CRITICAS Y RESEÑAS

CRITICAS Y RESEÑAS
Teatro, Danza, Opera, Cabaret y Circo

viernes, 21 de octubre de 2011

“Locas”. Casa de Vacas. Hasta el 30 de octubre.
En la aséptica sala de un psiquiatra, dos mujeres se desnudan por dentro y aunque, aparentemente, tienen vidas totalmente opuestas, al final, descubren que la locura les sirve para sobrevivir.
Este montaje fue estrenado, con gran éxito, en la Sala Nudo, de Malasaña, y anteriormente, en el Teatro Versus, de Barcelona.
El montaje muestra, en tono tragicómico, la fragilidad del ser humano y su necesidad natural de meterse en la piel de otras personas, de inventarse personajes, para afrontar la realidad cotidiana. De lo contrario, moriría.

Circo

“Donka, una carta a Chéjov”. Teratro Compac Gran Vía. Hasta el 30 de octubre.

Daniele Finzi Pasca, responsable de espectáculos para las compañías Cirque Eloize o Cirque du Soleil, es el alma creativa de “Donka, una carta a Chéjov”, un show con toda la magia del circo, que rinde homenaje a la figura del famoso dramaturgo ruso Antón Chéjov. A través de una puesta en escena de gran belleza, la obra pone en movimiento los escritos del famoso autor ruso, pero también sus silencios. Una suerte de poema visual donde los objetos cobran vida al mismo ritmo de los cuerpos en suspensión.
Y todo ello, a través de un hilo conductor: la historia de un pescador que faena en el río de la fantasía circense.
El origen de este espectáculo es la fascinación que los diario de Chéjov han ejercido sobre Finzi: éstos recogen minuciosamente la relación del dramaturgo con su familia, sus pacientes, con el teatro…Es en estas páginas donde buscó detalles escondidos del mundo tan extraño que habitaba en el escritor, que consideraba a la medicina como su esposa legal y a la literatura, como su amante.

Crítica de Musical

“El Rey León”. Teatro Lope de Vega. Hasta fin de temporada.

El musical “El Rey León”, en el que la productora Stage Entertainment lleva tres años trabajando, es un espectáculo que, paradójicamente, ha vuelto a las técnicas teatrales del siglo XVII para llenar de belleza y emoción el escenario.
Adaptado por el dramaturgo de éxito Jordi Galcerán (“El método Grönholm”), en él puede apreciarse el esfuerzo y la entrega de todo el elenco (53 actores, 21 músicos, 16 personas dedicadas al vestuario, 6 de maquillaje y peluquería y así hasta un total de 130).
La productora ha invertido diez millones de euros en este proyecto (incluida la necesaria renovación del teatro Lope de Vega) y en el que ha tenido un papel decisivo Julie Taymor, responsable de la dirección, el vestuario (hecho a mano y a medida) y las máscaras.
En realidad, el musical es una alegoría en la que están presentes el animal y el ser humano, según sus responsables.
 El argumento es una gran historia en la que hay emoción y aventura, el optimismo, el sentido de pertenencia a una comunidad, la magia y la superación personal".
Por otro lado, y a nivel artístico, el musical auna las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas africanas, occidentales y asiáticas. Así, junto a la realización de máscaras africanas, tallas y esculturas animadas, también se ha aplicado la técnica Bunraku (los artistas visibles para el público controlan unas figuras de gran tamaño mientras el narrador cuenta la historia) o el teatro de sombras balinés.
La música es otra de las grandes bazas de “El Rey León”. A las canciones compuestas por Elton John y Tim Rice se une el álbum inspirado en la película de animación, “The Rhythm of the Pride Lands”, con canciones del cantautor sudafricano Lebo M, Mark Mancina, Jay Rifkin y Hans Zimmer. Estas letras han sido reescritas para la versión escénica pero mantienen el sonido sudafricano. La influencia española también está presente en este montaje en el que se ha querido que los espectadores se identifiquen con los personajes y mostrar lo que “El Rey León” significa en España.  
 También es de destacar el desarrollo de la técnica de "doble evento", consistente en que las máscaras que llevan los artistas mantienen su parte animal y, por otro lado, dejan ver la interpretación actoral.
En realidad, nunca, hasta ahora, habíamos asistido a un musical con una escenografía y vestuario tan grandiosos. En el fondo, es lo mejor de él, junto a los bailes locales. Porque en lo que a la historia se refiere, es la misma que la de la película, por lo que se queda en un cuento infantil o, como mucho, para toda la familia. Algo que no está nada mal, pero que se queda corto para un público adulto más amplio.
Y respecto a la música, falla la carencia de un tema recurrente, como ha de tener todo musical que se precie, y otros temas complementarios pegadizos y que emocionen. Por eso, y porque no se ha elegido bien al actor que interpreta a Simba adulto (que, sorpresivamente, es blanco, cuando de niño, es interpretado por un actor negro), “El Rey León” no emociona. Y es una pena porque podría llegar a hacerlo. Se queda en una gran muestra de arte y puesta en escena, pero nada más…

miércoles, 12 de octubre de 2011

Teatro

“Escenas de Teatro Despojado”. Teatro Pradillo. Del 27 al 30 de octubre.
Un puñado de escenas breves, relatos cotidianos que indagan en las relaciones humanas. Un espacio escénico despojado de elementos materiales y un grupo de actores guiados por la motivación de hacer del teatro un lugar cercano y accesible.
La estética del despojo, supone un tipo de expresión autoral, estéticamente pensada para espacios no convencionales. El punto de partida es que los propios actores, como creadores, son los encargados de concebir las piezas teatrales a partir de improvisaciones. De este proceso surge un texto y una partitura de acciones cuyo objetivo es dar vida a una situación, centrándose en la presencia del actor.
Con este rasgo nace una estética despojada de elementos materiales, como respuesta a un modelo escénico saturado de componentes prescindibles.
Algo diferente. Teatro conceptual.

Teatro Infantil

“El viaje de Martín”. Teatro Galileo. Hasta el 27 de noviembre.

“El viaje de Martín” es un espectáculo de títeres, dibujos animados y teatro para que los más pequeños se diviertan mientras aprenden a superar los miedos y dificultades desde la infancia. La compañía Titiriguiri nos regala esta historia de superación en un formato innovador que cuenta con varios elementos muy atractivos para los niños.
El Teatro Galileo presta su escenario para este viaje audiovisual, que dirige e interpreta sobre el escenario Sonia Muñoz.

Teatro

“La caída de los dioses”. Naves del Español. Hasta el 23 de octubre.
El reputado director de escena Tomaž Pandur rinde homenaje a Luchino Visconti con una versión teatral de la película La caída de los dioses. Esta es la historia del declive y la descomposición de una aristocrática familia alemana, propietaria de una poderosa acería, en los primeros momentos del tercer Reich, al hilo de acontecimientos como el incendio del Reichtag. Los Essenbeck, que se han debatido entre el apoyo y el desprecio al partido de Adolf Hitler, se enzarzan en una sangrienta lucha por el poder tras el asesinato del patriarca, el barón Von Essenbeck.
Toma Pandur rinde, así, homenaje al cineasta Luchino Visconti con un reparto integrado por Belén Rueda, Pablo Rivero, Nur Levi, Fernando Cayo y Manuel de Blas, entre otros.
 La obra cuenta la historia del declive y la descomposición de una aristocrática familia alemana, propietaria de una poderosa acería, en los primeros momentos del III Reich, al hilo de acontecimientos como el incendio del Reichtag.
Los Essenbeck, que se han debatido entre el apoyo y el desprecio al partido de Adolf Hitler, se enzarzan en una sangrienta lucha por el poder tras el asesinato del patriarca, el barón Von Essenbeck.
El también desaparecido director Rainer Werner Fassbinder explicó lo que supuso la película de Visconti. "Quizás, la mejor película. La película que creo que representa para la historia del cine lo mismo que Shakespeare para la historia del teatro", dijo, según los organizadores de la obra.

Danza

“La Duarte”. Teatros del Canal. Hasta el 16 de octubre.
La bailarina Eleonora Cassano se despide de los escenarios madrileños con "La Duarte", un espectáculo en el que, sin apenas diálogos, se recrea la vida del mito argentino Eva Perón, a través de la música y el baile. Así, Cassano dice adiós a Madrid con este montaje de Silvia Vladimivsky, en el que se pasa por alto el rigor histórico, político y cronológico, para detenerse en la personalidad de un figura que marcó profundamente a la sociedad argentina.
"La Duarte”  rescata a la Evita más íntima, y muestra sus pasiones y conflictos internos, su sexualidad, sus amores, sus odios y, sobre todo, su objetivo en la vida.
"Evita es uno de los personajes que más placer me han causado de los que he interpretado, ya que me permite poner mucho de mi persona y volcar mi arte y mi personalidad en escena; vivo y disfruto el papel, me transformo un poco en ella", ha indicado Cassano.
Una llamativa presentación que le ha supuesto a Cassano, según sus palabras, "una experiencia muy fuerte y emocionante", con la que ha sentido "toda la energía de Madrid y del personaje", la cual, ha dicho, piensa guardarse para ella y volcarla luego en el escenario.

Teatro

“Diario de un poeta recién casado”. Teatro Abadía. Del 19 al 23 de octubre.
A sus 35 años, Juan Ramón Jiménez partió a Nueva York para casarse con Zenobia Camprubí, por cuyo amor batalló y que más allá de esposa era su musa y su compañera.
Diario de un poeta recién casado”, en el que conviven verso y prosa, da fe de este viaje iniciático. Es un libro-umbral; con su aparición cambia decisivamente la poesía española del siglo XX.
El director de La Abadía, José Luis Gómez vuelve a escena para poner voz a esta "breve guía de amor por tierra, mar y cielo", como él define, envolviendo la selección de textos en un sutil paisaje sonoro. En la génesis de este proyecto está un hermoso audio-libro editado por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales.   Presentada por primera vez en 2009, esta velada fue acogida con palabras como éstas: "Gómez encarna un Juan Ramón aislado y solitario, viviendo sólo la cadencia de su verso y la naturaleza única e íntima de cada palabra. Y, sin embargo, todo, el patio de butacas, las paredes del teatro, todo hasta el infinito / se colma de una esencia / inmensa y viva."       

Crítica de Teatro

“Veinticinco años menos un día”. Teatro Español. Hasta el 13 de noviembre.
“Veinticinco años menos un día” es una obra que contiene dos obras e, incluso, una tercera. La primera obra es una comedia y es la historia de un adulterio y un extravagante triángulo amoroso. Como la obra sucede en Inglaterra, todo el mundo se hace el “sueco”.
La segunda obra es una comedia sobre una representación teatral, “The tea is ready”, que, tras casi veinticinco años de permanencia en la cartelera londinense, está a punto de saltar por los aires. Ya se sabe que tanto un matrimonio, como una representación teatral que se prolongan más de lo debido tienen un mismo resultado: el tedio.
Y la tercera de las comedias la protagoniza el valeroso nieto de P.D.Green, que procura, por todos los medios a su alcance, recuperar para nuestros días la olvidada figura de su abuelo y su significación en el teatro inglés y, por lo tanto, en el teatro universal.
Nos encontramos frente a una loca comedia sobre el matrimonio, pero también sobre el mundo del teatro y sobre el de los actores. Es decir, una comedia sobre la comedia, donde la ficción y la realidad se confunden.
Así, considera a su obra Antonio Alamo, el autor, que ha construido una deliciosa pieza maravillosamente dirigida e interpretada y que, aunque parezca un puro divertimento, no sólo es eso, sino mucho más. Mucho más porque critica profundamente la institución matrimonial. También critica la hipocresía de la sociedad burguesa bienpensante, en este caso, la británica. Y porque ha dibujado unos personajes delirantes y que dan en el clavo respecto a lo que el texto quiere decir.
Entre los actores, destacan Ana Fernández, (Mrs. Blake, la esposa) y el británico Richard Collins-Moore, el instructor que hace de P.D. Green.
De lo mejorcito en la actual cartelera madrileña…

lunes, 3 de octubre de 2011

Teatro-Comedia

“Tartufo”. Teatro Fernán Gómez. Hasta el 23 de octubre.
“Tartufo” es un clásico del teatro universal, escrito por el gigante Moliére, gran “escarbador” de los sentimientos y pasiones humanas. Con el excitante sonido del jazz de los felices 20 y pasajes escénicos que recuerdan a las grandes películas de comienzos de la era del cine, este montaje se basa en parámetros habitualmente explorados por su director, Hernán Gené. Se trata, según él, de una confirmación explícita y pública de una excelencia escénica que, sin buscar el escaparate del show, fascina por sus valores genuinos y, al mismo tiempo, conquista los aplausos y galardones por parte del público. Aquí, los actores son el centro del espectáculo: es una obra de texto, por supuesto, pero un montaje de dirección de actores. Por eso, en esta ocasión, nos encontramos con un Tartufo redondo.
¡No se la pierdan!

Teatro-Comedia

“Top Model”. Teatro Fernán Gómez. Hasta el 23 de octubre.
“Top Model” es una sátira hilarante que trata el tema de la obsesión de nuestra sociedad por el físico, por la apariencia externa, por el miedo a envejecer, por el predominio de la forma por encima del fondo. Se trata de un guiño al género teatral el disparate, en donde poder depurar las contradicciones y los dramas de nuestra, a veces, miserable existencia.
El argumento relata cómo después de su particular bajada a los infiernos, Max ha encontrado su propio camino hacia la felicidad y está entre nosotros para compartirlo, incluso, sus secretos…aunque, si bien es cierto, que en absoluto todos…
Una comedia sugerente, divertida, fresca y con un gran mensaje…

domingo, 2 de octubre de 2011

Musical

“Hair”. Teatro Arteria Coliseum. Desde el 27 de octubre, hasta fin de temporada.

El musical más hippie, “Hair, ha aterrizado en Madrid. La actriz Lucía Jiménez, a la que descubrimos como cantante en “Los dos lados de la cama”. La historia versa sobre un grupo de hippies en su lucha contra el sistema, la intolerancia y la deshumanización de la sociedad. Premio Tony al Mejor Revival en 2009, su argumento aborda, sin censura, temas como las drogas, la libertad sexual y religiosa, la paz y la insumisión e incluye en su banda sonora grandes temas clásicos, como “Aquarius”, “Good Morning Starshine” o “Let the sunshine in”.
Junto a Lucía Jiménez, que alcanzó la popularidad en España por la serie “Al salir de clase”, fue nominada al Goya a la Mejor Actriz Revelación en 1996 por “La buena vida” participan los actores Joan Vázquez y Tony Bernetti. Joan Vázquez ha participado en obras como “Los chicos de Historia”, “Mamma Mia!”, “My Fair Lady” o “Rent”, y ya encarnó a Claude en el reparto de “Hair”, en Barcelona. Tony Bernetti, por su parte, protagonizó “Grease, El musical de tu vida” y ha actuado en otras grandes producciones, como “Los Miserables” o “West Side Story”.
“Hair” nos sitúa en los años 60, en Estados Unidos, donde la juventud, harta de imposiciones y de una realidad gastada y monótona, reacciona en busca de su identidad. La historia fue llevada al cine por Milos Forman (“Amadeus”), en 1979.

Musical

“Más de cien mentiras”. Teatro Rialto. Hasta fin de temporada.

Más de 100 mentiras” es un musical, un thriller de amor, comedia y deseo encarnado por los personajes nacidos de la amplia obra del compositor y cantante Joaquín Sabina y con una cuidadosa selección de sus canciones como protagonistas indiscutibles. En el repertorio se incluyen 22 canciones -cuya selección ha sido monitorizada por Sabina y Pancho Varona-, como “Pastillas  para no soñar”, “Yo quiero ser una chica Almodóvar”, “¿Quién me ha robado el mes de abril?”, “Y nos dieron las diez” o “Contigo.  
El elenco de este musical, de dos horas está encabezado por Juan Pablo di Pace, Álex Barahona, Guadalupe Lancho, Víctor Massán, Diego Paris, Juan Carlos Martín, Felipe García Vélez, Marta Capel, Toni Viñals, Jaime Zataraín y Silvia Álvarez.
Los responsables del montaje aseguran haber tratado, en todo momento, de " hacer una historia con principio y final claro con personajes serios, no algo superficial y banal, como muchos otros musicales ".
Por otro lado, en un principio, Sabina no quería secundar este proyecto. Pero  cuando fue a ver “Enamorados Anónimos”, musical al que cedió dos composiciones, le conmovió que estuviera perdiendo tanto dinero con dicha producción, a pesar de su "éxito artístico".
Para este musical, los productores han invertido tres millones de euros.
El musical cuenta la historia de tres compañeros que trabajan para un capo pero deciden montárselo por su cuenta, momento en el que éste les tiende una trampa. Uno muere en el tiroteo, otro escapa y sigue trabajando para el mafioso, mientras que al el tercero le caen tres años de cárcel. Pasado el tiempo, reaparecerá para ajustar cuentas.
Más de 100 mentiras”, que también quiere viajar hasta México y Argentina, en un futuro, es la cuarta obra española y de creación de la productora de espectáculos Drive Entertainment –“Hoy no me puedo levantar”, “Enamorados anónimos” y “40 El Musical”.

Opera

“Elektra”. Teatro Real. Hasta el 15 de octubre.

La ópera “Elektra”, de Richard, ha inaugurado la 15ª temporada del Teatro Real con una producción procedente del Teatro San Carlo de Nápoles, donde se estrenó en 2003. Dirigida musicalmente por el prestigioso Semyon Bichkov, el montaje cuenta con una espectacular escenografía de Anselm Kiefer y dirección escénica del fallecido Klaus Michael Grüber.
El primer contacto de Strauss con la “Elektra” del poeta y dramaturgo austriaco Hugo von Hofmannsthal (1874-1929) fue a través de una inquietante puesta en escena de Max Reinhardt (1871-1943), en el Kleines Theater de Berlín, tal como había sucedido con “Salomé”, de Oscar Wilde, que originó su ópera anterior. Del encuentro de estos tres geniales artistas nacería más tarde el Festival de Salzburgo.
Con esta ópera, Strauss y Hofmannsthal iniciaron una larga y tortuosa colaboración, interrumpida por la prematura muerte del escritor austriaco, en 1949, antes del estreno de su última ópera conjunta, “Arabella”.
   Cuando los sorprendentes descubrimientos arqueológicos de Troya y Micenas habían puesto de moda la cultura griega, en la Viena de fin del siglo XIX, donde también florecía el psicoanálisis, Hofmannsthal escribió el libreto de esta ópera, con clara influencia psicoanalítica. La obra toma del psicoanálisis la exaltación de las pasiones paterno-filiales y se desarrolla de la mano de Sófocles alejándose de él para negar a Elektra la redención final. En este sentido, Hofmannsthal creó un psicodrama de creciente tensión, introduciendo en él la intriga e, incluso, la ironía con enorme eficacia y cohesión y, al mismo tiempo, otorgando a cinco doncellas y una celadora el papel del coro griego.
Por su parte, Strauss crea una arrolladora partitura de tonos sombríos, en los límites de la tonalidad, con predominio de la armonía sobre la melodía.
Esta producción cuenta con dos elencos en los que sobresalen las dos sopranos que comparten el papel protagonista de 'Elektra', dos norteamericanas de generación, perfil y carácter muy diversos: Deborah Polaski, una de las más grandes Elektras actuales; y Christine Goerke, que debutará el papel en Madrid.