dos hermanos muy distintos entre sí, ya que el primero es un hombre seguro de sí mismo al que no le tiembla el pulso a la hora de tomar cualquier decisión, mientras que ella es una mujer insegura a la que le cuesta decidir cualquier cosa.

Pero la seguridad de Toni se viene abajo de repente cuando el veterinario le aconseja brindarle la eutanasia a su perra, Rita. El hecho de tener que decidir sobre la vida de su fiel amiga le hunde en un profundo pesar, sobre el cual no es capaz de tomar partido. Sin embargo, en esta ocasión, Julia sabe muy bien qué es lo que se debería hacer, ya que para decidir sobre las vidas de los demás no tiene tantos reparos.

Pero al tiempo que Toni tiene que aceptar que su perra se está muriendo, Julia también se ve en la obligación de interiorizar que su madre, también llamada Rita, está cada vez más lejos de ellos, ya que sufre de Alzheimer desde hace años y su proceso le ha hecho llegar a un punto en el que cualquier día puede ser su último momento.

La podemos ver en el Teatro Fernán Gómez, del 20 de este mes, al 20 de enero.

 

Lavar, marcar y…reir

 

El madrileño y castizo Teatro Lara acoge la representación del thriller cómico Lavar, marcar y enterrar, que bebe de las películas de Pedro Almodóvar y Quentin Tarantino para desarrollar una historia donde nadie es quien parece ser. 

 

Escrita y dirigida por Juanma Pina, esta obra le ha valido a su director la candidatura al Mejor Autor Revelación en los Premios MAX 2015 y el galardón de Mejor Autoría y Dirección Novel en los Premios Mi Butaquita. Y es que este montaje ha pasado de interpretarse en la peluquería Corta Cabeza a hacerlo en uno de los más distinguidos teatros de la ciudad.

La función cuenta la rocambolesca historia de dos ladrones novatos que entran en una peluquería de barrio para llevarse de la tienda de al lado un cuantioso botín. Pero lo que no sabían es que los empleados del local tenían más trapos sucios que ellos mismos. Un cóctel a base de laca, pistolas, calaveras y tinte para el pelo repleto de risas y giros inesperados.

Por otro lado, la obra está muy bien escrita, dirigida y, sobre todo, interpretada. Tiene múltiples matices cómicos (no es plano); muchos guiños al cine de Almodóvar o, más reciente, de Los Javis. También se la compara con Tarantino. Yo no llegaría ahí..

Es un teatro fresco, moderno, pop y apto para todo tipo de públicos y generaciones.Muy Spanish, muy del Madrid de la Movida (muy malasañero) que, la estamos recuperando en pequeñas cápsulas a la que éste y otros teatros y galerías de arte parece que quieren volver en su versión Siglo XXI. ¡Ojala sea así…!

La podemos reír a mandíbula batiente los sábados, en el Teatro Lara, de Madrid.

 Santa Teresa de Jesús, a escena

 

Juan Mayorga escribe y dirige la obra La lengua en pedazos, una obra que repasa la vida y el legado de Teresa de Jesús, a través de una mirada artística basándose en su Libro de la vida y la participación de los actores Clara Sanchis y Jesús Noguero.

 

Para este nuevo montaje de La lengua en pedazos Mayorga no solo cuenta con la participación de la aclamada actriz Clara Sanchis como antaño, sino que Jesús Noguero hace las veces de un inquisidor con el que dialoga sobre la existencia, la religión, la política, el amor y la justicia en la cocina del monasterio de San José, donde la monja ha fundado la Orden de las Carmelitas Descalzas. Este debate ideológico y pasional pone en riesgo la permanencia del claustro y la vida de Teresa de Jesús.

Santa Teresa de Jesús fue una monja, fundadora de la Orden de Carmelitas Descalzos, mística y escritora española. Nació en 1515 bajo el nombre de Teresa Sánchez de Cepeda Dávila y Ahumada. Murió en 1582, fue beatificada en 1614, canonizada en 1622 y proclamada doctora de la Iglesia católica en 1970. Está considerada, junto con San Juan de la Cruz, como una de las grandes figuras de la vida espiritual de la Iglesia católica.

Juan Mayorga es un dramaturgo y regidor español miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España. Actualmente dirige la Cátedra de Artes Escénicas​ de la Universidad Carlos III de Madrid y ha trabajado para el Centro Dramático Nacional y la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Tiene varios galardones en su haber: Premio Nacional de Teatro 2007, Premio Nacional de Literatura Dramática 2013, Premio Nacional de las Letras Teresa de Ávila 2016 y tres Premios Max al mejor autor en 2006, 2008 y 2009, entre otros.

La podemos ver en el Teatro Galileo (Madrid) hasta el 7 de febrero.

 

Vida y obra de María Callas

Acompañada tan solo por su repetidor personal, Ferruccio, la diva operística del siglo pasado María Callas divaga sobre los grandes momentos de su vida, entremezclando los dramas operísticos que protagonizó con su tortuosa relación con Onassis. La obra es La Diva- Albert Boadella y está dirigida por el otro divo nacional, el dramaturgo Albert Boadella, antiguo alma mater de la compañía Els Joglars.

Maria Callas fue una soprano estadounidense de ascendencia griega, su nombre real era Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoúlos. Nacida en Nueva York (Estados Unidos) en 1923, se destacó en el bel canto, siendo considerada como la solista de ópera más eminente del siglo XX.

Apodada como La Divina, su portentosa voz era capaz de representar los matices más complejos e insospechados. En 1959, Callas rompió con su marido Giovanni Battista Meneghini para mantener un noviazgo con el magnate griego Aristóteles Onassis, una relación que estuvo marcada por sus enfrentamientos.

Tras asombrar al mundo entero, en la década de los 60, empezó a decaer en sus actuaciones y en 1965 anunció que se retiraba de los escenarios a consecuencia de su frágil salud. Murió en París en 1977 a causa de un ataque cardíaco.

Esto es lo que cuenta la obra La Diva-Albert Boadella.

Albert Boadella – otro semi-divo- es un dramaturgo e intérprete español fundador y director hasta 2012 del prestigioso grupo Els Joglars. Sus obras acostumbran a contener una fuerte carga satírica y crítica contra la sociedad, el poder político y la Iglesia. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Teledeum, El rapto de Talia, Memorias de un bufón y Adiós Cataluña. Crónicas de amor y de guerra.

La podemos disfrutar en los Teatros del Canal (Madrid), del 14, al 24 de enero.

 

Los asesinatos femeninos, bajo la lupa

Bajo un texto de la canadiense Suzanne Lebeau, el director Carlos Sarrió propone el espectáculo dramático Cadena de montaje que profundiza en las mujeres que son asesinadas en el mundo, y más concretamente en las víctimas del Norte de México. Es una función que se enmarca dentro del ciclo Teatro y Derechos Humanos del madrileño Teatro Fernán Gómez.

Las actrices Eva Blanco y Begoña Crespo son las protagonistas de  la obra teatral Cadena de montaje, que se divide en tres partes. La primera es más física y textual derivando a una coreografía entre ambas intérpretes. En la segunda nueve mujeres vestidas de negro que han estado sentadas en la primera fila del teatro se unen a ellas para dar voz a algunas de las mártires.

Por último, en el tercer segmento se realiza una acción física mediante la coreografía de Carmen Werner, donde se examinan los restos de los cuerpos de las asesinadas en la arena del desierto. Además, se evoca a la leyenda de La Llorona, tan arraigada en México, al permitir que se asesinen a sus ciudadanas para después llorar sus muertes.

En definitiva, estamos frente a un montaje poético donde la violencia y la muerte son las temáticas de referencia para desentrañar una obra que denuncia la crueldad que se vive en Ciudad Juárez y otras zonas de México contra las mujeres. Y para ello se diseccionan cuestiones como la pobreza, las causas de la criminalidad, el Tratado de Libre Comercio entre México y Estados Unidos o la inacción de las autoridades.

Cambaleo Teatro es una compañía creada en 1982 que durante sus más de 30 años de trayectoria ha participado en certámenes como el Festival de Otoño de Madrid, Escena Contemporánea, Teatralia o el Festival Iberoamericano de Cádiz. También ha representado sus espectáculos en otros países como Portugal, Francia, Alemania, Polonia, Bolivia, Venezuela, Nicaragua y México. Entre sus obras destacan Habitar la intemperie, El ruido de los huesos que crujen o Solo sucede lo que puede suceder.

La podemos ver en el Teatro Fernán Gómez, de Madrid, del 13, al 17 de enero.

El amor es pura histeria

Tras el éxito de Clásicas envidiosas, con la que obtuvo la candidatura a los Premios Max 2017 al Mejor autor revelación, la compañía Martelache produce una comedia escrita por Chema Rodríguez-Calderón y dirigida por Juanma Cifuentes que mediante el humor ácido retrata las neurosis vitales que se dan en el amor: Histerias de amor. Es una obra que se puede disfrutar los domingos hasta el 10 de enero en los Teatros Luchana.

Histerias de amor se desarrolla en una estación de tren donde se van entrecruzando diferentes parejas (heteros y gays, ricos y pobres, solteros y casados) que relatan sus historias de amor y desamor. A través de sus aventuras se pueden analizar el aspecto dramático y cotidiano de las relaciones personales y los procesos neuróticos que surgen cuando alguien está bajo los efectos de los celos, el romanticismo o el despecho.

Martelache es una agrupación creada en el año 2002 por Marta Ochando y Chema Rodríguez-Calderón que cuenta con un amplio conjunto de profesionales formados en las artes escénicas. Ha sido galardonada con el Premio 2003 a la Mejor dramaturgia original de la Fundación CnC & fundación autor por Hombres ineptos que caminan hacia nadie y el Premio del Público en Escena Simulacro 2011 por Mariua... El musical, entre otras distinciones.

Domingos, hasta el 10 de enero, en los Teatros Luchana, de Madrid.

 

 

Libertad sexual operística para una tragedia

El Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Abadía, estrena, mundialmente, una tragedia contemporánea, Marie, que indaga en la libertad sexual de la mujer a través del personaje de Woyzeck de Georg Büchner, presente en la ópera de Alban Berg.

La obra Marie ha sido desarrollada gracias a una Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2018 de la Fundación BBVA y cuenta con la dirección de Rafael R. Villalobos y Germán Alonso. Se trata de una idea original de Lola Blasco (La pasión de Yerma o Siglo mío, bestia mía), quien brinda una deconstrucción de la composición de Berg, dando a conocer a Marie por medio de testimonios y una superposición de planos que hace que la realidad se diluya.

La pieza presenta a Franz Woyzeck, un soldado raso, y su amante Marie, quienes han tenido un bebé. Oprimido por su capitán y sometido a una experimentación clínica por parte del médico del ejército, Woyzeck se está volviendo loco y, además, empieza a sospechar que Marie tiene un romance con el tambor mayor. Los celos y la tensión creciente en su interior hacen que, finalmente, asesine a Marie.

Por otro lado, esta producción también tiene la colaboración de Ensemble Proyecto OCNOS, un conjunto radicado en Sevilla y dedicado a la interpretación y difusión del repertorio de los siglos XX y XXI, con especial atención a los compositores españoles. El grupo tiene en su haber dos discos: Marsias y Se oye gritar entre sueños.

La podemos disfrutar en el Teatro de la Abadía (Madrid), del 9, al 17 de enero.

Metateatro filosófico

 

Marat Sade es un montaje de metateatro, creado en 1963, por el dramaturgo y novelista alemán Peter Weiss (La investigación). Una función con una gran carga poética y nihilista que incorpora elementos dramáticos de Antonin Artaud y Bertolt Brecht.

Marat Sade es una obra dentro de otra obra. Y es que su acción se produce en el asilo de Charenton en 1808. Allí, el Marqués de Sade dirige una producción teatral que tiene lugar durante la Revolución Francesa, a mediados de 1793, y culmina con el asesinato de Jean-Paul Marat. Los actores son los enfermos mentales de la institución y, de vez en cuando, los cuidadores deben entrar en escena para poner orden a la situación. Así, el Marqués de Sade mantiene varios diálogos de carácter filosófico con Jean-Paul Marat, además de narrar escenas de cierta crudeza que le gusta realizar y que ahora se conocen como sadismo por su persona. Mientras, Marat defiende sus ideas colectivistas y su preocupación por las clases bajas. También aparecen Carlota Corday, quien apuñaló a Marat en su bañera, y el cura Jacques Roux, aún más radical que el propio Marat.

Con todo ello, el montaje indaga en el sufrimiento del ser humano y la verdadera esencia de la revolución, recapacitando sobre si ésta se produce cambiando a la sociedad o a uno mismo.

La función cuenta con la participación de los actores Juan Codina, Eduardo Mayo, Pepe Ocio, Ana Rujas, Itziar Castro y Fran Boira, y la colaboración coreográfica del prestigioso bailarín israelí, Sharon Fridman.

La podemos ver del 8 de enero, al 14 de febrero, en Naves del Español (Madrid).

 

A Chejov también se le canta

Las canciones es un musical basado en personajes y obras de Antón Chéjov que reflexiona sobre la capacidad que tiene el ser humano de escuchar. Es una forma de examinar la musicalidad, el lenguaje y la palabra y cómo todo ello es capaz de trasformar a las personas.

El musical La canciones cuenta con la participación de los actores Javier Ballesteros, Carlota Gaviño, Rebeca Hernando, José Juan Rodríguez, Íñigo Rodríguez-Claro, Joan Solé y Mikele Urroz. Además, está acompañada por una cuidadosa banda sonora que incorpora temas de Jacques Brell, Mina, Lou Reed, Lola Flores, ABBA y Édith Piaf, entre otros autores. Está dirigido por el prestigioso director Pablo Messiez.

Este montaje presenta en el escenario a un grupo de personas que se reúne para escuchar y cantar canciones Lo que en principio parecía un acto inofensivo termina por transformarlos a todos.

Pablo Messiez es un actor, dramaturgo y director bonaerense que se formó con maestros de la talla de Ricardo Bartís, Juan Carlos Gené y Rubén Szuchmacher. Además, ha actuado para directores argentinos como Leonor Manso, Cristián Drut o Daniel Suárez Marsal. En 2007 debutó como dramaturgo y director, y desde entonces ha liderado espectáculos como La verbena de la Paloma, Todo el tiempo del mundo, Bodas de sangre o La otra mujer (un concierto).

Lo podemos disfrutar en el Teatro Pavón Kamikaze (Madrid), hasta el 10 de enero.

 

Un profundo amor de Carmen Maura

 

Carmen Maura, protagonista de películas como Mujeres al borde de un ataque de nervios o La comunidad, regresa a los escenarios acompañada por Dafnis Balduz. Es una conmovedora historia de amor que gira alrededor del odio, el horror y el terrorismo. 

 

La obra estrena la que supone su última temporada en el Teatro Infanta Isabel, y está escrita por Guillem Clua y dirigida por Josep María Mestres. En ella se presenta cómo Maura da vida a Amelia, una severa profesora de canto que acepta a regañadientes dar clases particulares a Ramón, un hombre que desea cantar en el memorial de su madre fallecida recientemente.

La canción que ha seleccionado es La golondrina, ya que tiene un especial significado para él y, al parecer, también para Amelia. Mediante su relación se profundiza en la libertad sexual y las distintas formas de querer, al tiempo que van desgranando su pasado, marcado por un atentado terrorista de signo islamista. Esto provocará un duro enfrentamiento entre ambos personajes, pero uniendo también sus destinos para siempre.

 

La podemos ver en el Teatro Infanta Isabel, de Madrid, hasta el 24 de enero.