CRITICAS Y RESEÑAS

CRITICAS Y RESEÑAS
Teatro, Danza, Opera, Cabaret y Circo

miércoles, 28 de mayo de 2014

Cabaret

"Lo mejor de Antonia". Teatro Circo Price. Día 31 de mayo.
La famosa actriz Antonia San Juan (Stella Reynolds, en la serie televisiva “La que se avecina”) recoge sus mejores monólogos para ofrecerlos al público que la ha seguido de siempre y también al que la ha descubierto hace poco en televisión.
Lo mejor de Antonia” derrocha ternura, carisma y un delicado punto de locura. En esta función nos vamos a reencontrar con una actriz que se entrega por completo al público, sin piloto automático, sin red y sin medida, para divertir, sorprender y reflexionar.
La actriz vuelve con este espectáculo a sus orígenes del cabaret, cuando actuaba en los bares de Madrid con ese toque de insolencia, desparpajo y mucho descaro y verdad que le han llevado al gran éxito que ha conseguido tanto en teatro y cine, como televisión.


viernes, 23 de mayo de 2014

Concierto

“Carmina Burana”. Teatro Reina Victoria. Día 25 de mayo.
Nacido a finales del Siglo XIX, Carl Orff es actualmente conocido  casi en exclusiva, por su "Carmina Burana". Su famosísima, interpretadísima y versionadísima Carmina Burana. El primer poema de la cantata, el “Ubícuo” o “Fortuna” es conocido, estoy completamente seguro, por todos vosotros, aunque no supierais ni el nombre de la pieza, ni de qué forma parte, ni mucho menos que su autor es un tal Carl Orff…
Efectivamente, aunque Orff compuso bastantes obras más, incluidas seis óperas, no se interpreta de él prácticamente nada más que su omnipresente Carmina Burana… seguramente porque su poco claro pasado al socaire del régimen nazi le ha pasado factura. En efecto, Orff fue de los pocos músicos que vivieron y medraron en la Alemania nazi, entre 1931 y 1945, y fue también de los pocos que respondió a la llamada oficial del régimen para hacer una nueva versión musical del “Sueño de una noche de verano”, de Shakespeare… Resulta que la famosa adaptación orquestal de la obra que compuso  Mendelssohn no era grata a los delicados oídos de los jerarcas nazis, debido a que… ¡Mendelssohn era judío! Como yo no soy jerarca de nada, ya veis, me encanta el Sueño de una Noche de Verano de Mendelssohn, por muy judío que fuera el gran Felix, y es posible que, tarde o temprano, acabe saliendo por aquí…
La verdad es que si hubiéramos seguido las mismas pautas nadie escucharía hoy la Carmina Burana de Orff, dado que fue compuesta hacia 1936 y estrenada al año siguiente, en pleno auge de don Adolf y sus muchachos, y tuvo un enorme predicamento entre la sociedad nazi, donde fue muy estimada e interpretada hasta la saciedad…
Y sin embargo nosotros, la sociedad occidental, no pensamos en estas cosas cuando oímos esta Cantata, una de las obras más interpretadas del repertorio (junto con las grandes Sinfonías de Beethoven o de Mahler, el Mesías de Haendel y quizás las Pasiones de Johann Sebastian Bach). Simplemente escuchamos la música, leemos la letra (debidamente traducida, a ser posible, luego veremos por qué), canturreamos junto con los solistas o el coro… y disfrutamos. Al menos, hablo por mí. Porque, digo yo, que qué tendrán que ver las opiniones personales o políticas de un artista para que te guste o no su obra…

Orff creó su cantata sobre textos medievales también conocidos con el mismo nombre de Carmina Burana (bueno, en realidad es al revés, claro: la Cantata toma el nombre de los textos en que se basa). Su nombre latino quiere decir “Canciones de Beuern”, por el Monasterio benedictino de Beuern, cerca de Munich, donde fueron encontrados al secularizarlo, a principios del Siglo XIX, y que hoy día están depositados en Munich. Por cierto, la pronunciación correcta de este término en latín clásico es “Cármina Burana”, con el acento tónico en la primera a del “Carmina”.
Su temática es completamente profana, en unos Siglos donde el dominio de la Iglesia era abrumador, sobre todo porque virtualmente toda la instrucción estaba en sus manos, en los monasterios, por lo que casi la totalidad de textos de la época son sacros… menos estos Carmina Burana bávaros, y un par más de “Carminae” más, uno de ellos en Cambridge, y el otro en el monasterio español de Ripoll, en el Pirineo gerundense.
Efectivamente, ya lo veréis, la temática de estos cantos no puede ser más profana: canciones de amor (cerca de la mitad de todos los textos son de exaltación del amor… pero no del amor platónico, precisamente), canciones de alabanza a la bebida (alcohólica, claro está) y al juego, canciones satíricas de burla del poder establecido, incluso del eclesiástico, con acerbas críticas a la tan bien instalada simonía medieval… lo más alejado que imaginarse pueda de los textos píos mayoritarios en la época.



Teatro-Comedia

“Tuppersex”. Nuevo Teatro Alcalá. Del 29 de mayo, al 6 de julio.
Escrita y dirigida por Edu Pericas, estamos ante una divertida y jocosa propuesta que muestra cómo la empresa My Secret Flower quiere contratar a nuevas asesoras con el objetivo de ampliar las ventas de juegos eróticos.
Pero un problema inesperado motiva que la sexóloga habitual que tiene que dar el curso sea sustituida por una extravagante peluquera de barrio, sin pelos en la lengua, que terminará convirtiendo la sesión en un hilarante caos. "He querido hablar –comenta el autor– de sexo y mujeres y muy especialmente de la masturbación femenina, porque creo que es un tema que no se trata a menudo".


Crítica de Teatro-Drama

“Misántropo”. Teatro Español. Hasta el 21 de junio.
¿Qué es la verdad? ¿Es rentable la verdad?  ¿Merece la pena buscarla cuando su esencia áspera y dura puede desbaratar nuestra imperiosa necesidad de confort y placer? ¿Sigue siendo verdad una verdad fabulada aunque se haya asumido como la verdad, y nada más que la verdad?
 Tras el éxito de “La función por hacer “ y de “Veraneantes”, Kamikaze Producciones sube a los escenarios este “Misántropo” de Molière en que los personajes son reflejos de hombres y mujeres del siglo XXI. Una puesta en escena contemporánea y ácida, en el que el humor y el ritmo vertiginoso  descubren la profundidad del clásico, la huella atemporal de esos interrogantes incómodos sobre la verdad, la ausencia de verdad y sus consecuencias.

Un callejón oscuro. El rumor de la música, el eco vibrante, eléctrico y bullicioso de los cuerpos que bailan, las manos que brindan, las miradas que juzgan, las lenguas que murmuran. Ellos y ellas. Enredados en amores y miedos, en vanidades y euforias. Él, un hombre solo.
 Alcestes, el protagonista de la obra, anhela vivir en la verdad. Quiere ser honesto y sincero y que los demás lo sean con él. Pero sus contradicciones y su incapacidad para encontrar el término medio que le permita vivir le llevan a retirarse al desierto por el que clama desde la primera conversación con su amigo Filinto. Alcestes pone en peligro su integridad por defender la verdad. Porque no se acomoda a la ficción imperante y porque está dispuesto a perderlo todo en defensa de lo que cree.
 La frescura, el dinamismo, la revitalización de los clásicos, el valor del texto, la conjugación de comedia y tragedia, la apasionada interpretación de los actores y la complicidad e interacción con el público son algunas de las señas de identidad de las producciones de Miguel del Arco. Y es que Del Arco es uno de los directores más aplaudido del teatro español actual. Con veinte años de trayectoria en el mundo del espectáculo, este actor y guionista de cine y televisión es además fundador, junto a Aitor Tejada, de la compañía Kamikaze Producciones con la que ha llevado a escena algunos de los más grandes éxitos de los últimos años, como “La función por hacer” (2009), “El Proyecto Youkali” (2010), “Veraneantes” (2011), “Juicio a una zorra” (2011), “De ratones y hombres” (2012), “Deseo” (2013) y “Misántropo” (2013).
Israel Elejalde, el actor de da vida al personaje protagonista, está que se sale en el posiblemente mejor papel de su carrera. Por su parte, Barbara Lennie (Celimena), le da un perfecto contrapunto y se ha convertido en una de nuestras mejores y más versátiles actrices. En cuanto al resto del elenco, también formidables. Todos ellos, grandes actores y aún, mejores, en esta ocasión, gracias a una sobresaliente dirección.
Respecto a la puesta en escena de este montaje moderno –algo que no siempre suele resultar acertado en el caso de los textos clásicos, tanto en teatro, como en ópera-, es atrevida y eficaz y no chirría en ningún momento.
Como resultado, tenemos en el Teatro Español esta maravilla de versión, que, actualmente es la mejor obra teatral sobre los escenarios de Madrid. Además, Molière siempre será Molière…


Zarzuela

“Trilogía de los fundadores”- “Catalina” / “El dominó azul” / “El Diablo en el poder”. Teatro de la Zarzuela. Del 4, al 21 de junio.
“Trilogía de los fundadores” es una novedosa propuesta con tres de los títulos que fortalecieron el género lírico en los mejores años del Romanticismo. Tres magníficos ejemplos teatrales de la gran labor de Gaztambide, Arrieta y Barbieri que presentan, respectivamente, tres amables intrigas amorosas de aire histórico. El primero, con Catalina, utiliza un trasfondo militar a finales del siglo XVII en Finlandia; el segundo, el ambiente cortesano del Madrid de Felipe IV con El dominó azul; y el último, con El Diablo en el poder, se traslada a la corte madrileña de los Borbones a comienzos del siglo XVIII.
El director de escena, Álvaro del Amo, propone destacar los números musicales dentro del desarrollo argumental y mantener la esencia del diálogo —más reducido— que cobra vida en boca de algunos de los personajes que servirán de guías en cada una de estas historias. Se trata, en cada caso, de mantener la relación original entre lo hablado y lo cantado.


Musical

Mierda de artista”. Teatros del Canal. Del 29 de mayo, al 15 de junio.
Este es un musical sobre la vida y obra del artista conceptual Piero Manzoni.
A través de una historia de ficción, esta comedia retrata un momento crucial en la Historia del arte y lo hace mezclando diálogos rápidos con música italiana de mediados del S.XX y homenajeando a los musicales clásicos.
Todos estos elementos se combinan para contar la historia del artista conceptual Piero Manzoni que en los años sesenta revolucionó el mundo del arte contemporáneo vendiendo latas con sus propios excrementos dentro bajo el título de 'Mierda de artista'. Con esto pretendía hacer una crítica radical a la valoración de las obras de arte.


Teatro

“El tesorero”. La Pensión de las Pulgas. Hasta el 28 de mayo.
Aprende a robar con el Tesorero: contabilidad B, sobornos, favores, sobres, Suiza, dinero negro, saqueo de cajas de ahorros, recalificaciones, enchufes para tu familia y amigos…
Esta es una comedia sobre la corrupción escrita y dirigida por el dramaturgo y director José Ignacio Tofé.
Se trata de una comedia con la que el autor pretende que nos riamos de nuestros políticos, hartos de que sean ellos los que se ríen de nosotros.

Para su particular retrato de los corruptos la compañía ha optado por la comedia ácida, la sátira, la risa como válvula de escape ante una realidad trágica. “El Tesorero” traslada a los espectadores a los despachos de los ministerios, para que puedan ver cómo se comportan nuestros políticos cuando las cámaras no les están enfocando.
Los políticos se ríen de nosotros todos los días. El teatro nos va a permitir tomarnos la revancha, y reírnos de ellos durante hora, según el propio autor...
Promete…


Danza

“Dunas”. Teatros del Canal. Hasta el 25 de mayo

La sobresaliente bailarina española María Pagés que ha sido galardonada con el Premio Nacional de Danza se une a Sidi Larbi Cherkaoui en este espectáculo que fusiona el flamenco con la danza contemporánea en una coreografía conjunta.
La música que pone ritmo a los movimientos se caracteriza por una mezcla de ecos flamencos, clásicos y árabes. El resultado es una obra renovadora en la que se representan las raíces artísticas de ambos coreógrafos.
María Pagés declara al respecto de este espectáculo: “Desde siempre, mis encuentros con Sidi Larbi Cherkaoui han sido producto de un armónico y acompasado destino”.
Por su parte, el artista árabe afirma que “conocer a María ha sido como conocer una corriente de energía apasionante y positiva”.


Crítica de Cabaret

“A Marte Cabaret”. Teatro Rialto. Hasta el primero de junio.
Creado y dirigido por la compañía cómica Yllana (gestora del Teatro especializado en comedia Alfil), con un texto de Secun de la Rosa y producida por Drive Entertainment.
Este un show cabaretero y circense (al estilo de “The Hole”) lleno de música, humor, erotismo, poética y ese punto incorrecto y golfo como solo pueden tener los marcianos!
Argumento: En un secretísimo lugar de nuestro planeta, tiene lugar una fastuosa fiesta intergaláctica, llena de enigmáticos personajes y rebosante de lujuria y diversión, y conocida en toda la Galaxia, donde las limitaciones mentales de los humanos no tienen cabida.
Los espectadores pueden tomarse una copa, cenar y disfrutar de espectaculares números: stripteases, humor, acrobacias, rodeados de estos seres evolucionados y artistas en una party llena de cabaret, música, erotismo y la maestra de ceremonias (la desternillante cómica televisiva y teatrera Cristina Media, de “La que se avecina”) más salvaje y divertido hasta el infinito y más allá.
Sin ser una mega-producción para tratarse de uno de los mayores teatros de la Gran Vía, ésta es original, divertida y transgresora: hay números, como el solo de Sex Man o el de la artista gorda, que a cierto tipo de público pueden escandalizar. De hecho, el guionista ha utilizado el sexto –recurso, por otro lado, facilón- para llamar la atención. Pero como todo es tan desenfadado, los números circenses son buenos y la presentación de la Medina es fantástica por su humor y saber hacer en las tablas, pasamos dos horas riendo, bebiendo, comentando y aplaudiendo. Salimos encantados y con ganas de repetir. Y es que la Medina es mucha Medina y los Yllana, son lo mejor en humor nacional teatral.
¡Todos a Marte..!


viernes, 16 de mayo de 2014

Teatro-Drama

“Oficio de tinieblas”. Teatro María Guerrero. Hasta el 25 de mayo.

“Oficio de tinieblas”, escrita en 1966 por José Ricardo Morales, tiene mucho que ver con el teatro experimental de los 60-70. Interpretada por Amparo Pamplona y Manuel de Blas, dirigidos por Salva Bolta, esta obra se representa en la más absoluta oscuridad, ya que como Morales ha comentado sobre este montaje: "Me basto con la palabra para expresar plenamente cuanto sucede en escena, suprimiéndose con ello toda la teatralidad". Este innovador planteamiento sería seguido más tarde por Beckett en Solo (1980) y aquí por Jesús Campos en A ciegas (1997) y por David Desola con Siglo XX… que estás en los cielos (2006).

Teatro-Drama

“La bella de Amherst”. Teatro Guindalera. Hasta el 31 de mayo.

Una historia de amor con el lenguaje, una celebración de todo lo que es bello y doloroso en la vida. Un apasionante encuentro con la poetisa estadounidense más grande de todos los tiempos, Emily Dickinson.
La escritora nos desvela su íntima experiencia vital con pasajes de su vida escogidos: desde el comienzo de su actividad poética hasta su muerte, recluida en su casa y con la puerta cerrada a la sociedad, acompañada simplemente por vivencias personales con sus seres más queridos.
El personaje vive en la eternidad. Sus miedos y anhelos han desaparecido, pero tiene la habilidad de revivir profundamente lo vivido y reflexionar mejor sobre su pasado con distancia.
Un viaje alegórico y lírico por el recuerdo desordenado de una vida ya vivida, con un aire a veces absurdo y alucinado, pero otras veces tremendamente realista. Emily Dickinson, desde su mundo poético, invita a los espectadores a valorar la vida a través de una visión distanciada de la experiencia humana.
“Entre mi País y los otros hay un mar pero las flores negocian entre nosotros como un ministro.”Creo que vivir puede ser una bendición para aquellos que se atreven a intentarlo.  La verdad es una cosa tan rara que es delicioso decirla.” (Emily Dickinson)



Teatro-Comedia

“Incrementum”. Teatro Lara. Desde el 20 de mayo.
En el 2011, sin ayudas públicas ni privadas nacía la Productora Barco Pirata con el estreno de la obraIncrementum”, en la sala Kubik Fabrik. Después, llegaron “Tempestad” y “Continuidad en los parques”. Y las tres se encuentran de gira por España.
“Incrementum” está basada en un texto de Georges Pérec. Dirigida y adaptada por Sergio Peris Mencheta, vuelve el 20 de mayo a Madrid, a las madrugadas más golfas del Teatro Lara.
“Has reflexionado detenidamente, has tomado una decisión, y vas a ver a tu Jefe de Departamento para pedirle un aumento” (tema del texto).
El director nos presenta un montaje lleno de ironía e imaginación. “Incrementum” nos sumerge en el vertiginoso periplo de un empleado en busca de un aumento de sueldo, un objetivo que se dilata a lo largo del tiempo en una circularidad repetitiva y disparatada. En un espacio blanco y austero, la impecable interpretación de las seis protagonistas es el sello que marca la diferencia. A medida que la escenificación avanza descubrimos la fisura de los personajes, que transitan todos los estados de ánimo al quedar enredados en sus propias especulaciones mentales…


jueves, 15 de mayo de 2014

Crítica de Teatro

Aventura”. Teatros del Canal. Hasta el 25 de mayo.
Estamos ante una comedia del aclamado director teatral Alfredo Sanzol.
Después de éxitos como “Delicadas” o “En la luna”, este conocido director teatral lleva a las tablas una nueva apuesta que versa sobre la posibilidad de convertirse en esclavos del sistema sin apenas darse cuenta.
Todo comienza cuando seis socios reciben una oferta de compra por parte de una empresa china. Ninguno de ellos sabe muy bien cómo ocurre pero el caso es que al final, en lugar de vender la compañía, acaban vendiendo a una de las socias.
Sanzol ha declarado al respecto de este montaje: “En ‘Aventura!’ los personajes están atenazados por el miedo y acaban haciendo algo que nunca harían. Creo que nuestra mayor fragilidad es el miedo, y esta obra intenta reducirlo poniendo delante de los ojos un fantasma colectivo: 'el de convertirnos en esclavos”.
Las comedias o son buenas o suelen ser muy malas; no hay término medio. Y es que el humor es lo más difícil, tanto en teatro, como en el resto de los espectáculos. En este caso, el fino humor  que la obra nos ofrece viene combinado con una excelente y original dirección de actores y unas interpretaciones sobrias e inteligentes. El teatro catalán, guste o no guste, tiene fama de ser serio y aquí, T de Teatre, la compañía que ha puesto en escena el texto, lo corrobora con creces.
Además, si el humor viene aderezado con un mensaje, como es el caso que nos ocupa, mejor que mejor, pero sin moralinas, simplemente, diciendo cómo es la vida y mostrándonos un espejo para que veamos nuestras fortalezas y nuestras miserias, tal como somos, nos guste o no…



miércoles, 14 de mayo de 2014

Opera

La Bohème”. Teatro Reina Victoria. Hasta finales de mayo.
Con dirección musical de Alexis Soriano y la escénica de Carlos Wagner, esta conocida ópera de Puccini llega a Madrid con un elenco de cantantes sobresalientes.
“La bohème” es una ópera en cuatro actos3 con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, quienes simplificaron y aunaron los diferentes episodios de la novela por entregas, Escenas de la vida bohemia de Henry Murger,4 publicada en el periódico El Corsario a lo largo de cinco años (1845-49). Refleja las vivencias de Puccini durante los años de estudiante en el conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni.
El estreno de La Bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896.5 y dirigido por un joven Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica. Actualmente, La bohème es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la cuarta más representada en todo el mundo para el período 2005-2010.6 En 1946, cincuenta años después del estreno de la ópera, Toscanini dirigió una representación con la Orquesta Sinfónica de la NBC. Esta representación fue con el tiempo lanzada en disco y en CD. Es la única grabación de una ópera de Puccini por su director original (véase Grabaciones más abajo).
Ahora, Opera de Madrid presenta, en el Teatro Reina Victoria, este montaje sobrio, pero elegante, sencillo, pero de gran calidad musical, donde los cantantes y la orquesta brillan como las estrellas del firmamento. Destacan los dos protagonistas, ella por su belleza y textura de voz. El, por su potencia y maravilloso timbre de tenor de primera.

¡No os la perdáis!

Opera

“Los cuentos de Hoffmann”. Teatro Real. Del 17, al 21 de mayo.17 DE 
En la nueva versión de “Les contes d’Hoffmann” de Jacques Offenbach que presentamos al público de Madrid, Nicklausse, la musa y el alter ego de Hoffmann, canta al final de la ópera: “On est grand par l’amour, mais plus grand par les pleurs” (El amor nos hace grandes, y más grande aún el llanto). Este es un motivo del considerado “el siempre divertido Offenbach” y, sin embargo, se trata de una concepción artística con la que se une al movimiento romántico desde Victor Hugo hasta Thomas Mann pasando por Berlioz, para el que la obra de arte y la inspiración surgen del sufrimiento y la melancolía sobre el acontecer del mundo. Esto convierte a la única ópera de Offenbach en una singular creación en la que el arte triunfa sobre el dolor del amor.
Programa
Opéra fantastique en cinco actos
Libreto de Jules Barbier, basado en la obra de teatro homónima de Barbier y Michel Carré, inspirada en cuentos de E.T.A. Hoffmann

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Ópera de Stuttgart

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)
Ficha Artística
  • Dirección musical: Sylvain Cambreling
  •   Till Drömann (May. 28, 31 · Jun. 3, 18, 21)
  • Dirección de escena: Christoph Marthaler
  • Escenografía y figurines: Anna Viebrock
  • Iluminación: Olaf Winter
  • Coreografía: Altea Garrido
  • Dramaturgia: Malte Ubenauf
  • Dirección del coro: Andrés Máspero
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  • Hoffmann: Eric Cutler (May. 17, 21, 25, 28 · Jun. 3, 6, 9, 12, 15)
    Jean-Noël Briend (May. 31 · Jun. 18, 21)
  • La Musa / Nicklausse: Anne Sofie von Otter (May. 17, 21, 25, 28 · Jun. 3, 6, 9, 12, 15)
    Hannah Esther Minutillo (May. 31 · Jun. 18, 21)
  • Lindorf / Coppélius / Dr. Miracle / Dapertutto: Vito Priante
  • Andrés / Cochenille / Frantz / Pitichinaccio: Christoph Homberger
  • Olympia: Ana Durlovski
  • Antonia / Giulietta*: Measha Brueggergosman
  • Stella: Altea Garrido
  • La voz de la madre de Antonia: Lani Poulson
  • Nathanaël: Gerardo López
  • Spalanzani: Graham Valentine
  • Hermann: Tomeu Bibiloni
  • Schlemil: Isaac Galán
  • Maítre Luther / Crespel: Jean-Philippe Lafont 

Teatro-Drama

“Le Voci di Dentro”. Teatros del Canal. Del 15, al 18 de mayo.
Con el famosísimo Piccolo Teatro di Milano y firmada por Eduardo de Filippo y protagonizada por Toni Servillo, nos llega esta maravillosa obra.
Después de la estupenda “Trilogia de la Villeggiatura”, de Goldoni, la nueva colaboración entre el Piccolo Teatro di Milano y Teatro d’Europa, Teatro di Roma y Teatri Uniti di Napoli es “Le voci di dentro” (“Las voces de dentro)”, de Eduardo De Filippo, dirigida y protagonizada por el gran Toni Servillo (protagonista de “La gran belleza”, Oscar a la mejor película de habla no inglesa).
¡Absolutamente imprescindible!


Danza

Tell me”. La Nave del Cambaleo. Días 10 y 11.
Carmen Werner vuelve al collage musical. La coreógrafa estrena con ésta una nueva pieza coral, en la madrileña Nave del Cambaleo. Esta nueva creación de la compañía Provisional Danza se alimenta del concepto de vacío.

La compañía Provisional Danza está de nuevo de actualidad y en una infatigable trayectoria estrena su nueva producción Tell me en la madrileña Nave del Cambaleo los días 10 y 11 de este mes. La dirección y coreografía es de su directora, Carmen Werner (Madrid, 1953), y la plantilla es la habitual de su conjunto, uno de los pocos de la región que mantiene una vida profesional más o menos estable. Recientemente y por motivos de la crisis, Werner tuvo que cerrar su ampliamente reconocido estudio y escuela, donde impartía clases y experimentaba para sus creaciones, un sitio por el que había pasado un gran número de artistas de las dos últimas generaciones de la danza moderna española; obligada por las circunstancias a llevarse el trabajo a casa, ha creado otro estudio junto a su vivienda en las afueras de la capital, y allí ha surgido Tell me. La compañía Provisional fue fundada en 1987; veinte años más tarde, en 2007, Carmen obtiene el Premio Nacional de Danza por sus creaciones, que a día de hoy abarcan un catálogo que supera el medio centenar de piezas con colaboraciones en Asia y América Latina, además de alguna incursión en cine documental.