CRITICAS Y RESEÑAS

CRITICAS Y RESEÑAS
Teatro, Danza, Opera, Cabaret y Circo

viernes, 27 de marzo de 2015

Teatro-Clásico

“Ojos de agua”. Teatro Español. Hasta el 26 de abril.
“Ojos de agua” es una magnífica obra teatral en donde la actriz Charo López revive algunos de los mejores pasajes de la tragicomedia “La Celestina”  con la colaboración de la compañía Ron Lalá. 

Con la ayuda de Yayo Cáceres en la dirección y Álvaro Tato en la dramaturgia, esta función se basa en un extenso monólogo en el que se reflexiona sobre la felicidad y el inexorable paso del tiempo. De esta manera, la prestigiosa artista española también toca temas más polémicos como el sexo y la belleza femenina interpretando a una Celestina que rompe su voto de silencio ante las monjas de clausura recordando los amores de Calisto y Melibea, las confabulaciones de los criados Sempronio y Pármeno y la rebeldía de Elicia y Areúsa.

Teatro-Clásico

Edipo Rey”. Teatro Abadía. Del 25 de abril, al 21 de junio.
"Que mi destino siga su curso, vaya donde vaya"
La necesidad de saber la verdad, el imposible control absoluto del destino, y la búsqueda de su propio origen, arman la historia de un hombre que al investigar un crimen, descubre que él es el asesino de su padre y el amante de su madre, poniendo en cuestión los límites y las posibilidades del entendimiento humano. 

Edipo descubrirá que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y en realidad era menos que nada. La historia del hombre que por salvar a la ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del hombre que al descubrir la verdad decidió no volver a ver la luz”, en palabras del director de este presumiblemente fantástico montaje...

Teatro-Comedia

“Pluto”. Teatro La Latina. Hasta el 5 de mayo.
“Pluto” es una ácida comedia en la que a través de sus irreverentes diálogos se hace una reflexión sobre el reparto de la riqueza. Una obra escrita hace 25 siglos por el ateniense Aristófanes que ahora viene adaptada por Emilio Hernández y protagonizada por Javier Gurruchaga. 

Crémilo y su esclavo Carión piden consejo al oráculo, este les recomienda seguir al primer hombre que se cruce en su camino. Esa persona resulta ser el dios del dinero, Pluto, quien vaga ciego por las calles de Atenas. Así comienza una obra que examina la injusta distribución de la economía, donde los no virtuosos son siempre los que más tienen.

Teatro-Comedia

“Trágala, trágala”. Teatro Español. Hasta el 19 de abril
La compañía Yllana pone sobre el escenario su nuevo montaje, “Trágala, trágala”. Una obra que, mediante el humor más ácido, se hace un repaso por la vida actual española.  
Este sainete crea un crítico relato artístico en la que se mira con lupa la historia contemporánea de España. Así, se hace un recorrido por la realidad actual haciendo hincapié en el panorama social, cultural y político. Una forma de olvidarse de las grandes preocupaciones del día a día por medio de una satírica comedia que ha contado con la colaboración del grupo teatral Ron Lalá.

¡Para no perdérselo porque Yllana siempre es muy apetecible!

Crítica de Teatro-Clásico

“El Buscón, de Quevedo”. Teatro Fernán Gómez. Hasta el 5 de abril.
El Teatro Clásico de Sevilla acerca al público los mejores pasajes de “El Buscón, de Quevedo”, una de las mayores obras de la picaresca española que viene representada por siete actores que interpretan a cincuenta personajes. 
Esta célebre novela titulada Historia de la vida del Buscón, llamado Don Pablos ofrece las aventuras y desventuras de un joven llamado Pablos que trata de dejar atrás su baja estofa social y alcanzar la condición de caballero. Sin embargo, el protagonista no hace más que fracasar en su constante búsqueda de estabilidad económica al tiempo que sus farsas sobre su pertenencia a la nobleza siempre acaban siendo descubiertas. Una magnífica caricatura de la sociedad con modernos planteamientos que cuenta con una espléndida representación teatral.
Impresiona el magistral trabajo interpretativo de los actores, dando vida a tantos personajes distintos, salvo Pablo Gómez-Pando, que, durante toda la obra, encarna al criado muerto de hambre que da nombre a la obra.
Tratándose de una adaptación moderna de este clásico universal, hay que reconocer que el dramaturgo y, en este caso, también director, el merecidamente conocido Alfonso Zurro, ha hecho un trabajo concienzudo en un afán por acercar el texto a los públicos de hoy. Sin embargo, a la hora de dirigir a sus actores pensamos que debería haber evitado tanto griterío y aspaviento y haberles impuesto una mayor contención interpretativa porque, por momentos, llegan a ponernos nerviosos.
Respecto a la escenografía, los diferentes cuadros se desarrollan en un mismo decorado, de estilo surrealista y muy bien elegido para esta ocasión, ambientando la obra perfectamente en la época en la que fue escrita.


Crítica de Teatro-Clásico

“La pechuga de la sardina”. Teatro Valle-Inclán. Hasta el 15 de abril.
El Centro Dramático Nacional (CDN) recupera una de las obras más relevantes de Lauro Olmo, uno de los dramaturgos más representativos del Realismo Social. “La pechuga de la sardina” se estrenó en 1963 y su principal personaje es su atmósfera asfixiante, dominada por la miseria material y moral. 
El drama refleja de manera descarnada la vida de pobreza, opresión y resignación sufrida durante la dictadura franquista. La acción se desarrolla en una pensión habitada por inquilinos de vida desdichada, principalmente las mujeres. El montaje producido por el CDN cuenta con la dirección escénica de Manuel Canseco.
La obra, ambientada en la España de la década de los años cincuenta, recrea, mediante una original escenografía, la vida de una pensión de mujeres con sus penas y alegrías. Destacan las interpretaciones de Jesús Cisneros, haciendo del chulapo matón castizo; María Galarrón, en el papel de la dueña de la pensión con una interpretación honda y sentida, y Amparo Pamplona, dando vida a la vieja amargada que no es lo que quiso ser por miedo.
En cuanto a la dirección de actores, estamos ante una mano ajustada y flexible a la vez porque se nota que el Director da a su equipo flexibilidad para la creación, al tiempo que marca las pautas necesarias.
En definitiva, un montaje inolvidable y que, en especial, a nuestros mayores, les recordará sus años jóvenes de una época que, esperemos, no volverá…


Crítica de Zarzuela

La gran Duquesa de Gerolstein”. Teatro de la Zarzuela. Hasta el 28 de marzo.
Un año después de su estreno en París en 1867, el desaparecido Teatro del Circo de Madrid presentó al público madrileño “La gran duquesa de Gerolstein” traducida y adaptada al español.
El teatro de la Zarzuela ha recuperado esta zarzuela bufa en tres actos y cuatro cuadros basada en la opereta de Henri Meilhac y Ludovic Halévy con música de Jacques Offenbach. La obra, una de las menos conocidas de Offenbach, ha vuelto a ser traducida al español y regresa a las tablas bajo la dirección de Pier Luigi Pizzi, uno de los registas de ópera y escenógrafo más prestigiosos. Al frente del mando musical se encuentra Cristóbal Soler.
Esta, en realidad, opereta,  ofrece una visión satírica del militarismo irreflexivo. Su protagonista en una extravagante y tiránica aristócrata que siempre quiere salirse con la suya, pero aprende que no siempre puede ser así.
Nos encontramos frente a un montaje espectacular con una escenografía elegante y, al mismo tiempo, funcional y unos cantantes-intérpretes de primera categoría (tanto por cantantes líricos, como por actores). Aquí, hay que alabar el trabajo del Director, que no ha dejado pasar detalle y del que notamos el gran número de horas que ha pasado hasta conseguir lo que quería: una opereta que es casi una ópera, que está gustando muchísimo y que, sin nada más que decir, esperamos que pronto se pueda reponer…



sábado, 21 de marzo de 2015

Festival-Teatro Infantil

“Teatralia”. Diferentes espacios de la Comunidad de Madrid. Hasta el 29 de marzo.
Las mejores creaciones internacionales y españolas para el público infantil y juvenil se vuelven a dar cita en Teatralia, el Festival Intern. de Artes Escénicas para Niños y Jóvenes de la Comunidad de Madrid, con el fin de fomentar la afición al teatro entre la población más joven.
El Festival celebra su 19ª edición con una duración de cuatro semanas en las que Teatralia llenará los escenarios de la Comunidad de Madrid con montajes dedicados a la disciplina de la magia, la danza, la música, los títeres, el teatro de sombras y numerosos proyectos multidisciplinares, 12 de ellos serán vistos por primera vez en España.
24 días llenos de espectáculos producidos por 19 compañías de carácter nacional e internacional. Entre ellas, once compañías extranjeras con formaciones latinoamericanas de México y de Argentina, africanas de Zimbabue y Kenya y compañías europeas procedentes de Dinamarca, España, Francia, Italia y la República Checa. De carácter nacional se contará con representaciones nacionales de Andalucía, Cataluña, La Rioja, Madrid y País Vasco.


Festival


“XXV Festival de Arte Sacro”. Diferentes espacios. Hasta el 28 de marzo.

El XXV Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid celebra sus últimos coletazos. Cerca de medio centenar de espacios históricos, laicos y religiosos, muchos de ellos restaurados por la Comunidad, serán los escenarios en los que se podrá disfrutar de una extensa programación que incluye 48 funciones de música, dos de teatro, una de danza y cinco proyecciones cinematográficas.

Los intérpretes son orquestas, coros, agrupaciones y solistas, tanto españoles -nacidos o residentes en Madrid en su mayor parte- como procedentes de Estados Unidos, Italia, República Checa, Islandia, Francia, Colombia, Cuba, Siria, Marruecos, Sudán, Egipto, Argentina e Israel.
Destaca la participación de solistas de renombre internacional como las mezzosoprano Elena Gragera, Gudrún Ólafsdóttir y Marina Pardo, las sopranos Paloma Friedhoff y Magdalena Llamas y los organistas Daniel Oyarzábal, Felipe López y Marie Bernadette Dufourcet. Y también agrupaciones como el coro Yale Glee Cub, uno de los grandes coros universitarios de Estados Unidos, y la participación conjunta de Collegium Marianum Praga y la Capilla Real de Madrid.
Un homenaje, tres estrenos y novedades
Arte Sacro rinde homenaje a Santa Teresa en el año en que se celebra el V Centenario de su nacimiento con varios conciertos en su honor. Así, el festival se inaugurará con un recital de piano, Homenaje a Santa Teresa, interpretado por el Premio Nacional de Música, Diego Fernández Magdaleno, que tendrá lugar en el teatro de la Escuela Superior de Canto – Palacio Bauer, el jueves, 19 de febrero.
A este concierto se unirán otros cuatro. Omaggio a Santa Teresa de Ávila, a cargo del Ensemble Nuove Musiche, en el Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer), el 4 de marzo; Misa de Santa Teresa, de Johann Michael Haydn, interpretado por la Sociedad Lírica Complutense, en la Catedral Magistral de los Santos Niños de Alcalá de Henares el 7 de marzo y en el Teatro Bulevar de Torrelodones el 28 de marzo, que clausura el Festival; De la mística en la música. Tras la huella de Santa Teresa, con In Hora Sexta, en la Iglesia de San Pedro Apóstol de Torremocha el 14 de marzo; y por último, el 19 de marzo, Música litúrgica en tiempo de Santa Teresa, con Schola Antiqua, en la Iglesia Parroquial de San José de Madrid.
El Festival de Arte Sacro nació, hace ahora 25 años, con el propósito de que Madrid y su región se convirtieran en sede de una muestra de música, teatro, danza y cine única relacionada con lo religioso, lo sacro y lo espiritual.
La aceptación del público y la crítica especializada, su amplio espectro estético, la revalorización de las obras y montajes, y en ocasiones la revelación de compositores españoles han hecho del certamen uno de los más importantes de España, y entre los mejores en su género de Europa.
En este dilatado periodo de tiempo, Arte Sacro ha preservado su identidad espiritual y se ha convertido en un festival original, único en su género, ya que los demás festivales de temática religiosa o espiritual que existen en el panorama cultural o internacional, está orientados casi exclusivamente a la música.
La temática del festival se conjuga armoniosamente con los espacios donde se desarrolla: edificios históricos, iglesias, palacios o teatros. Con este formato, Arte Sacro contribuye a difundir y destacar el rico patrimonio de la región, tanto por lo que se refiere a edificios históricos o iglesias, como a órganos en perfecto uso, restaurados por la Comunidad.


Teatro-Clásico

“El Brujo- Lazarillo de Tormes”. Teatro Cofidis. Hasta el 27 de abril.
Fernando Fernán Gómez adaptó el clásico relato picaresco español, “El Lazarillo de Tormes”, a una obra destinada a ser representada por Rafael Álvarez, más conocido como El Brujo. De esta manera, entre ambos autores crearon una poética función que profundiza en la marginación, el hambre y la dura infancia que deben sobrellevar muchos niños. 
Mediante la ironía se muestran los paralelismos entre aquella desdichada época y la situación actual de innumerables menores en el tercer mundo. Toda una declaración de intenciones convertida en un monólogo teatral en el que el infante protagonista se confiesa ante una serie de personajes que, aunque el espectador no ve, se encuentran a su lado en el escenario. Así, las andanzas del Lazarillo se tornan en un camino hacia la sabiduría que reflexiona sobre el poder y los desequilibrios del mundo.


Danza

“Danza Macabra”. Teatro Real. Hasta el 21 de marzo.
El Teatro Real acogerá en marzo la “Danza Macabra”, el ballet de John Neumeier basado en la obra de Thomas Mann “Muerte en Venecia”. Una adaptación libre del coreógrafo estadounidense que se estreno por primera vez en la Staatsoper de Hamburgo en 2003. En esta ocasión el protagonista Aschenbach es un prestigioso coreógrafo que sufre la perdida de la inspiración.
La obra de Mann, publicada en 1912, ha sido adaptada en múltiples ocasiones. Ya lo hizo Luchino Visconti, quien la llevo al cine en 1971. Todos se inspiran en este relato sobre la búsqueda de la belleza y la pérdida de la juventud y la vida. En esta ocasión Neumeier divide el acto en 10 escenas y lo acompaña de la música de Bach y Wagner.
Neumeier ingresó como director del Ballet de Hamburgo en 1973 y desde entonces, se ha convertido en toda una referencia en Alemania y en el mundo. 


viernes, 13 de marzo de 2015

Teatro-Clásico

“El Buscón”. Teatro Fernán Gómez. Hasta el 5 de abril.
El Teatro Clásico de Sevilla acerca al público los mejores pasajes de “El Buscón”, de Quevedo, una de las mayores obras de la picaresca española que viene representada por 7 actores que interpretan a 50 personajes. 
Esta célebre novela titulada “Historia de la vida del Buscón”, llamado Don Pablos ofrece las aventuras y desventuras de un joven llamado Pablos que trata de dejar atrás su baja estofa social y alcanzar la condición de caballero. Sin embargo, el protagonista no hace más que fracasar en su constante búsqueda de estabilidad económica al tiempo que sus farsas sobre su pertenencia a la nobleza siempre acaban siendo descubiertas. Una magnífica caricatura de la sociedad con modernos planteamientos que cuenta con una espléndida representación teatral.

Uno de los mejores clásicos españoles de todos los tiempos; por lo tanto,¡ imprescindible!

Teatro-Comedia

“Los hombres son de Marte y las mujeres, de Venus”. Teatro Fígaro-Adolfo Marsillach. Toda la temporada.
“Los hombres son de Marte y las mujeres de Venus” es un exitoso monólogo de humor en donde el popular cómico Sinacio debate consigo mismo sobre el amor y las diferencias entre ambos sexos. 
Dirigido por el cantante y actor Nacho Novo, esta obra es la adaptación que Paco Mir realiza del best-seller mundial del mismo nombre que lleva siete años triunfando en los teatros franceses de la mano de su creador, Paul Dewandre.

Un montaje que además de hacer reír, desgrana las particularidades de cada género y reflexiona sobre la necesidad de comprender al contrario. Así, Sinacio explora la forma de evitar discusiones, cómo son sus actitudes afectuosas o las mejores maneras que existen para comunicarse entre marcianos y venusianas.

Teatro-Comedia

“El señor Ye ama los dragones”. Naves del Español. Del 18 de marzo, al 3 de mayo.
Estamos frente a  una divertida comedia en la que se mezcla el thriller y las historias apocalípticas otorgándoles una buena dosis de sarcasmo al mismo tiempo que se explora la unión entre Oriente y Occidente. 

Una misteriosa niebla está invadiendo la ciudad. Además, Magdalena se acaba de cruzar en su edificio con una extraña presencia sin rostro. Aterrorizada llama a sus vecinas de origen chino en busca de información. Allí se encontrará con Xiaomei, una joven que cuida a su enferma madre en el lúgubre sótano del inmueble, y que parece ser la única que conoce lo que está ocurriendo a su alrededor.

jueves, 12 de marzo de 2015

Teatro-Comedia

“Más apellidos vascos”. Teatro Marquina. Toda la temporada.
Tras el gran éxito cosechado por  “Ocho apellidos vascos”, convirtiéndose en la película española más taquillera de la historia, la productora La Zona lleva al entablado su secuela teatral, Más apellidos vascos. Una función con personajes nuevos y argumentos renovados.
Escrita por Diego San José, coguionista del film junto con Borja Cobeaga, y los dramaturgos Roberto Santiago y Pablo Almárcegui, la obra mantiene intacto el mismo tipo de humor de su predecesora al trasladar ese choque de identidades entre el norte y el sur a la escena teatral.
Dirigida por Gabriel Olivares e interpretada por Leo Rivera, Cecilia Solaguren, Carlos Heredia y Rebeca Valls, el montaje cuenta con una estructura fragmentada que relata ocho historias breves que siguen reflejando con mucha comicidad las diferencias entre Andalucía y País Vasco.


Teatro-Comedia

“Salvator Rosa o el artista”. Teatro María Guerrero. Hasta el 5 de abril.
Esta divertida y rica en barrocos diálogos obra de Francisco Nieva presenta dos metáforas cuya temática continúa vigente en la actualidad.
La primera de ellas es fruto del espacio y del tiempo, donde el autor sitúa la trama en la ciudad de Nápoles en torno a 1640 y donde muestra que el concepto de “indignados” ha estado siempre muy presente.
La segunda metáfora representa el choque de dos concepciones artísticas: el realismo y la ficción poética. Para ello, utiliza personajes de siglos pasados que reflexionan como actores del presente.
La obra se presenta como los textos del Siglo de Oro, con mucho barroquismo verbal y formal y también en relación a su principal tema: el amor de una joven con un célebre pintor de la época de Rivera. Pero, en el fondo, se trata de una sátira sobre el poder.
“Este texto de Nieva es lengua y lenguaje, ya que une la belleza del idioma a la acción de un teatro de siempre, con el aliciente de presentarnos dos metáforas que no han perdido un ápice de actualidad con el paso del tiempo.
Una es fruto del propio espacio y tiempo donde el autor sitúa la trama: la ciudad de Nápoles en torno a 1640, relatada de manera excelente por el Duque de Rivas en un capítulo de su obra que lleva por título “Sublevación de Nápoles, capitaneada por Masanielo”, en donde apreciamos cómo el concepto de "indignados" está muy presente en el discurrir histórico de los pueblos.
El otro tema, de no menor actualidad, lo representa el choque de dos concepciones artísticas que siempre han estado confrontándose de muy diversas maneras a lo largo de la Historia del Arte. Por un lado los seguidores del llamado realismo y, por otro, los de la ficción poética”, según el escritor Guillermo Heras.
Sin embargo, decir que la construcción dramática del texto es un tanto farragosa y que, en realidad, confunde más que aclara porque no sabemos si habla del amor o del poder o de ambas cosas o del amor como arma de poder. En este sentido, Nieva se deja llevar por su maestría en el lenguaje y en el dibujo de unos personajes ciertamente interesantes, en perjuicio de un argumento claro y conciso.

Con todo, el montaje está bien dirigido e interpretado, adornado con una escenografía fantástica (por buena).

Magia

“V Festival Internacional de Magia de Madrid”. Teatro Circo Price. Hasta el 5 de abril.
Este festival reúne, en Madrid, (dentro del V Festival de Magia Internacional de Madrid) a algunos de los mejores magos del mundo para conformar un espectáculo sin precedentes que además de mezclar nacionalidades también combina distintas modalidades de ilusionismo. 

El alemán Topas, el belga Doble Mandoble, el holandés Marcel Kalisvaart, el coreano Hun Lee y los españoles Jorge Blass y la pareja Diego y Elena son los prestidigitadores que se dan cita sobre el escenario del Teatro Circo Price en esta velada tan especial. Un show que asombrará a grandes y pequeños gracias a los fantásticos trucos que estos magos son capaces de realizar.

Teatro-Drama

El lenguaje de tus ojos o el príncipe travestido”. Naves del Español. Hasta el 22 de marzo.
“El lenguaje de tus ojos o el príncipe travestido” es una obra que se adentra en las diferentes relaciones que se tejen en la corte de Barcelona, donde el amor, el poder y la traición se entremezclan a lo largo de la función. 

La princesa de Barcelona se ha enamorado de Lelio, un misterioso hombre que encabeza un ejército. Temerosa de que no sea de sangre azul, la princesa le pide a su confidente, Hortensia, que le investigue. Cuando ella ve a Lelio reconoce al hombre que una vez le salvó la vida. Ambos se sienten atraídos entre sí, pero Hortensia no quiere traicionar a su amiga.

Además, el príncipe de Castilla acaba de pedir la mano de la princesa barcelonesa con la intención de unir ambos reinos. Y es en ese momento cuando Federico, un ambicioso aristócrata, decide asesinar a Lelio para promocionarse dentro de la corte.

Teatro-Drama

“Como si pasara un tren”. Teatro Español. Hasta el 22 de marzo.
“Como si pasara un tren” es la obra de la dramaturga argentina Lorena Romanín que otra compatriota suya, Adriana Roffi, se encarga de dirigir para el público español. Una función que mezcla comedia y drama en un argumento que rebusca dentro de las relaciones familiares.  

Susana vive en una pequeña ciudad cuidando de su hijo Juan, quien tiene un retraso madurativo que le convierte en un niño a pesar de la edad. Pero todo cambia con la llegada de su sobrina Valeria, enviada allí por su madre tras encontrarle marihuana. El equilibrio por el que tanto había trabajado se va al traste debido a la rebeldía mostrada por Valeria y que comienza a influir en su primo.

jueves, 5 de marzo de 2015

Teatro-Drama

“Invernadero”. Teatro Abadía. Hasta el 29 de marzo.
Escrita en 1958 por el dramaturgo británico Harold Pinter, pero estrena en 1980, Invernadero es una obra teatral que fusiona el humor negro y la comedia de enredo para burlarse del sistema institucional y los gobiernos autoritarios.
Un texto que ha sido reinterpretado por Eduardo Mendoza y que el director uruguayo Mario Gas lleva a escena con un reparto que incluye a actores de la talla de Gonzalo de Castro y Tristán de Ulloa, entre otros.
En una supuesta clínica, el director es informado por su ayudante de la muerte del paciente 6457, un hecho que provoca una notable crisis entre los empleados del centro. Todos se ven envueltos en una historia que mezcla el realismo con la crítica más ácida hacia la jerarquía establecida.
Uno de los mejores Pinter, tan crítico con la sociedad y los poderes establecidos en su inigualable estilo surrealista.
¡Imprescindible!


Teatro-Tragicomedia

La pechuga de la sardina”. Teatro Valle Inclán. Hasta el 19 de marzo.
El Centro Dramático Nacional (CDN) recupera una de las obras más relevantes de Lauro Olmo, uno de los dramaturgos más representativos del Realismo Social. “La pechuga de la sardina” se estrenó en 1963 y su principal personaje es su atmósfera asfixiante, dominada por la miseria material y moral. 
El drama refleja de manera descarnada la vida de pobreza, opresión y resignación sufrida durante la dictadura franquista. La acción se desarrolla en una pensión habitada por inquilinos de vida desdichada, principalmente las mujeres. El montaje producido por el CDN cuenta con la dirección escénica de Manuel Canseco.

Una obra coral, bien dirigida y sobresalientemente interpretada, donde trabaja la fantástica Amparo Pamplona, que, desgraciadamente, nunca se ha prodigado demasiado en las tablas y quien aquí se muestra en todo su esplendor interpretativo.

Teatro-Clásico

“Enrique VIII y el cisma de Inglaterra”. Teatro Pavón. Hasta el 26 de abril.
El Teatro Pavón de la capital acoge el estreno de “Enrique VIII y la cisma de Inglaterra”, a partir de la obra de Calderón de la Barca, que la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha recuperado con la dirección de Ignacio García.

Se trata de un drama que habla de la responsabilidad del gobernante con la ciudanía. Las decisiones personales y su responsabilidad como rey se enfrentan en numerosas ocasiones, llegando a convertirse en un drama para el propio monarca.

Teatro-Tragicomedia

Buena gente”. Teatro Rialto. Toda la temporada.
Nominada en los Premio Tony como mejor obra de 2011 y escrita por el Premio Pulitzer David Lindsay-Abaire, Buena gente” es una de las representaciones más aclamadas por crítica y público de los últimos años en Broadway. Un montaje que David Serrano adapta para el público español y que tiene como protagonista a Verónica Forqué.
La actriz madrileña se pone en la piel de Margarita, una mujer de casi sesenta años que debe cuidar a su hija discapacitada de cuarenta. Sus únicos ratos de ocio son las quedadas que organiza con las amigas para ir al bingo. Algo que ahora debe suprimir porque acaba de ser despedida de su trabajo. Con su edad y la terrible situación laboral que existe no sabe cómo va a pagar las facturas. Sin embargo, un buen día se reencuentra con Raúl, su novio de la adolescencia, quien se ha convertido en un prestigioso y adinerado médico. Y es en ese momento cuando Margarita piensa que tal vez él pueda echarle una mano.
La obra comienza como un auténtico vodevil almodovariano con tres actrices “marujeando” todo lo que pueden. Pero, poco a poco, va tomando un cuerpo diferente en un tono más dramático y profundo, que es lo que le da su verdadero valor. El final, aunque previsible, cierra el círculo argumental de una forma maestra, cuando ya todos pensábamos que al autor se le había olvidado un detalle. Y pese a tener cierta moralina (muy bien escrita, eso sí), entra bien porque está bien dirigida y mejor interpretada, especialmente, por las actrices (La Forqué, en una de sus pocas interpretaciones en las que no hace de ella misma, menos mal; Susi Sánchez, una de nuestras mejores actrices teatrales, o Pilar Castro, que está que se sale).
En resumidas cuentas, “Buena gente” es una buena obra que nadie debería perderse.